miércoles, 8 de abril de 2015

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "LA QUE NUNCA ESTUVO" de MAURO YAKIMIUK




"Ese grupo de mujeres ya adultas que creen conocerse, pero no... cinco personajes depresivos con alteraciones histéricas que creen poseerlo todo, pero es otra la realidad. La represión, la mentira y el "choque" entre ellas juegan el rol más importante en la obra. 

   Excelente gesticulación y movimiento de los cuerpos en escena. Las acciones no se detienen ni se quiebran en ningún instante. Escenografía con colores vivos y resaltadores, cuando, en realidad, detrás de esa reunión se oculta algo "tan muerto" y oscuro. Es la mayor contradicción. 

   Una tercera desconocida se oculta entre las cuatro restantes tratando de llegar a través de su expresión e ironía a lo más oscuro e increíble en el desenlace.   

   Luces verdes y claras tenues, pero que remarcan la existencia en la escena de cada una de ellas sin ocultar nada. Pero lo más importante de todo es aquello que ellas ocultan, que quieren negarse a sí mismas. Que más allá del tiempo transcurrido del hecho desastroso que ha pasado en su adolescencia, jamás podrá olvidarse a pesar de su negación sobre dosificada interna y externa de cada personaje. No lo logran, en sus confesiones, se detona el desastre y el horror de lo ocurrido. La tensión "apura" la certeza de lo que ya se hizo, de lo que no se podrá volver atrás, de lo que jamás tendrá una solución. Y lo que es inquebrantable, lo que ya no se puede alterar. 

    Excelente paradoja cuando se emplean frases o expresiones que contradicen la realidad.

  ¿Por qué el ser humano es tan cruel y efímero siendo consciente del dolor que está provocando?."

Ficha técnico artística:

Elenco: Fiorella Di Carlo, Francina Adeff, Brenda Donadío, Marina Rocha, Julieta Grimaldo
Autoría y Dirección: Mauro Yakimiuk
Asistencia de Dirección: Nicolás Fabbro
Producción General: Laura Méndez
Fotografía: Pamela Santangelo
Escenografía: Mariana Ramírez Roa
Realización Escenográfica: Mariana Ramírez Roa, Gabriela Luna, Carlos Zabala


Todos los viernes a las 22:30 hs en el Teatro La Tertulia, Gallo 826, Capital Federal.


Mail de la obra: laquenuncaestuvo@gmail.com


Crítica realizada por Florencia Campetelli

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EXTORSIÓN, TRAICIÓN Y ASESINATO EN EL HOTEL PIAZZOLLA" DE JUAN PABLO BARRIOS





"Son cinco personajes con diferentes historias, fantasías y morbos, carentes de amor. 

   Escenografía: Una cama central, es el único objeto necesario y sin limitaciones para dar a entender la sexualidad y perversión de cada personaje. 

   La gesticulación de cada uno es increíble, el manejo de las manos, sus sensaciones, sentimientos y acciones. Éstas son cotidianas y a la vez persuasivas y metafóricas. Los personajes no se detienen jamás. Siempre hay "un algo" ocurriendo. Las luces se tornan rojas y claras tenues.

  Las frases claves y más sensibles de cada personaje:
  Angélica:"Nunca se ganaba, nunca se perdía. Esa era la causa de la felicidad". 
  Luis Ignacio: "Todos quieren ganar plata. El mundo se muere por el dinero y el sexo".
   Jorge:"Me hubiese gustado que haya venido a refugiarse en mí, que pueda aconsejarla".
    Clarisa:"Quisiera estar con vos toda la vida y no conocerte nunca".
    Nancy:"Estuve una vez con él, lo amo y no lo puedo negar. Yo sólo quiero estudiar Teatro".  

     Éstas cinco frases caracterizan a cada uno y a medida que pasa el tiempo nos dan a entender cómo y de qué manera cada uno lleva a cuestas el dolor intrínseco y los poderes mundiales. 
  Perfectas acciones, ni exageradas, ni manipuladas ni pobres de conocimiento teatral y dramático. Los monólogos de cada personaje son espontáneos, naturales y cada un lapso de media hora. Todos muestran su lado débil, nato y perfecto al mismo tiempo sin necesidad de esconder la certeza, y la morbosidad que los lleva adelante para no dejar de accionar.  
   Otro punto interesante: El suicidio y el homicidio. Uno de los cinco personajes lo habla con naturalidad y belleza de sí mismo y con la filosofía de conocer sin haberlo vivido, sólo intentarlo...¿Acaso tal vez los cinco necesitan concretar algunas de éstas dos vivencias para sentirse aliviados?
   Excelente interpretación, creación y sobresaltos a partir del dolor, carencia de sentido de la vida y falta de interés al camino que deseen elegir y cómo hacerlo con la necesidad de lastimar al otro para lograrlo. ¿Qué hacer cuando todo está perdido y ya no hay vuelta atrás?".



Ficha técnica:

Elenco: Yanina Martino- Victoria Fernández Alonso- Luciana Grande- Pablo Martínez- Juan Ignacio Esteban
Vestuario: María Emilia Serrano
Diseño de luces: Mariano San Martín
Diseño gráfico: Bárbara Delfino
Fotografía: Maxi Bort
Escenografía: Pedro Piana
Música Original: Federico Marquestó
Prensa: Laura Castillo
Asistencia de dirección: Carolina Finoli Gondra
Dramaturgia y dirección: Juan Pablo Barrios


Crítica: Florencia Campetelli


martes, 7 de abril de 2015

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO"




Sueño de una noche de verano, adaptación de Mariana Moschetto y Agustín Chenaut, nos trae una representación minimalista de una de las más afamadas obras de Shakespeare, situada en tiempos contemporáneos. Es una obra enérgica en la que la iluminación juega un papel importante ya que es, gracias a tonos radiantes donde abundan rojos y verdes, la creadora del ambiente escénico, cuya superficie está desprovista de objetos.  

Las escenas se desarrollan en cuadros que le dan una energía renovadora a cada momento y una experiencia vertiginosa para el espectador. El sonido, música original de Gustavo Zabala, nos da temporalidad con las melodías de bandoneones, guitarras y teclados; y nos encuadra en la vorágine en la que están envueltos los personajes en cada circunstancia amorosa.

La obra es una comedia muy entretenida en la que nos vemos cautivados por la corporalidad de cada uno de los personajes que componen ese dichoso elenco. Muy entretenida y sumamente recomendable. La obra sube a escena los días sábados a las 18 horas en El Método Kairós (El Salvador 4530).

Ficha Técnica:
Dirección: Agustín Chenaut y Mariana Moschetto.
Intérpretes: Andrea Allende, Sofia Black Kali, Agustin Chenaut, Agustina Donantueno, Maria Rosa Messina, Milton Mey, Santiago Montevidoni, Antonela Moschetto, Silvana Pierani, Juan Tate y Lucas Villar.
Diseño de Vestuario: Andrea Allende.
Música Original: Gustavo Zabala.
Fotografía: Nacho Lunadei.
Diseño Gráfico: Martin Catalano, eme70.
Prensa & Difusión: Hola! Prensa & Difusión - www.holaprensaydifusion.blogspot.com.ar
Teatro: El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A. – Argentina.
Funciones: Sábados a las 18hs.
Reservas: 4831-9663. Costo entrada: $100. https://www.facebook.com/ElMetodoKairos /
Duración: 100 minutos
Estreno: 4 de abril.

Finalización: 27 de junio.

Crítica realizada por Danilo Zárate Pacheco

lunes, 6 de abril de 2015

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "AMORAR" dirigida por ELOÍSA TARRUELLA




Amorar – Dir.: Eloísa Tarruella
“Es una canción que nos acerca
Tú me amabas y yo te amaba
Vivíamos juntos
Tú, que me amabas, y yo, que te amaba…
Pero la vida separa a aquellos que se aman
Silenciosamente sin hacer ruido
Y el mar borra sobre la arena
El paso de los amantes que se separan.”
Las hojas muertas
Jacques Prevert

El mundo es un laberinto, donde infinitas casualidades tuercen lo fortuito en instantes absolutos. El amor tiene esa costumbre arrogante de increpar las contingencias y hacerse dueño de “causas”: todos los momentos pasados, por más que sean nimios, llevan a ese único puerto.

En un pequeño solar de este intrincado laberinto, se aproximan dos seres, Ulises y Julia. Él, un ser hecho de palabras y cicatrices; ella una joven estudiante de contaduría. Unión particular de seres disímiles: la joven de familia, predecible, se topa con un bohemio literato mayor que ella. A veces el amor hace nido en las letras…quizás sea un artificio, o un designio, o un defecto. Ellos se funden en el gusto por la poesía, por esa magia espontánea que tienen los susurros de piezas de Pizarnik o Prevert.

Un psicoanalista francés afirmaba que amar, es dar lo que no se tiene, a alguien que no lo es. Soy algo, un soplido, un reloj de arena… pero una mera existencia basta, para que yo, único de mi, sea tú… en tu rostro, en tu pelo, en tu impredecible forma de reflejarte. Hago los malabares que nunca aprendí, para ese tú, que en su pequeñez es gigante, que en su simpleza es infinito. Así viven Julia Ruiz y Ulises los desvaríos saludables de un amor, pleno de versos sin horarios.

La obra de Eloísa Tarruella, cuenta con monólogos y diálogos que refuerzan la interacción con el público, además de ofrecer un relato íntimo de lo que atraviesa cada personaje. Con una excelente performance, ambos actores generan una comicidad muy sutil, sin mermar en lo emotivo de la trama. La pieza, que se presenta durante el mes de Abril y Mayo, es una exquisita apuesta  de una joven dramaturga que tiene mucho por contarnos.

Amorar relata la deconstrucción de un amor, desde su inicio hasta el final. Una historia sensible, cercana, sin ínfulas épicas, diáfana…Es una comedia romántica que divierte y emociona, donde una despedida es tan simple como una llegada. Pero en el medio, el vértigo.

Amorar se presenta los Sábados 20:30 hs en Teatro Pan y Arte, Boedo 876 CABA.
Ficha técnica
Elenco: Eloísa Tarruella (Julia Ruiz)
                Julio Bambill (Ulises)

Operación de luces: Victor Chacón / Diseño gráfico: Julio Bambill / Fotografía: Martín Gerardi / Coauch de baile: Victoria Acevedo / Música original: Juan Matías Tarruella, Florencia Albarracín / Diseño de sonido: Luis Corti, Adriano Mantova / Diseño de vestuario y maquillaje: Rosanna Cristaldo / Asesora Escenográfica: Mercedes Pérez Sabbi /Diseño de Iluminación: Patricia Batlle / Entrenamiento actoral: Ludmila Rapaport / Asistencia de dirección: Julieta Puleo / Asistencia de Producción: Manuel Clifton / Dramaturgia y Dirección: Eloísa Tarruella



Crítica realizada por Guido Facile

domingo, 5 de abril de 2015

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "SÍNTOMA" de GUILLERMO SALZ




El sábado pasado fuimos a ver “Síntoma” una propuesta creada por Guillermo Salz y dirección de Daniel Zaballa, protagonizada por Hugo Dezillio, Gustavo Oliver y Viviana Suraniti. Esta obra nos transporta a una sesión de terapia. Todo lo que no se dice. El cuerpo de un hombre que vibra, una convulsión constante. Un histeriqueo con la muerte que mira desde un costado, imposible que se termine lo que nunca fue.

La piel, la disociación constante del decir y sentir, el miedo crónico por ser uno mismo, de enfrentarse al espejo de la cruda realidad, la necesidad de arrancarse el dolor de la piel, el cartón numérico y la escala amnésica hasta el cinco ¿de quién es? ¿como se llega a la verdad? La única salida parece ser la muerte pero el vaso de agua purifica como si fuera agua bendita. La mentira se estrella como las gotas contra el piso. La verdad se asoma tímida por una rendija.

Síntoma es la historia de un hijo de padres desaparecidos, que busca, sin saberlo del todo, las huellas de su identidad. La mentira que desgarra y hace que el cuerpo vibre. Una historia de vida que estalla en mil pedazos para dar luz a la verdad que da esplendor después de estar enceguecida por tanto tiempo. Dando esperanza.
Un hombre en terapia y una familia astillada, sin identidad aparente, rota y quebrada por los engaños. Muestra la historia perdida y oculta de una sociedad que estando desgarrada se vuelve resiliente, se adapta y sobrevive. Una historia que te eriza la piel, una verdad tan escondida que te parte el alma.

El espectáculo fue Ganador del Concurso de Teatroxlaidentidad (Edición 2014), con un jurado integrado por: Gilda Bona, Luis Cano, Claudio Da Passano, Teresa Gatto, Mauricio Kartun, Román Podolsky, Sergio Rower y Martín Salazar.

Brillante las actuaciones y una musicalización genial acorde a los momentos y los textos.

“Síntoma es una pieza que nace a partir del deseo de recorrer los efectos sociales que, una y otra vez, se multiplican ante la apropiación de bebés y el cambio de su identidad. Pasados los años, ese crimen horroroso no puede sino tener sus ‘daños colaterales’ en el cuerpo social y recrea nuevas víctimas: los hijos de los apropiados, las familias que ellos forman, las familias que encuentran y las que dejan atrás. El recorrido de un ser que ya no puede dejar de bucear en su propia historia, a pesar del dolor y los obstáculos que su propia psiquis le pone por delante”, comenta Guillermo Salz

Ficha Técnica:
Hugo Dezillio (Doctor),
Gustavo Oliver (Leonardo)
Viviana Suraniti (Eva).
Asistente de Dirección: Maite Salz
Diseño de Iluminación: Fabián Molina Candela
Fotografía: Ariana Caruso
Producción Ejecutiva: Guillermo Salz;
Dirección: Daniel Zaballa
Prensa: Silvina Pizarro

Podés disfrutar de ésta obra todos los sábados a las 21 hs hs. en el Teatro El Crisol, ubicado en Scalabrini de Ortiz 657, Capital Federal // Entrada $100.- (Est. y Jub. $80)


Crítica por Ro Martinez
Edición: Dan Meilinger  


jueves, 2 de abril de 2015

CRÍTICA A LA OBRA "HABLAR A LAS PAREDES" DIRECTOR DARDO DOZO




Un eco llena los pasillos silenciosos de una casa. Dos hermanos y una tía. De a poco las palabras se sueltan, se hacen diálogo, cuestionan…Falta un sujeto en escena: es el padre de ambos, que ha fenecido. Pero su palabra aún está, de forma tácita, marcando las horas de dicho hogar.

Félix y Felisa, los hermanos arrastran la voz del recuerdo junto a la beoda Tía Margarita. Se permiten una remembranza de su padre…y también las críticas. El difunto dejó un casillero, así todo cobra otra movilidad. En el transcurso del homenaje, la casa es invadida por vecinos aquerenciados con la familia: una pareja, Marianela y Antonio, y la desopilante Rosa.

A pesar de la incomodidad sacramental, las interacciones de los personajes se convierten de sosegadas tertulias a caos de humor y risa. Los vecinos, de muy buen gusto sabrán hacer de un día lúgubre, algo aún más dantesco: Antonio, con sus comentarios mórbidos que escapan a la prudencia que el día merece; Marianela, sensual y provocativa, dirige sus miradas hacia Félix; y Rosa, divertida, contagia con sus juegos una mínima cuota de júbilo en tanto ceremonial.

Los vinos se descorchan, horas pasan con recuerdos, álbumes infantiles y la atención esporádica dirigida a una madre convaleciente oculta en su habitación. Un final inesperado retuerce la trama y asombra a la familia.

La obra de Dozo alterna un humor excelente con la delicadeza de los diálogos que surgen en esta situación trágica. Las historias familiares, la desidia y una constante crítica a una supuesta “superficialidad” le dan una pista para que el humor, muy bien logrado por estos personajes, se luzca con esplendor. Una comicidad bien sustentada siempre cuenta con un telón de fondo amargo, reflexivo e irónico desde donde pueda erigirse.

En Hablar a las paredes, el difunto aún persiste invisible…en el discurso, en los modos de los sujetos de esta familia. Seres que tienen ese techo que les pesa, y que hará el fastidio del meditabundo Félix.

Así, la vida de estos hermanos, transita dentro de una caja, donde las paredes aún se imponen a viva voz.

Hablar a las paredes se presenta los Viernes 20:30hs. En Teatro La Tertulia, Gallo 826 CABA.
Ficha técnica:
Elenco:  Félix: Pablo Moseinco / Juan Stuto
                 Margarita: Vikki Barquiza
                Felisa: Celeste Valenzuela / Pamela Delía
                Marianela: Melisa Fernández / Agustina Liebehenz
                Antonio: Mario Campodónico / Rodrigo Ariel Leonardo
                Rosa: Mariel Albó / Ana Laura Reichenbach
Diseño espacial, de escenografía e iluminación: Héctor Calmet / Diseño de Vestuario: Alejandra Espector / Asistentes de Vestuario: Cecilia Gómez, Romina González y Camila Jaramillo / Realización torta: María Cristina Pieri / Música original bolero “Decir te quiero”: Vikki Barquiza, letra: Dardo Dozo / Técnico de grabación, mezcla y mastering: aftermixdown / Diseño y realización de video: Stephanie Krzywinski, Gabriel Davia para Vindicator / Fotografía: Ricardo Valenzuela y Giampaolo Samá /Diseño Gráfico: Mariel Sanz / Prensa y difusión: TP Tommy Pashkus Agencia / Producción ejecutiva: Claudia Kricun / Asistentes de Dirección: Mariana Mussó y Magalí Roja / Dramaturgia y Dirección general: Dardo Dozo

Crítica realizada por Guido Facile


viernes, 27 de marzo de 2015

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "CASANDRA ESTA INSOLADA"




Casandra está insolada – Dir.: Sabrina Marcantonio
Versión libre de Agamenón de Esquilo

“Pueda mi mano, en fin, tomar la muy amada
del dueño de esta casa cuando regrese: el resto será mejor callárselo.
Tengo sobre mi lengua un gran buey.
Quien podría de manera más clara explicar lo ocurrido
fuera el propio palacio si voz cobrase.
Yo hablo para quien sabe, pero frente a quien todo ignore
De nada he de acordarme.”
Guardián (vv. 33-39)
Agamenón

La vuelta del héroe. La autoridad se baja de su carro triunfal, sacude el polvo de sus botas, agradecido de su suerte, pletórico de loas. Agamenón vuelve a su hogar, gente expectante lo espera con brazos abiertos…y lenguas afiladas. Vuelve con un recado, fruto de su extensa travesía: Casandra, la profetisa hija de Príamo. Desdichada, la joven yerra en desencuentros con quienes la van a recibir. La dama del hogar, Clitemnestra, de mal gusto soporta esta llegada de la “intrusa”, no sin antes escenificar el amor y el odio contenido hacia su marido Agamenón. Un varón cercano al señor, ha amancebado a la dama en su soledad. Es Egisto, primo del señor, quien subrepticiamente conjuró con la dama una sorpresiva bienvenida.
Hogar fastuoso, acomodado, donde la voz de la autoridad no roe los excesos. Bebidas finas, juegos, goces…Empero hay una gota de vinagre en este odre: la fe ciega de Casandra en sus augurios. Algo oscuro se avecina. Ella sabe lo que viene, pero queda a la vera de su nuevo dueño. Agamenón, impertérrito, sostiene el derecho de la nueva criada en este hogar hostil. Egisto se prepara, Clitemnestra afila sus garras…
La versión libre del clásico de Esquilo, el “primer trágico”, reubica la historia en un hogar moderno, pleno de comodidad, propio de acaudalados. Agamenón vuelve de un largo viaje de negocios, sin llamas de Hefestos que lo anuncien ni heraldos de naufragios supervivientes. Pero es él, macho inquebrantable que vuelve para gozar las veleidades de su hogar. Al cruce de este displicente señor, Clitemnestra, su mujer, juega con dos caras: la que le otorga el poder de ser su señora, aún aherrojada al fuego que los conminó al matrimonio; y otra cara, la deseosa de venganza, la de leona que quiere reivindicar la muerte de su hija Ifigenia en circunstancias dudosas. Partícipe de la estratagema de venganza está Egisto, quien arrastra una querella familiar con el señor que aún no ha mermado.
Todo marcha, salvo por Casandra, diáfana en sus decires, quien blandirá hojas de premoniciones por los aires. Agamenón no la escucha, Clitemnestra y Egisto deben silenciarla…¿cómo? El descrédito: “Casandra está insolada”. La “enferma” y “delirante” joven será el eje de la obra. Así el destino trágico se consume, sin reparos en Apolo ni en oráculos de Delfos.
La obra de Esquilo, relata el retorno y el crimen que acaecen en la casa real. Agamenón, hijo de Atreo de Micenas y de la reina Aérope, parte a Troya como comandante en jefe de la escuadra griega junto a su hermano Menelao. A su vuelta, sucederá uno de los hechos más representativos de la tragedia clásica. La obra es parte de la única trilogía completa que ha llegado del autor. En las contiendas teatrales helénicas los dramaturgos presentaban un bloque de tres tragedias y una obra satírica (comedia). La Orestía, conformada por Agamenón, Las Coéforas y Las Euménides, fue ganadora del certamen en 458 A.C. A diferencia de la poesía hexamétrica Hesiódica u Homérica, Esquilo escribe en verso de manera que desarrolla una acción puesta en escena (drama significa acción), que remite a hechos heroicos y míticos del pasado, por lo cual es considerado (no sin tener antecedentes fragmentarios) el primero de los tres trágicos canónicos, seguido por Sófocles y Eurípides. La “tragedia” que deriva de “tragos”, macho cabrío, era un canto que se ofrecía en el altar de Dionisio, dios de la alteridad y la transformación. Estas se presentaban en disputas, análogas a competencias atléticas donde el ganador era distinguido y ofrecía el sacrificio del cabrón al dios y la ciudad. Las obras presentaban un coro que relataba imparcialmente las vicisitudes de la historia, un protagonista, y un deuteragonista quienes sostenían un conflicto. En estas irreconciliables diferencias se hallaba la armonía de la obra. Agamenón incorpora un tritagonista, que corresponde a Casandra o Egisto.
Al igual que las demás piezas, el destino trágico, inexorable, se ciñe sobre el hogar de los átridas. Atreo tortura y ultima al padre de Egisto; Agamenón ofrece para el favor de Artemis en su campaña bélica el sacrificio de su hija Ifigenia : “Grave sino no obedecer, pero grave a una hija, el orgullo de mi casa, degollar manchando mis manos en chorro brotado de una virgen moribunda. ¿Hay algo que esté libre de males? ¿Cómo escapo a la escuadra dejando a mis aliados? Lícito es desear con ansia el sacrificio que amanse al viento con virginal sangre. ¡Para bien sea!” (vv.205-217). Clitemnestra, hija de Tindáreo y Leda, deseosa de venganza prepara junto a Egisto su plan. Casandra, hija de Príamo, rey vencido de una ciudad pulverizada por el “rapto” de Helena a manos de Paris, es similar a un botín de guerra. Cada historia contiene una lógica para su desenlace trágico, justificable por las intervenciones del Olimpo. El final de Agamenón, se articula con Las Coéforas y Las Euménides, donde la historia de venganza vuelve a acechar teniendo como protagonista a Orestes, hijo del fallecido rey.
Estas pequeñas viñetas sobre el autor acompañan mis intenciones de describir la obra Casandra está insolada. Es una muy original adaptación, sutil a la hora de plantear similitudes y diferencias con el clásico; llena de emoción gracias a un elenco que deja todo, paso a paso, parlamento a parlamento. Hay risa, hay tristeza, hay ironía, hay de todo. Un placer ver el compromiso de una puesta en escena que reivindique la obra clásica de una forma coloquial y novedosa. Esto es teatro. Casandra está insolada demuestra que un drama de dos mil cuatrocientos años atrás tiene infinitas posibilidades de contarnos los límites del entendimiento y el sentir humanos.
Casandra está insolada se presenta los Viernes 21 hs. En El Piso, teatro y afines, Hidalgo 878 CABA.
Ficha técnica
Elenco:  Julian Castro (Egisto)
                Florencia Colace (Casandra)
                Ayelén Duniec (Clitemnestra)
                Franco Planel (Agamenón)

Música original: Rodrigo Alcaraz / Escenografía y vestuario: Casandra está insolada / Diseño gráfico: Margarita Cubino / Diseño de Iluminación: Marcos Ribas / Prensa: Carolina Reznik / Asistencia de Dirección: Marianela Follonier / Dramaturgia y Dirección: Sabrina Marcantonio.     

Crítica realizada por Guido Facile

ENTREVISTA LITERARIA AL ACTOR IGNACIO HUANG


LLTV: ¿Podrías mencionar los tres libros más importantes que hayas leído, o que mayormente te hayan constituido como persona?

IH:. “La campaña” de Carlos Fuentes. “El club de la buena estrella” de Amy Tan y “El color púpula” de Alice Walker.

LLTV: ¿Último libro que leíste?

IH: La peregrinación al Oeste” de autor anónimo.

LLTV: ¿Escribís? ¿En qué circunstancias lo hacés?

IH: Escribo guiones teatrales. Me gusta hacerlo en una mañana relajado de domingo con el desayuno por medio. Pero en realidad también escribo cuando viajo en colectivo, agarro un pedazo de papel y escribo todo lo que imagino en una escena con letras movidas que solo yo entiendo.

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

IH: La Campaña de Carlos Fuentes, por los 3 motivos de la lucha que mencionó un personaje: “Ahora tú dime, Baltasar el criollo, si esta lucha mía es por venganza, por convicción o por fatalidad

LLTV: ¿Tenés manías en el ejercicio de la lectura?

IH: Que cuando levanto un libro ya me pesan los parpados… eso cuenta?

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?

IH: A Gregor Samsa de “La Metamorfosis” seguramente le pondría mucho azúcar al café y hablaría cosas muy raras, hmmm… ya estoy arrepentido de invitarlo, debe ser muy asqueroso!!!

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa,  dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?

IH: No se, pero seguramente no invitaría a la protagonista de “El color púrpula” porque escupe en los vasos de agua.

LLTV: ¿Recordás haberle leído a alguien en voz alta alguna vez, haber sostenido una lectura compartida, fuera del marco de lo que son los ensayos teatrales?

IH: Las veces que suceda eso me pone tan nervioso que antes, durante y después de la lectura no tengo la mínima idea de lo que estoy leyendo o escuchando. No me pasa eso con los ensayos teatrales.



LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?

IH: No he tenido experiencia así, porque nunca pongo expectativas a un libro, siempre dejo que me sorprenda.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?

IH: Que no aprende. Han pasado guerras, revoluciones, y murieron gentes. Pero la humanidad sigue repitiendo los mismos errores.

LLTV: Estas presentando hasta el 19 de abril todos los sábados y domingos de marzo a las 20:30 Hs en en el Centro Cultural de la Cooperación, “Rey Mono Vs. Madame Esqueleto”. Es un espectáculo de títeres tradicionales chinos. ¿Nos poder contar con qué se va a encontrar quien presencie la obra?

IH: Se van a encontrar con algo totalmente nuevo para la experiencia de un occidental. Se van a sumergir en un universo desconocido, no solo por la distancia sino también por el tiempo. Personajes y situaciones totalmente novedosos, conceptos culturales diferentes, y otro punto de vista para re-significar lo que es el arte escénico y seguramente será una experiencia enriquecedora.

LLTV: ¿Con qué criterio se hizo la adaptación, teniendo en cuenta las diferencias culturales entre ambo países?

IH: Es importante mi rol como autor-puente entre ambas culturas. Conozco bien cada pueblo, y trato de encontrar la equivalencia perfecta para que la re-interpretación sea a nivel esencial y no literal. Por ejemplo, hay un personaje dentro de la obra que es muy goloso, y cuando se puso a imaginar algo rico, le puse dulce de leche.

LLTV: ¿Proyectos laborales para el 2015, que se puedan contar?


IH: Aparte de “Rey Mono Vs. Madame Esqueleto” seguirá con las funciones durante todo el año en diferentes espacios teatrales, se re-estrena obras como “Impurgables” y “La maquila”. 2 películas independientes por grabar. 1 película comercial en Venezuela, y posiblemente una tira en Colombia.


 “Rey Mono Vs. Madame Esqueleto”, el primer espectáculo de Títeres Tradicional Chino en Argentina, presentado por el Grupo Hua Guo Shan, todos los sábados y domingos de marzo a las 20:30 hs. en el Centro Cultural de la Cooperación,hasta el 19 de abril inclusive.

A partir del 25 de abril se presentará todos los sábados a las 17:00 hs. en el Teatro Gargantúa. 

Ignacio Huang (Co-protagonista de la película "Un cuento chino", con Ricardo Darín) dirige esta bella obra, la cual adaptó al español de la canónica novela china “Peregrinación al Oeste”. Este espectáculo, interpretado por artistas chinos y argentinos, promete un viaje inolvidable hacia el corazón del gigante asiático. Acción, comedia y moralejas con estilo inédito. El espectáculo cuenta con la ejecución de títeres originales, creados por los integrantes del Grupo Hua Guo Shan. Una experiencia única que permitirá revivir esta perla cultural que ha entretenido a grandes y chicos desde hace más de 1500 años.

Prensa: María Eugenia Souto para OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural

viernes, 20 de marzo de 2015

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "NUEVA YORK" de DANIEL DALMARONI





Nueva York – Daniel Dalmaroni. Dir. Jorge Schwanek

“Han lanzado sus ojos al fondo del pozo:

ahora me sube del pozo el reflejo de su repugnante sonrisa.”

Nietzsche

Varias personas han logrado que un secreto monstruoso se convierta en un ínfimo comentario al pasar. ¿Es complicidad? No, todo el tablero está dispuesto para evitar lo que la joven Dolores tiene para contarnos.

Discursos familiares ensamblados, picada y pileta de por medio. Ernesto, el padre, asiste a la confesión aberrante de su hermano, el tío Mario. Así comienza la obra, con un golpe de morbo que nos ubica expectantes hacia algún tipo de redención. La historia transcurre mediante relatos extravagantes de un trío de personajes: Mario, el tío; Ernesto y Marta, padre y madre. En la vereda opuesta Dolores, quien arrastra la pesadumbre de no ser escuchada. Cada oportunidad que tiene para confesar se dispersa por otros diálogos. La joven está atrapada en esta telaraña. Marta, su madre, cuenta sin tapujos historias graciosas plenas de morbidez. Ernesto, pilar de esta ilusoria unión familiar, insiste en la convivencia. El tío, se hace el desentendido.

La calamidad está instalada en estas escenas familiares donde historias pueriles obturan la tremenda verdad. Así, la joven Dolores, resignada, aporta esa cuota de espanto que frente a lo absurdo de la cháchara familiar, genera en la obra un humor negro y sarcástico. Los personajes de Nueva York logran de forma precisa establecer el continuo contraste entre lo gracioso y lo espeluznante. El final nos sorprenderá.

La obra de Dalmaroni se caracteriza por el humor negro edificado en una cuestión horrible y criminal, sin embargo está muy bien articulado con las ocurrencias de estos seres, lo cual matiza lo ofensivo del asunto y nos invita a pensar. Todo aquello que esta familia no registra…entra por la ventana: así la joven Dolores se jacta de una rebeldía desinteresada.

Nueva York goza de un elenco espectacular con actuaciones que logran de forma adecuada la sintonía de la obra. La pieza nos enseña cómo los errores de la palabra generan sinsentidos, pero la falta de ella, sujetos aislados, dolidos…faltas difíciles de corregir.

Nueva York se presenta los Viernes 21 hs en Teatro El Ópalo, Junín 380 CABA.

Ficha técnica

Elenco:

                Rodrigo Cárdenas (Mario)

                Sofi Cristi (Dolores)

                Ricardo Galizia (Ernesto)

                Nanci Raquel Losada (Marta)


Escenografía y vestuario: Fernando Gaba Theuler/ Diseño gráfico y fotografía: Carolina Erbes / Producción: Jorge Schwanek / Prensa: Silvina Pizarro / Asistente de dirección: Fernando Sforza / Guión: Daniel Dalmaroni / Dirección: Jorge Schwanek.

 Crítica realizada por Guido Facile