CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "TERESA ESTÁ LIEBRE"

Estamos invitados a tomar el té... el té con teresa, en su mundo, su universo, y viajamos hacia ella, como en un sueño que poco a poco nos ha absorbido, la luz, las texturas, su intimidad, un universo caótico y desordenado, mágico, curiosear en la locura, o en los vaivenes emocionales del mundo interior de esta bella y frágil criatura, de a ratos liebre, de a ratos niña eterna, que vive en un mundo de grandes, pero se refugia en sus creencias y los muros que su mente ha creado para generarle seguridad.

Bella Teresa, libre liebre, frágil Teresa, fuerte liebre, duda Teresa, pero liebre no duda, liebre es, y como si fuese su animal de poder, liebre la eleva por sobre lo mundano, y conejo la alienta desde algún lugar ya muy lejano y oscuro, al que Teresa no puede ir, Teresa sufre, la sufre, la echa de menos, Teresa nos cuenta de conejo y de ella, Teresa nos invita a tomar el té con ella.

Dan ganas de abrazarla, de cuidarla, de quedarnos ahí escuchándola un poco más... así se le va pasando de a poco el dolor de su alma.

Teresa esta Liebre es sumamente hermosa, artística, visual, la escenografía es una prolongación de su caos interior, cada detalle, cada adorno, cada mueble, las cosas desordenadas y ordenadas a la vez, todo está y es en los detalles.

Nada seríamos sin la luz que nos muestra y nos oculta, la iluminación también lo es todo, esos dos grandes detalles, manejados de una forma maestra, nos trasladan al mágico submundo de Teresa, nos recrea un espacio intimista  y privado.  No podría imaginar la obra sin esa manejo de la luz, la luz abraza y acompaña, muestra lo necesario y nos deja ahí, como espiando el té de Teresa, de a ratos la acompañamos, y de a ratos solo la contemplamos desde lejos.

Y nos invita dulce y salvajemente a retirarnos.... porque Teresa es dulce y salvaje, frágil y fuerte, Teresa es extrema y nos regaló un paseo por su alma.

Actúan: Florencia Naftulewicz y Fernanda Rodríguez

Sonido en vivo: Mariano Asseff

Diseño de escenografía: Teresa está Liebre, Jackie Ferreira y Jair Bellante

Realización escenográfica: Jackie Ferreira y Jair Bellante

Diseño y realización de iluminación: Leandro Crocco

Diseño de sonido y diseño gráfico: Mariano Asseff

Fotografía: Agostina Gladiali

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia: Luca Capobianco

Dramaturgia: Jimena Gonzalez y Florencia Naftulewicz

Dirección: Pilar Boyle y Sharon Luscher

  

ESTRENO: JUEVES 18 DE MAYO 21 HS.

Funciones: jueves 21 hs.

Duración: 65 minutos.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655

www.elcamarindelasmusas.com

Crítica: Noe Ragaglia

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "ADELA ESTÁ CAZANDO PATOS"

Una obra tremenda. A la hora de la siesta.

Moderna y atrevida. Denuncia tras denuncia sobre la hipocresía social vamos entrando en  el relato sobre una familia adinerada y poderosa. Contundentes y sobrios, pero explícitos, manifiestos sobre libertad de género. Ruptura de los lenguajes teatrales  tradicionales. Inclusión de modos coloquiales y urbanos. Inclusión de ritmos y cadencias  de la actualidad en el lenguaje teatral.

Verborragia, velocidad, emocionalidad al palo. Un policial psyco-trans-sensible interesado en romper la arcaica y caduca convención sobre lo normal y atreviéndose a hablar sobre nuestra oscuridad humana. ¿Qué pasa cuando no somos amados como un ser humano “normal” necesita? ¿Cuál es el resultado de esas faltas de amor identificado en nuevos estereotipos sociales…la sexualidad…la confianza…la culpa. Un volver a tirar las cartas de los valores morales y éticos. Un  deseo de mirar ahí donde hay vicio, donde hay traición, donde hay confusión.

Toda la obra se desarrolla en un contexto veraniego. Una  quinta en una provincia argentina, lazos familiares ambiguos, musical glam. Hay una actualización en esta obra en relación a los temas sociales que se abordan. Es una obra que decide ubicarse en lo pueda llamarse vanguardia. Hay rebeldía por hartazgo y necesidad de hablar de lo que parece obvio y sigue siendo un tabú. Hay una elección de hacerse cargo de la desprolijidad emocional en las relaciones humanas  y la peligrosidad de la falta de tratos amorosos. Una puesta y una estética con unidad y coherencia. La historia danza el atrevido abordaje de dialogar con la muerte o el abordaje de la muerte que dialoga con la obra. Colocando la muerte en un lugar concreto desde donde lo  abstracto es la bondad.

Adela está cazando patos

Domingos a las 16 en Espacio Callejon.

Adela- Barbara Massó

Magdalena- Paula Schiavon

Olivia- Yanina Gruden

Ulises- Diego Benedetto

El Chakal- Hector Bordoni

Francisco- Julian Chertkoff

Pupuni- Luis de Almeida

  

Iluminación: Sebastian Francia

Escenografía: Grupo Capicúa

Música en vivo: Gonzalo Pastrana

Vestuario: Federico Castellón Arrieta

Foto: Lau Castro

Diseño Grafico: Nicolas Deshusse

Producción: Nico Capeluto

Asistencia de dirección: Maxi Muti

Dramaturgia y Dirección: Maruja Bustamante

Crítica: Vera Carnevale 

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EL DIARIO DE ANNA FRANK"

Una obra con gran carga emotiva, no solo por la historia que hace poner la piel de gallina sino por las actuaciones tan prolijas y respetuosas.

Cabe destacar que  a veces al interpretar obras de gran contenido histórico y sensible suele solemnizar ciertas actuaciones, éste no es el caso ya que los actores se destacan por atravesar esta historia con sus cuerpos, sus sensaciones y emociones. Tienen un complemento exquisito, donde se equilibran desde las energías hasta las emociones.

La obra El Diario de Anna Frank, basada en el famoso libro, cuenta la historia de esta niña  judía interpretada por Ángela Torres, que por la invasión nazi en Holanda, ella junto a su familia permanecerán 2 años escondidos en una oficina. En el diario que le regalo su padre, ella escribe y cuenta las cosas que pasaran en el mientras tanto de ese refugio.

A pesar de la triste historia, la obra está compuesta por varios momentos donde reina el humor, la inocencia de esta niña, sus experiencias mientras va creciendo en este encierro junto a otras 8 personas. Vale destacar la simpatía que transmiten los momentos donde Anna está en una de sus inquietas actitudes, que llevan al público a sonreír varias veces por tanta dulzura.

Un vestuario ideal, con la escenografía increíble que llevan a estar en ese momento sin que falte nada, con un trabajo de trasfondo que sobresale. Vale destacar la gran adaptación con la excelente dirección de Helena Titek.

Con grandes actores que sobresalen sus interpretaciones, llenándonos de imágenes, de risas, llantos y sobre todo reflexión ante lo que nos muestran con sus sublimes actuaciones. Con gran conexión entre ellos, siendo realmente una familia como muestra la obra.

El Diario de Anna Frank se presenta de jueves a domingo en el teatro 25 De Mayo, Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA.

Ficha Técnica: 

Elenco (por orden de aparición): Angela Torres (Anna Frank), Marcos Montes (Otto Frank), Valeria Lorca (Edith Frank), Agustina Cabo (Margot Frank), Carolina Solari (Miep Gies), Francisco Bereney (Peter Van Daan), Marcos Woinsky (Sr. Kraler), Silvina Quintanilla (Sra Van Daan), Diego Hodara (Sr. Van Daan), Alejandro Viola (Sr. Dussel).

Autor: Frances Goordrich y Albert Hackett

Nueva adaptación: Wendy Kesselman

Versión: Fernando Masllorens y Federico González Del Pino

Dirección: Helena Tritek

Crítica: Leandro Giottonini

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EL FRASCO"

La venganza, el acto de vengarse, no puede prescindir de un elemento vital para su ejecución. Un elemento que es, al mismo tiempo, madre del acto vengativo, su alimento diario y el hilo conductor de toda acción: EL RENCOR. Y si ese rencor ha estado macerándose, (como todo buen veneno) durante largos años, entonces la venganza será tan intensa como explosiva. Y si le sumamos un evidente desequilibrio mental al mentor de la venganza, entonces las palabras para definir tal situación son casi imposibles de encontrar.

EL FRASCO propone todo eso y redobla la apuesta, atreviéndose a agregar situaciones humorísticas y algunos diálogos de banal cotidianidad dentro de un marco de tensión continua que mantiene una densidad ambiental perturbadora durante todo el transcurso de la obra.

Lo que al principio parece una simple reunión de ex compañeros de una banda delictiva de a poco va transformándose en una noche de locura, dolor, odio, confesiones y muerte, todo bajo la dirección del anfitrión de la velada, quién sólo desea una cosa: recuperar los momentos perdidos de su vida, momentos aniquilados por el tiempo debido a su estadía en prisión.

Algunos pocos desajustes actorales propios de un estreno (no así en los juegos de luces y en la música en vivo, que han sido gratamente precisos) no han llegado a opacar ésta obra que ofrece un planteamiento interesante pero que obviamente necesita una maduración como cualquier obra que conlleve, como EL FRASCO, tanto texto, diálogos frecuentes y encimados entre cinco personajes y tantas alteraciones en los ánimos y en las sensibilidades de los mismos. 

Ficha técnica

Dramaturgia: Bruno González
Actúan: Lucas Aldasoro, Matías Asenjo, Julián Mengido, Mauro Rey, Lucas Sulpizi.
Músicos: Uriel Arcángel Crosta, Gerónimo Luis González.
Diseño de Espacio: Betania Rabino
Diseño de luces: José Ignacio Ponce Aragón
Fotografía: Daniela Castelo
Asistencia de dirección: Cristian Trigueros
Arreglos musicales: Uriel Arcángel Crosta, Gerónimo Luis González
Cata de vino: Amantes del vino
Producción: Juan Pablo Rabino
Prensa: Octavia Comunicación
Dirección: Bruno González

Crítica: El Cronista Ajeno 

CRÍTICA DE LA OBRA TEATRAL "OTOÑO"

Una Anciana ya casi abandonada y desolada en un geriátrico está sentada  pensando que será un Domingo más, triste y aburrido sin ninguna peripecia en su vida, ni golpe de suerte. 

Todo acontece hasta que llega su sobrina de lejos y se produce un encuentro cariñoso lleno de amor y alegría. Juntas comienzan a recordar aventuras de la tía y su sobrina está ansiosa por saber más de historias y anécdotas de su compinche de toda la vida. El personaje que encarna Dora Sajevicas es de una anciana con mucho espíritu libre, que en las páginas de su vida se ha enamorado, ha amado y también ha sabido renunciar al amor con mucha altura en el que cada relato esta compuesto por un característica una única de la actriz.  

El personaje de la sobrina que encarna Lorena Cammar denota a una joven  reservada que viendo todas la aventuras de su tía quiere romper el cascaron y salir a amar y a disfrutar de la vida. Quiere llegar a tener la edad de su tía y poder contar esos mismos relatos o al menos saber que vivir ha valido la pena. 

En ambas actrices se pudo notar una gran conexión desde el principio hasta el final de la obra. Se encontraban muy conectadas con el espacio y con una energía distinta para cada texto, cada mirada y cada sonrisa. 

El director ha sabido manejar el espacio, los momentos de tensión y el famoso "Tira y Afloje" de cada situación, ya que al público se lo veía completamente atento y reaccionando a cada estimulo. 

Es una obra de teatro en la que te emocionas, te reís y por momentos te hace enojar, una obra en la que te das cuenta que vivir tiene sentido. 

Ficha Artístico técnica

Autor y director: Marcelo Ruiz

Actúan: Dora Sajevicas y Lorena Cammar / Puesta en escena: Laura Nevole / Vestuario y escenografía: Dani Draiye / Diseño de luces: Milton Moreira Muzio / Técnico de luces:  Agustín Intile Noble / Fotografía: Pablo Insaurralde / Producción: Lorena Astudillo / Asistente de producción: Natalia Roma/ 

Prensa y Difusión: Franco & Simkin

Critica: María Cecilia Duran

KORINTHIO TEATRO
Mario Bravo 437
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 2044-2400
Web: http://www.korinthioteatro.com.ar
Entrada: $ 200,00 - Viernes - 21:00 hs - Del 09/06/2017 al 30/06/2017

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "CHICOS FEOS VOL I (INTIMO) " de Gabriel Gavila

CHICOS FEOS VOL I (INTIMO) de Gabriel Gavila del genero de la comedia pero con muchos momentos dramáticos, en esta propuesta que nos presenta, todos los sábados a las 20.00 hs  en el teatro espacio Polonia Fitz Roy 1477.

Este espectáculo escrito, dirigido y protagonizado por Gabriel Gavila y acompañado por José Giménez Zapiola.

Nos llevan a través de la vertiginosa vida del protagonista, sus anhelos, sueños, fantasías, miedos etc. Desnuda su alma completamente sin mascaras o antifaces. Pero nos lleva a describir la crudeza de la realidad.

Una sociedad llena de estándares de belleza y de paradigmas, nos enfrenta a dos posturas o dos puntos de vista. Los agraciados con sus vidas más sencilla, cómodas y perfectas. El resto de los mortales que no comparten esa suerte.

Pero siempre recordándonos la famosa frase de: la suerte de la fea la bonita la desea.

La química de los actores impecables mostrando un trabajo arduo y comprometido. Despertando los sentimientos de amor y pasión de los presente. Con su labor nos llevan a los distintos lugares desde un boliche o la salida de un teatro. Demostrando una complicidad única.

Los elementos técnicos excelentes muestran un trabajo arduo, la iluminación enaltecen a los personajes, la música retro realzan la producción y nos conducen a esas épocas en el tiempo.

Este es un proyecto con la culminación de una trilogía, “no continuadas” sino cada una con su propia y diferente trama. Para poder compartir un momento agradable y poder distenderse de la realidad en que vivimos.

Los invito a esta nueva propuesta teatral, todos los sábados a las 20.00 hs  en el teatro espacio Polonia Fitz Roy 1477 de nuestra ciudad.

Ficha Técnica:

Autor y director: Gabriel Gavila.

Elenco: Gabriel Gavila y José Giménez Zapiola.
Fotografía:  Laureana Cabrera.
Make up: Melina Acuña.
Vestuario y Escenografía: Ileana Vallejos.
Comunicación audiovisual:  Emmanuel Martinez.
Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.
Stage Manager: Joaco Balverde.
Selección Musical: Joaco Balverde - Gabriel Gavila.
Asistencia de dirección: Federico Blanchet.
Asistencia de producción: Silvina Gonzalez.
Supervisión Artística: "Iti El Hermoso".
Supervisión Dramatúrgica: Maruja Bustamante.
Prensa & Difusión: Mariano Casas Di Nardo.

Crítica: Adrián Ferreyra

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "¿QUÉ FACHA MOS?

¿QUÉ FACHA MOS? De Ezequiel Castillo del género de  la comedia pero con tintes de realidad y una autocritica a la sociedad moderna. ¿Qué principios estaríamos dispuestos a traicionar para ascender en las clases sociales o solamente cumplir nuestras más exenticas fantasías y anhelos?

Se presenta todos los jueves a las 20:30 hs en la NUEVA RATONERA Perón 1422. Un lugar para disfrutar una copa con amigos. Muy acorde para compartir y luminarias que nos invitan a una reunión de colegas.

Con un ambiente festivo y muy agradable el espacio cuenta con todos los elementos para pasar una noche divertida, agradable y sorprendente.

Dirigida por Ezequiel Castillo, tiene como protagonistas a cuatro actores jóvenes, que saben seducir al público. Transportándonos a esa vida perfecta y de ensueño. ¿Pero qué precio estamos dispuestos a pagar o que vidas estamos dispuestas a arruinar por ese ideal? ¿La amistad es más fuerte que la codicia y el egoísmo? La sociedad nos inculca que valemos por lo que poseemos y no por quién realmente somos o como nos relacionamos  entre sí. Con una mirada franca a enfrentar nuestra verdadera condición humana.

Las actuaciones impecables, la química entre los actores demuestra un trabajo de equipo y muy comprometido. Enalteciendo a cada personaje y haciéndolos brillar.

El  diseño escénico perfecto realzando la producción,   el vestuario acorde a cada personaje y su compleja personalidad. La iluminación nos lleva a vivir momento de mucho nerviosismo o distención  los efectos de sonido y la música acompañan en cada uno de los cuadros.

Esta propuesta los llevara a comprobar sus límites y descubrir sus principios morales.

Se presenta todos los jueves a las 20:30 hs en la NUEVA RATONERA Perón 1422, Caba

Elenco:

JERONIMO BOSIA

SEBASTIAN PELEGRININELLI

ALEN MARAZ

TADEO RIVERA

LIbro y Direccio General:

Ezequiel Castillo

A partir del 25 DE MAYO

JUNIO, JULIO

teatro La Nueva Ratonera Peron 1422

JUEVES 20:30hs

Entrada General $150

Crítica: Adrián Ferreyra

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "MAMI O PAPI"

¿Nos reímos...? ¿Pero de que nos estamos riendo? 

Papi o mami se ve pequeña, se presenta humilde frente a nuestros ojos, casi que estamos presenciando el ensayo de la obra, pero es la obra en sí, y no está mal, nada mal, al contrario.

Nos está insultando a través del humor irónico, nos está criticando como sociedad, nos reímos de ellos, pero a su vez nos reímos de nosotros, o de nuestros padres, amigos o vecinos, porque esos personajes que no se adaptan al cambio están orbitando a nuestro alrededor como bacterias de esta sociedad que tanto le cuesta vivir y dejar vivir al otro.

Papi o Mami se encuentra dentro de lo denominado Ciclo Canapé, noches donde se presentan pequeñas piezas teatrales que no llegan a  superar los 40 minutos como mucho.

La estructura del ciclo es ágil, y fácil de ver, para escaparse por un rato de la rutina.

El grupo de actores que le dan vida a Papi o Mami está muy centrado cada uno en su rol, con una crítica bastante salvaje al sistema educativo, los valores sociales y morales,  y las limitaciones de una sociedad que aún sigue siendo pacata en muchos sentidos. 

Papi o mami es simple y humilde, dice lo que tiene que decir en el tiempo exacto, y con el equilibrio justo entre humor y crítica social.

Domingos a las 18:30hs. y a las 19:30hs. en le marco del ciclo "El Club Del Canapé" en el Teatro La Casona,
Av. Corrientes 1979. CABA. Tel.:4953-5595.

Dramaturgia y Dirección: 

Martín Caminos.

Elenco:  Ezequiel Ábila, Catherine Biquard, Isaac Eisen “El Fenómeno”, Valeria Kamenet, Gustavo Kamenetzky, Silvia Levy, Juan Francisco Muñoz, Gianna Pérez Prado.

Asesoría de Vestuario:  Gianna Pérez Prado.

Ambientación:  Juan Francisco Muñoz.

PH:  Ezequiel Ábila.

Prensa:  Danilo Zárate Pacheco.

CRÍTICA : Noe Ragaglia

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "HIJO DE H"

Veinticinco de Diciembre, es la casa de Tobías Hidalgo, un niño que ya hace tiempo ha dejado de serlo, que tiene canas en su cabeza y arrugas en su piel pero que de todas maneras viste un atuendo de un niño de seis años de la década del sesenta con sus largos tiradores su pantalón negro, su camisa de hilo blanca y el detalle que nunca podía faltar, un hermoso moño de color rojo o negro, no recuerdo bien. Es Tobías quien está ansioso por abrir los regalos, por ver a sus hermanos, se encuentra en ese estado en la que un pequeño muchacho en toda Navidad se haya, con ansiedad y alegría. Sus actitudes son todas las de un niño muy educado, mimado y juguetón que sigue viviendo junto a su madre de la cual pareciera estar enamorado, y a la que en todo momento quiere agradarle. Su madre una mujer grande, tosca pero con su cuota de dulzura está en plena preparación de los festejos de la navidad esperando al resto de la familia, sus hijos su nieta y la amiga de la hija. 

Esa noche en la que el cristianismo está acostumbrado  a que solo sea de paz y amor sucede algo que cambiara el destino de cada uno de los integrantes de la familia, un secreto que se devela, una verdad que sale a la luz una actitud que nadie esperaba. La familia no se elige. ¿La familia Hidalgo habrá decidido disolverse de una vez por todas? ¿Habrán decidido perdonarse y continuar felizmente la Navidad? 

Hijo de H una obra que mezcla diversos lenguajes, y ofrece en  diferentes capítulos, un hibrido entre lo audiovisual la música y la danza que atrapa en cada minuto que asusta, que sorprende, que la obra quiere que te quedes y no te vayas.

Hijo de H, de Lucas Gingles y Sol Salaberria

Actúan: 

Juan Pablo Carrasco, 

Ezio Fioranelli, 

María Luisa Gingles,

Carla Maieli, 

Bernardo Romano y 

Paula Stephanus

Dirección: Lucas Gingles y Sol Salaberria

Crítica: Cecilia Durán

ENTREVISTA AL ESCRITOR MARCELO CAMPANER

LLTV: Marcelo, estás a solo algunos días de presentar tu nueva novela, “Viaje sin par”. Es la tercera ya. Contanos cuál es la línea argumental y sin contar detalles, de qué trata.

MC: Después de leer en el diario la noticia donde fallecen  dos  amigos, uno de los personajes sufre un estado de confusión. Solo, encerrado en su habitación, ante la insoportable presencia de su madre, se le presenta La Orden que emite el mandato de concretar aquel viaje al sur que nunca pudieron hacer. Todavía desconcertado, negando la realidad, recibe  la llamada de Tero, otro con quien habían estado juntos el día anterior. Aprovechan que están desocupados para planificar el viaje. La idea es que vayan los cuatro, entonces para hacerla fácil se la ingenian para quedarse con las cenizas de la cremación. Dos viajan vivos, el otro par...cada uno en su urna....

LLTV: Esta historia tiene alguna relación con alguna de las dos novelas anteriores, La cara de la Redonda y Fin de Semana.

MC: Fin de semana es mucho más marginal, la historia de vida de los personajes adelantan de alguna manera cual va a ser el destino. Tiene un rasgo de melancolía y esperamos que la cosa termine bien, pero muestra con crudeza la realidad detrás de lo que solemos o queremos ver. Utilizo un lenguaje de señas parecido al de los mudos pero creado por un grupo de gente que maneja los hilos del submundo...

LLTV: En que se parece “Viaje sin par” y en qué se diferencia respecto a tus novelas anteriores.

MC: Voy a tratar de resumir. Viaje está dividido en dos. La locura en la ciudad y porque la escritura del libro lo pidió, la locura en el campo. Podría decirte que más allá de haber trabajado en el Borda, la lectura de Foucault y de otro filósofo tal vez no tan conocido, Guy Debord influenciaron desde algún lugar...no sé,... tal vez desde el ventilador de techo, o desde las paletas del aire acondicionado, aunque lo haya escrito en invierno, en el entramado de esta novela. El primero con el concepto de normalidad en su relación con el poder. Dice que el poder clasifica, ordena, controla, decide que es lo correcto en cada momento, el que se sale de esto resultara algo extraño. Me acuerdo los tomos de “Historia de la Locura en la Época Clásica”, donde una forma de sacarlos de circulación  era subirlos a un barco, que zarpara y largarlos al medio del océano. Mis personajes escapan de ese control y viajan, al menos con un objetivo, en un flete que reparte diarios en distintos pueblos de la provincia para ahorrar guita. Y uno cree que por fin todo se encamina y va a salir bien, bueno aquí  está el nudo, no puedo contarte más. Me quedó lo de Guy Debord, y mucho de su pensamiento aparece en la segunda parte. Dice que nuestro modelo de sociedad ha convertido la vida de la gente en un espectáculo. Para este tipo que no conocía de redes sociales, decía que vivimos en una especie de pantalla global donde todo el mundo quiere ser visible a cualquier precio. Si no te muestras no existís, algo así. En el libro me encargo de deformar, de meter en la licuadora y un lugar que supone tranquilidad y paz, aparecen pantallas, cámaras de tv, y perforadoras que buscan vaya a saber uno qué.

LLTV: ¿Día, lugar y hora de la presentación?

MC: La novela la presento en Post Street Bar, que queda en Thames 1885, Palermo, Ciudad de Buenos Aires a las 20 hs. Tengan presente que el martes 20 es feriado, así que gracias por esta nota, y lo espero con una cerveza..