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viernes, 28 de septiembre de 2018

CRÍTICA A LA OBRA DE TEATRO "EL DESEO ATRAPADO POR LA COLA"





“El público creerá en los sueños del teatro
si los acepta realmente como sueños y
no como copia servil de la realidad, si le permiten
liberar en sí mismo la libertad mágica del
sueño, que solo podrá reconocer impregnada
de crueldad y terror…”

(Antonin Artaud)

Pablo Picasso (1881/1973), el artista plástico malagueño, escribió  este texto en 1941 y en 1944 propició una lectura dramatizada con un elenco singular:

Jean-Paul Sartre, Raymond Queneau, Dora Maar, Albert Camus, Simone de Beauvoir, entre otros.
El escrito destila surrealismo, socarronería por doquier, desparpajo y delicia, despliega unas criaturas bizarras y tiernas. El lugar era París y el tiempo el de la ocupación nazi. Por ende, las ideas, la imaginación, lo lúdico y picaresco, los sueños, era aquello que les permitía a esas personas superar su cotidiano, la horrenda ocupación nazi.

También tenían el deseo, como un globo rojo rebotando sobre sus cabezas y entre sus cuerpos.

Un mozo marroquí, sonriente y mudo, una violinista de azul cabello, una señorita con velo algo loquita, un gordo con gruesa linterna, un hombre en monopatín, unas hermanas siamesas tan desquiciadas...reciben al público y lo invitan a recorrer el pintoresco espacio. Se escuchan discursos en alemán en viejas grabaciones mientras el público espera el inicio del espectáculo, que en realidad ya ha comenzado.

Pinturas. Pequeños y grandes dispositivos. Vegetación. Una vieja y digna casona de principios de siglo XX, de múltiples habitaciones e intrincados recovecos, en suma: un decadente buen gusto.

Picasso escribió este texto como un lienzo, con técnica de collage, episódica, con narrativa impregnada de lo onírico. Las palabras más bien usadas por su sonoridad, su ritmo ó el sentido de un montaje de atracciones.
Una escena ecléctica, con foso y una cama elástica, con puertas laterales e iluminación puntual de un spot. La otra fuente lumínica es una linterna utilizada por algún personaje. Las paredes desnudas y descascaradas como si un bombardeo acosara esa casona y la música (a veces solo sonido) de la violinista azulada que en escena interviene según avanza el relato.
Y el ciervo como espectral sacrificio animal, humano, sobre todos.

El lugar es un hotel o es un burdel o tal vez un hospicio, un campo minado, un suelo blando, un panóptico sensorial, siempre es un lienzo. Un toro bravo ante el público antes de la hecatombe. El deseo vibrante en las entrañas, silba en la cabeza, estruja el corazón.

Unos personajes tan peculiares nos dan muestra de un artista desmesurado y único. Muy ricas y matizadas actuaciones de todo el elenco, con una dirección detallista y creativa.


DRAMATURGIA: Pablo Picasso

ELENCO: Agustín Barbuto, Luisa Cabral, Santiago Cejas, Darío Chiocconi, Natalia Garuti, Melisa Iranzo, Diego Miccige, Hugo Nuñez, Mariela Ponsetti

MÚSICA EN VIVO: Cecilia Tedeschi

ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: Diego Miccige

DIRECCIÓN: Ramiro García Zacarías


Teatro  QUERIDA ELENA
 Sábados  21:30 HS
Pi y  Margall 1124  CABA


Crítica: Gustavo Oviedo




martes, 25 de septiembre de 2018

CRITICA A LA OBRA TEATRAL "NADA ESPECIAL"







Bajo una impronta única, Pablito no clavó nada a través de Nada Especial, invita al espectador a jugar y a ser parte de un mundo que interpela y cuestiona el deber ser. Es una obra que atrapa desde un inicio al jugar con diversos procedimientos artísticos. La música, la diversidad de colores en escena, ritmos, repeticiones y soporte audiovisual genera dinamismo y distención en el espectador.

La representación se lleva a cabo mediante bloques, en los cuales conviven proyecciones, cuerpos en movimiento, diferentes calidades de voz, mucho juego y espontaneidad. Cada uno de estos se ve modificado por los otros, se reconocen y se perciben, lo cual ayuda a lograr una real fluidez entre cada bloque.

Se puede ver en escena mucha diversión, energía, pasión, interpretes comprometidos y entregados al juego, versátiles y libres. Un espacio libre de escenografía y un juego constante con objetos propios de los personajes.

Es una propuesta movilizadora que genera consciencia, recuerdos, risas, placer y definitivamente invita a reflexionar sobre la vida, sobre el deber ser, sobre el disfrutar, sobre el ser tú mismo, sobre el ser feliz, sobre la inclusión y entre otras cosas sobre el poder decidir lo que merecemos.

Realmente… ¿Eres libre?








Intérpretes: Concepción Covello, Florentina Messina, Juan Pablo Ruiz, Tomas Fernández Castaño.
Dirección: Braian Alfonso
Dramaturgia Colectiva
Asistencia General: Claudio Glennon
Asistencia en escena: Denise Gómez
Producción: Marcela Andrés y Pablito no Clavó Nada
Diseño  y realización de vestuario: Tamarindo
Diseño de iluminación: Estefanía Piotrkowski
Visuales y sonido: Ignacio Tomé
Prácticas de movimiento: Nadia Gómez
Asistencia de maquillaje: Florentina Messina y Juan Pablo Ruiz
Los maquillajes son realizados por los intérpretes
Fotografía: Julián Cardoso, Ignacio Tomé y Lucas González Canosa
Realización audiovisual: Julián Cardoso
Ilustraciones: Bárbara Pampin
Colaboración musical: Martin Lohrengel
En coproducción con: Hasta trilce

Critica: Alejandra Moreno

Dirección: Maza 177 CABA
Funciones: Miércoles, 21:00 hs
Lugar: Hasta Trilce

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL El Che y Yo – Dir.: Raúl Garavaglia




Llegó su muerte y todos los señores pusieron la guirnalda. La alerta roja alineó a los Rangers. Llegaron los de Prado con sus brecht…llegaron con la CIA…Un lugar digno como un aula quedó ensombrecido de pólvora.

Nadie entendía nada. Claro está que entender oscurece las órdenes. El “buen” ciudadano sólo escucha.

Herido, cansado…pero impertérrito como un mármol, Guevara espera su sentencia ya cantada. Las voces libres de América lamentan ese movimiento de tropas, esa falsa distracción, los traidores como Debray y sus estúpidos comunicadores.

Entretanto, una extraña figura mitológica lo asfixia en sus últimas horas. Lari Lari del altiplano, hábil ladrón de la paz de los últimos minutos se dispone a someter al guerrero. Robar su alma será una obra maestra...Y lo golpea mediante recuerdos, reproches de su derrota, buscando cada fuga posible de debilidad en este hombre malherido. Pero claro que no es fácil quebrar un ser semejante.  

El Che y Yo, retrato de la resistencia estoica de un hombre afín a la verdad y la justicia, entregado en sangre por aquél pobre, sin rostro, sin voz, sin salud, sin escuela…llamado a atormentar a los injustos, los poderosos, los oligarcas…

Excelentes actuaciones de Guevara (Laurentino Blanco) y Lari Lari (Tomás Claudio) hacen de la puesta una obra íntima, donde se reivindica la fiereza como la sensibilidad de El Che. Diálogos muy bien logrados que dan toque humano a ese personaje indomable.

El último suspiro parece incipiente. Pero el tiempo no pasa. Eternamente grabado con gloria en la conciencia de los luchadores…laburantes, mujeres, campesinos, estudiantes… Pesadillas para los injustos.

El Che y Yo se presenta los Domingos 19 hs en Korinthio Teatro, Mario Bravo 437 CABA.

Ficha Técnica
Elenco
Laurentino Blanco (El Che)
Tomás Claudio (Lari Lari)
Asistencia de Dirección: Lautaro Lombardo / Asistencia de Producción: Ana Tolosa / Asesoramiento en Maquillaje: Laura Spampinato / Producción de fotos: Tomás Arguindegui / Diseño y operación de luces: Rebeca Rossato/ Diseño gráfico: De Cero Identidad Gráfica / Utilería: Matías Noval / Dramaturgia y Dirección general: Raúl Garavaglia  

Crítica: Guido Facile


miércoles, 19 de septiembre de 2018

CRÍTICA A LA PELÍCULA "AHÍ VIENE"




Ahí Viene es una despedida con sabor a reencuentro. 

Tiene el color,  la luz, el sonido de la nostalgia, es un salto a todo lo que  está dejando de ser, y nos deja en el alma una tristeza, de esas que a uno le agarran cada vez que mira para atrás, y recuerda todos esos lugares que han dejado de existir pero siempre estarán en nuestro corazón.

Al comienzo nos invade el hastío y el encierro, se vuelve lenta y algo sofocante, pero al ir desarrollándose la podemos descubrir, y todo es un reflejo y metáfora del interior de su sombrío protagonista. Su director, Federico Jacobi nos da un paseo por la vida de un hombre gris, con imagenes tan de nuestra cultura suburbana con la misma banda sonora, todo es tan argento como reconocible como propio.

Cabe destacar la magnífica, y  fragmentada fotografía de Javier Paglia,  que de a momentos nos muestra solo partes y así y todo vemos el todo, el recurso de la cámara desde fuera de la vivienda de su protagonista, nos acentúa su soledad y aislamiento, lo estamos espiando,  todo el tiempo, la luz natural, los claro oscuros, como si la dejadez de su protagonista también se reflejara en los recursos que simulan la falta de recurso, las tomas cortadas, desde afuera, la luz natural, etc.

Daniel Quarata sobresale en su austera, justa y real interpretación de este hombre que se desintegra en las puertas de la muerte, su soledad es enorme y no podemos estar indiferentes frente al cruel paso del tiempo.

Ahí Viene... es solo eso, una despedida con sabor a reencuentro, es esa despedida de la que no podremos escapar, 

·         Título original: Ahí viene
·         Estreno: 13.09.2018
·         Clasificación: Apta para mayores de 13 años
·         Actores: 
Daniel Quaranta
Paula Napolitano
Nahuel Yotich
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·         Director: 
Federico Jacobi
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·         Guionista: 
Gastón Varela
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·         Director de fotografía: 
Javier Paglia
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·         Música: 
Walter Jacobi

Crítica: Noe Ragaglia
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·         Producción: 
Federico Jacobi
Diego Napoli
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Desde el 20 al 26 de septiembre  en el Cine Gaumont 
Funciones todos los días a las 19:35hs  


CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LUCY IN THE SKYPE"





Dicen que la belleza de las cosas simples se justifican por si solas... y sin dudas este es el caso de Lucy in the Skype.

15 espectadores, 15 metros cuadrados, en 15 minutos, y no se necesita mas que eso para presentar la estructura de Microteatro Buenos Aires. 

Y el hecho de poder narrar, emocionar, hacer reír, y dejarnos satisfechos (pero con ganas de ver más) en solo 15 minutos es un gran desafío para cualquier dramaturgo, y Javier Pomposiello parece no saberlo, o tener tanta empatía con el formato de 15 que lo maneja a la perfección. 

Lucy es pequeña y gigante, es real y habla sobre el amor, porque este es el mes de por amor en Microteatro y esta mini obra está repleta del amor más puro... no les cuento más porque vale la pena verla.

Con Julieta GonçalvesLaura SilvaRicardo Bangueses como sus protagonistas, reales, actuados con sobria justeza, no exageran nada, y nos hacen sentir que por un rato nos asomamos por la ventana  de sus casas y los espiamos en silencio.

Lucy in the Skype Tiene el encanto de las cosas simples, y la grandeza de lo que puede brillar desde lo pequeño.

"Lucy in the Skype" en Microteatro. De miércoles a domingos en funciones de 15 min. entre las 20 y las 22 hs. Serrano 1139 (Palermo). Tickets online en microteatro.com.ar 

Dramaturgia y Dirección: Javier Pomposiello
Actúan: Laura Silva, Ricardo Bangueses y Julieta Gonçalves / Luciana Buschi
Asistencia de Dirección: Layla Ohanian
Diseño Gráfico y Dirección de Arte: Javier Pomposiello
Preparación Vocal: Maia Barrio
Coach idioma danés: Cesar Posse
Producción General: Javier Pomposiello
Crítica: Noe Ragaglia


lunes, 17 de septiembre de 2018

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "¿QUIÉN MATÓ A CARLOS GROENBERG??




Ocho personajes, cinco sospechosos y múltiples motivos para llevar a cabo la acción. Una noche lluviosa teñida de discusiones y el punto culminante, su quiebre, un asesinato que cambia el curso de la historia. Guiados por una voz en off relatora, el público acompañará a los dos detectives destinados a develar el misterio de la muerte del fotógrafo Carlos Groenberg.

Con un escenario que representaba el interior de la casa, funcionando paralelamente como sala de estar y escritorio, los personajes hacen sus entradas y salidas cruzándose y generando sospechas entre los unos y los otros. El sonido, habiendo funcionado correctamente al igual que las voces de los actores que lograban proyectarse en la sala, hacían que fuera posible comprender el desarrollo de la obra. Sin embargo, al estar siendo representada en el espacio de la sala Colette en el Paseo La Plaza, se dificulta la total apreciación de la obra por parte de los espectadores debido a la disposición de la misma. Esto genera que no se pueda observar la totalidad del escenario y no poder valorar tanto la escenografía como el vestuario y la completa actuación de los actores en escena.
Los cuerpos de los personajes se encontraban abiertos y disponibles a que los movieran entre preguntas y acusaciones, mientras ellos mismos trataban de pensar ideas que los salvaran de verse implicados en el crimen.
El amor, la codicia, los negocios y los engaños envuelven el ambiente generando ansiedad hasta el último momento donde el misterio pierde su máscara y da a luz la inesperada y sorpresiva respuesta al asesinato.




FICHA TECNICO ARTISTICA:
Elenco: Nicolás Colfer, Cecilia Dellatorre, Lucía Machado, Maximiliano Menna, Claudia Oliveri, Lupita Sosa, Sebastián Zaus, Sebastián Zignego.
Voz off: Fabián Vena
Iluminación: Brenda Kaplan
Maquillaje: Milagros García Pillado y Lupita Sosa
Fotografía: Cristobal Aldezabal
Diseño Gráfico: Francisco Bó
Asistencia de producción: Laura Manganelli Zuviri
Asistencia de dirección: Brenda Kaplan y Lucía Machado
Prensa: Mas Prensa
Producción ejecutiva: Cecilia Dellatorre
Dramaturgia y Dirección: Sebastián Zaus
Duración: 60 minutos.
Crítica: María Victoria Giacoia

ESTRENO: 
Viernes 7 de Septiembre – 23hs.
Paseo La Plaza – Sala Colette
Av. Corrientes 1642 – CABA- 
Entrada: $300.-
Reserva de localidades en: Alternativa Teatral

domingo, 16 de septiembre de 2018

ENTREVISTA LITERARIA AL ACTOR Y DRAMATURGO PABLO OLIARO





Los tres libros más importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
Buenos recuerdos tengo de Juan Salvador Gaviota, de chico, que creo que me gustó bastante. De esa época de mi vida también “El misterio del cuarto amarillo”, que me introdujo al género policial y misterio. Más adelante me encontré con la serie de Carlos Castaneda: “Las enseñanzas de Don Juan” y siguientes. Pero si tengo que elegir tres obras literarias, hoy elegiría Crimen y Castigo, Las Ruinas Circulares y  Hamlet.
¿Último libro que leíste?
Homo sacer. El poder soberano y la vida nuda. De G. Agamben.
¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
No creo en las marcas eternas. Tuve que leer bastante la Biblia, por mi origen católico. Por suerte algunas de esas marcas quedaron borradas o al menos distantes. El I’Ching en mi adolescencia tardía y una poesía de Borges que la versión que tengo trae consigo. El  Libro Tibetano de la Vida y de la Muerte, ya de grande. Antígona, en sus versiones de Sófocles y de Jean Anohuil y Totem y Tabú de S. Freud.
¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
Al inspector Dupin, el personaje de Poe, para que me cuente con lujo de detalles las circunstancias que rodearon el momento en que descubrió el escondite de la Carta Robada.
¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
A Lady Macbeth. Creo que es una mujer apasionada y con un gran sentido del humor, dos condiciones indispensables para pasar un buen momento. Claro que la invitaría antes de que se le haya desatado la psicosis y comience a alucinar con la sangre...
¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
Me cuesta pensar en un libro que me haya decepcionado. Siempre se puede rescatar algo.
¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
Nuestra incapacidad para entender el concepto “Bien Común”
¿Cuándo comenzaste a escribir? Qué recordás de lo primero que escribiste?
A los diez u once años. Poesía, rimas de amor. En esa época leía también G.A. Becker, P. Neruda, y otros. Creo que siempre fue el amor sexual mi motivación más importante. Mi primer libro de poesías era una libretita con tapas amarillas donde volcaba lo escrito. Lo quemé no hace mucho, aunque no estaba tan mal...
¿En qué circunstancias escribís?
Cuando pinta... o en todo caso cuando venzo a la pereza, o no soy complaciente con la procastinación sintomática.
¿Qué es lo que te gusta de escribir teatro? Qué es lo que te atrae de ese mundo?
Soy más actor que dramaturgo. El teatro – la actuación – es un arte en la que instrumento, obra y ejecutante son lo mismo. Escribir teatro es escribir no-literatura. El guion teatral no existe como tal hasta que no es puesto en escena, como el televisivo o como el cine. Lo maravilloso del teatro es que no hay dos funciones iguales, porque el público está ahí, el “lector” está sentado en la platea y la obra se retroalimenta función tras función. Escribir y ver lo escrito puesto en escena, es una fórmula que me resulta muy gratificante, y ver cómo se modifica un libro en el tiempo, es algo que sólo la dramaturgia ofrece.
¿Qué le dirías sobre “Detalles de Autor” a una persona para invitarla a que vea la obra?
No esperes mucho más que una muy buena trama, un desarrollo atrapante y un final difícil de prever. Entre medio, algo de cómo somos cuando nos vinculamos. Una historia de traiciones, locura y amores prohibidos.


jueves, 13 de septiembre de 2018

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "TRESH"




Unos miran y otros viven. 

Algunos seres miran la vida que no se animan a vivir y la postergan, mientras otros  viven el despertar a una nueva conciencia con lucidez y compromiso.

Las noches interminables y sin sentido de Olga e Irina, se contraponen al lucido despertar de Masha, le hermana menor, la cual no se deja enmarañar por los vaivenes emocionales y excesos de las otras dos.

Así se podría simplificar la realidad de estas tres hermanas, cautivas de un duelo eterno por un padre opresor que murió hace un año atrás, el cual las deja libradas a su suerte y en un limbo contante del que sueñan escapar.

Tresh está inspirada en la obra Tres hermanas, de Antón Chéjov, pero re acomodada a estos tiempos modernos, con un lenguaje y una problemática totalmente distintas y alejadas de la original. 

Y como si no fuera suficiente el caos donde nuestros personajes están inmersos, se le suma algo aún más interesante y seductor, incorporar al espectador de forma activa desde su celular, antes de entrar a la sala se nos pide agregarnos a un grupo de WhatsApp, y una de sus protagonistas usa su móvil durante la función , escribe en el grupo, envía imágenes...  etc., lo cual genera una segunda lectura de lo que vemos, dividida entra quien se agregó a dicho grupo, y quien  no lo hizo. Una vuelta de tuerca por demás interesante, que rompe con el esquema clásico de teatro, como lo tenemos entendido hasta el día de hoy.

Con un interesante y sugestivo juego de vestuario, muy cuidado en los detalles, para terminar de definirnos a las tres hermanas. Y una muy austera y tensa escenografía, que juega con los lugares vacíos, y las figuras abstractas, para darle la no forma al departamento que las contiene, y a su vez las asfixia.

Tresh es una muy interesante pieza teatral, que rompe con toda estructura que tengamos en nuestra mente, nos desafía a mirar, y en algún punto preguntarnos si somos de los Que miran o de Los que viven?


Funciones: martes, 20:30 hs. (el 25/9 no hay función)
Entrada: $250 | Jubilados y estudiantes: $200 | Promo 2x $400
Reservas: Alternativateatral | 2044-2400
Lugar: Korinthio Teatro (Mario Bravo 437, CABA)
Duración: 75 min.
 
Ficha Técnica
Elenco: Micaela Moyano, Gisela Rebichini, Carolina Manetti Cusa
Movimiento y Coordinación General: Carlota Berzal 
Diseño Lumínico: Miguel Ángel Madrid 
Escenografía: Valeria Dalmon
Vestuario: Lara Josefina
Música: Diego Chicou
Fotografía: Mariana Bellone
Diseño Gráfico: Leandro Ibarra
Prensa: Octavia Comunicación
Asistente de Dirección: Noga Cisty Rozenblum 
Libro y Dirección: Pablo Cernadas 

Crítica: Noe Ragaglia