CRÍTICA A LA OBRA “OJALÁ LAS PAREDES GRITARAN”

Una de las características de los textos clásicos es que son universales. Se trata de historias que trascienden las épocas porque sus problemáticas siguen vigentes en todas las sociedades.

En esta línea, se puede decir que “Hamlet”, de William Shakespeare, pica en punta. Versiones y versiones se han realizado sobre esta obra del gran dramaturgo inglés. Por eso, atreverse a trabajar sobre este texto siempre presenta fuertes desafíos.

No le temió a ello, Paola Lusardi, quien en su doble rol como dramaturga y directora realiza una original actualización y re contextualización del clásico shakesperiano.

El príncipe Hamlet se presenta entonces como un adolescente rebelde y atormentado. Un niño de “familia bien” que no le perdona a su madre haberse casado con su tío Claudio, a quien culpa por la muerte de su padre. Hamlet tiene un amigo, Horacio, que sin necesidad de hablar se muestra como compañero de juerga y testigo irrefutable de todo lo que sucede. También aparecen Ofelia (la eterna enamorada de Hamlet) y su padre Polonio (en su rol de amigo/asesor/socio de los negocios de la familia).

En cuanto a la historia, ya no sucede en un castillo sino en una casa con jardín y escaleras a plantas superiores. Por su parte, un asado familiar será la excusa para ofrecer a Hamlet el puesto vacante en la empresa familiar.

Música electrónica, solos de rap, lenguaje actual y vestuario contemporáneo. Una mansión muy bien resuelta con estructura de andamios, desde la escenografía, y una elección musical que terminan de generar el espacio en el que se desarrolla la historia. Los textos por momentos frenéticos, casi performáticos, se escupen ante un público ubicado sobre el escenario, que también habita esa casa como un observador silencioso pero activo.

Sin dudas la creatividad que tiene la puesta viene acompañada del excelente trabajo que realizan los actores en sus interpretaciones. Cada uno de ellos, se aferra a alguna de las características de los personajes clásicos pero le suman una impronta completamente personal y contemporánea.

“Ojalá las pareces gritaran” es una experiencia teatral poco convencional pero valiosa por los riesgos que asume. Quizá no todo el mundo pueda reconocer una a una las líneas argumentales del texto original. Pero está claro que la esencia de Hamlet está presente y que su relectura es sumamente interesante.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Paola Lusardi

Actúan:Santiago Cortina, Martín Orlando Gallo, Augusto Ghirardelli, Mariana Mayoraz, JulianPonce Campos, AntonellaQuerzoli

Diseño de escenografía:Gonzalo CordobaEstevez

Diseño de luces:David Seldes

Música: Ignacio Cantisano, Mateo Schreiterer

Fotografía: Julieta Rodríguez

Diseño gráfico:Francisca Rojas

Asistencia de iluminación: Francisco Varela

Asistencia De Producción: Jennifer Aguirre Woytkowski

Asistencia de dirección: Francisco Barceló

Prensa: Marisol Cambre

Producción gráfica:Romina Juejati

Producción ejecutiva: Carla Carrieri

Producción Internacional: Débora Staiff

Colaboración en dramaturgia:AndresGranier, Leila Martínez

Diseño de movimientos:Marina Cachan

Dirección:Paola Lusardi

Duración: 105 minutos

TEATRO METROPOLITAN SURA

Av. Corrientes 134

Entrada: $ 600,00

Martes - 20:30 hs

CRITICA A LA OBRA “LA ENAMORADA”

Santiago Loza escribió este unipersonal hace una década y, este año, bajo la mirada de Guillermo Cacace, el texto se volvió piel en el cuerpo de Julieta Venegas.

Del proceso de ensayos aparecieron las canciones, que comparten autoría entre Loza y Venegas, y un modo de contar pequeñas anécdotas de vida que vienen acompañadas de proyecciones a cargo de Gisela Cukier y Johanna Wilhelm completando la escenografía con una sutileza única.

Así, vemos a Julieta Venegas en un escenario mínimo, con un vestido rosa, su instrumento musical en tonos verde-celestes y un marco del mismo color que contiene la pantalla que sirve de soporte a los relatos que esta pequeña mujer vendrá a regalarnos durante los 60 minutos que dura el espectáculo.

Anécdotas, recuerdos, reflexiones que aparecen en forma aparentemente aleatoria pero que nos tocan desde el humor y la ternura bajo la marca registrada de Santiago Loza. Los temas se van hilando unos con otros a partir de la picardía y el ángel que Julieta, que en su nueva etapa actoral, logra una perfecta comunión con su público. De hecho, basta sólo con girar unos segundos nuestra mirada hacia la platea y percibir las sonrisas de la gente y sus miradas cómplices. Julieta Venegas dice que no es actriz, pero se gana a los espectadores y los lleva hacia una y otra historia con una sensibilidad magistral.

Y aquí, se nota claramentela guía de Cacace, no solamente desde la dirección actoral sino también como responsable del ritmo en el decir, de la búsqueda de la verdad en la palabra, de la fusión entre lo plástico y lo poético y de la mirada global del espectáculo.

Loza, Venegas y Cacace logran un producto exquisito, que nos hipnotiza desde el minuto uno y nos deja con ganas de seguir escuchando por horas lo que tienen por decirnos. Porque a veces no se necesitan grandes ideas ni actrices de lo más experimentadas. En más de una oportunidad podemos decir que menos es más. Esta ocasión es una de ellas. Y si no, ¡compruébenlo ustedes mismos!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Loza

Intérprete: Julieta Venegas

Diseño de vestuario: BetianaTemkin

Diseño De Proyección:Gisela Cukier, Johanna Wilhelm

Diseño de escenografía: Johanna Wilhelm

Diseño de luces: Matías Sendón

Canciones:Santiago Loza, Julieta Venegas

Música original:Julieta Venegas

Sonido:  Mariano Luna

Intervención Artística:Andrés Molina

Fotografía: Sol Levinas

Fotografía De Escena: Francisco Castro Pizzo

Diseño gráfico:Leandro Ibarra

Asistencia de escenografía:Martina Nosetto

Asistencia de dirección:GaboBaigorria

Prensa:Varas & Otero

Producción ejecutiva:Romina Ciera

Dirección de Producción:Romina Chepe

Dirección:Guillermo Cacace

Duración: 60 minutos

TEATRO EL PICADERO

Pasaje Santos Discepolo 1857 - Caba

Entrada: $ 800,00 - Jueves - 21:45 hs - Hasta el 30/11/2019

Entrada: $ 800,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 30/11/2019

CRITICA A LA OBRA “LA SUERTE DE LA FEA”

Ir a ver un espectáculo que se viene realizando hace varias temporadas con excelentes críticas no es fácil. No porque ya esté todo dicho, de hecho nunca leo otras reseñas de obras que me toca cubrir, sino porque a veces las expectativas parten de un piso muy alto y, excelentes productos, se ven luego desdibujados ante la exigencia de nuestra mirada.

Algo de ese temor flotaba por mi cabeza antes que “La suerte de la fea” iniciara una nueva temporada, esta vez, en el Teatro Picadero. Sin embargo, a poco de empezar la función me olvidé por completo de los colegas que me la habían recomendado y de los premios obtenidos.

Me sumergí en las vivencias que Luciana Dulitzky transmitía con extrema sutileza en el escenario. Conecté con ese mundo cruel, de soledad, lleno de injusticia y oscuridad que se abría en los bares de los años 20, en los que Orquestas de Señoritas, atraían a hombres lascivos que iban en busca de mujeres sensuales. Claro que esas mujeres, las figurantas, no eran las verdaderas artífices en la ejecución de las piezas musicales sino unas simuladoras. Porque había otras, las feas, que ocultas entre los telones o los fosos de las orquestas, interpretaban el repertorio. Mujeres llenas de erotismo, con una sensualidad diferente a la de los cánones tradicionales, músicas apasionadas pero con falta de belleza o con demasiados años encima para ser dignas de tocar a la vista de todos y de ser merecedoras de los aplausos por su arte.

De la suerte de estas mujeres, habla Mauricio Kartun. Y con un monólogo con dosis de humor, de melodrama y de situaciones bizarras el gran maestro de la palabra conquista a la platea.

Pero no hay dos sin tres. Y la tercera variante de este producto es la mirada sensible de Paula Ransenberg en la Dirección, que hace que todo en esta obra logre estar en el plano justo: los momentos que transita la obra, los matices de la actuación, la escenografía y el vestuario de Alejadro Mateo (que en ese espacio reducido vuelve aun más inmensa la interpretación de Luciana Dulitzky) y la música en vivo del violinista Federico Berthet.

No importa cuánto se ha dicho de esta obra. A veces los planetas se alinean, y pase lo que pase, los espectáculos nos llenan haciéndonos salir rebosantes de buen teatro. Y esta es, sin dudas, ¡una de esas situaciones!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Actúa: Luciana Dulitzky

Intérpretes: Federico Berthet

Peinados: Granado

Diseño de vestuario: Alejandro Mateo

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Fernanda Balcells

Realización de escenografia: Los Escudero

Realización de vestuario: Lucina Tropini

Música: Federico Berthet

Fotografía: Sofía Montecchiari, Ale Ojeda

Diseño gráfico: Zkysky

Asistencia de dirección: Marcelo E. De León

Prensa: Simkin & Franco

Dirección: Paula Ransenberg

Duración: 50 minutos

Domigos 16:30 hs

Teatro Picadero - Enrique Santos Discépolo 1857 (CABA)

CRITICA A LA OBRA “MACBETH”

“Macbeth”, uno de los títulos más emblemáticos de William Shakespeare, llega a la cartelera porteña bajo la dirección conjunta de Daniel Casablanca y Andrés Sahade.

La universalidad del dramaturgo más importante de todos los tiempos es indiscutible.

Shakespeare representó esta obra por primera vez en 1606. En ese entonces, la sociedad londinense seguía las elucubraciones que Macbeth y su esposa realizaban para alcanzar el poder y sostenerlo.Hoy en día, esa compleja trama de ambición, pasión, culpas y traiciones pueden verse reflejadas en muchos aspectos de la política contemporánea.

Casablanca y Sahade toman los ejes centrales de la dramaturgia del autor inglés y ponen en escena una versión descontracturada, que resalta la comicidad, y cuyos tintes clownescos, borran por completo la solemnidad con la que muchas veces se representanlas obras de Shakespeare.

La música en vivo de Pablo Bronzini, las proyecciones de arte efímero de Alejandro Bustos que completan la escenografía y el vestuario a cargo de Analía Cristina Morales se combinan armoniosamente generando una atmósfera oscura que nos va envolviendo entre las garras del poder.

Pero no se puede hablar de esta obra sin mencionar los talentosos actores que la llevan a cabo. Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade y Eleonora Valdez conforman un equipo actoral de lo más preciso, con gran ductilidad para componer más de un personaje y una versatilidad corporal propia de la escuela de Casablanca y Sahade que nutren la puesta de un dinamismo exquisito.

El resultado es una puesta acertada que logra, con una mirada ágil y divertida, reflexionar respecto a la ambición política y sus consecuencias.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Versión: Andrés Sahade

Traducción: Andrés Sahade

Actúan: Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade, Eleonora Valdez

Mapping:Franco Gregoris

Vestuario: Analía Cristina Morales

Escenografía: Analía Cristina Morales

Diseño de luces:CaioSenicato

Música original: Pablo Bronzini

Proyecciones: Alejandro Bustos

Diseño gráfico: Matías Grasset

Asistencia de dirección: Luciana Lippi

Prensa:Varas & Otero

Puesta en escena: Andrés Sahade

Dirección: Daniel Casablanca, Andrés Sahade

EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO

El Salvador 4530 - Capital Federal

Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:30 hs - Hasta el 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “ASI DE SIMPLE (NO ALCANZA CON QUERERSE)”

“Así de Simple”, trata de una pareja en los diferentes estadios de su relación, con sus puntos fuertes y débiles, con su alegría y nostalgia, con sus situaciones de éxtasis y de bronca, con sus mundos internos y su resonancia ante los elementos externos que rodean ese vínculo.

La cronología de las situaciones no es lineal sino que va y viene en el tiempo y, a partir de “flashbacks”, vamos reconstruyendo la historia de amor de Clara y Joaquín. Así, este recurso con tintes cinematográficos le da un muy buen dinamismo al relato. Sin embargo, lo más novedoso y el gran acierto de la dramaturgia de Ignacio Bresso y Sofía González Gil es contar una obra de dos personajes con seis actores que conviven permanentemente en el escenario.

¿Pero cuál es el truco? Y ahí está el condimento que sirve a esta puesta, porque en cada uno de nosotros, conviven múltiples facetas, rasgos de personalidad que por momentos nos hacen seguir nuestro lado más impulsivo y emocional, que pelean con nuestro lado racional y que, muchas veces, nos tironean hacia una u otra postura aún sin estar demasiado seguros de las decisiones que tomamos.

La obra tiene entonces a la pareja central y a las voces internas de cada uno de ellos.  Las “Claras” y los “Joaquines” utilizan siempre los mismos vestuarios, no dando lugar a dudas acerca del recurso que se propone desde la dirección.

Vale destacar el aire juvenil que logra el diseño de escenografía de Lula Rojo yGaston Segalini, la atmósfera musical de las composiciones de Francisco Ruiz Barlett y el diseño de luces de Manuel González Gil.

En cuanto a las actuaciones puede decirse que se trata de un grupo compacto, que parece conocerse mucho arriba del escenario y que disfruta como si fuese el primer día de esta quinta temporada de funciones.

Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri y Ailin Zaninovich son Clara y Joaquín; y cada uno de ellos, aporta los ingredientes necesarios para mostrarnos una cara distinta del personaje que interpretan en conjunto.

Dejo para el final la labor de Sofía González Gil porque, en su primera dirección, no sólo sale airosa del desafío, sino que logra una pieza exquisita, una comedia en la que todos podemos sentirnos identificados en mayor o menor medida y que da un respiro desde el humor para cortar la rutina semanal con un miércoles de buen teatro.

El amor, ¿es así de simple? Claro que no. Está lleno de vericuetos. Como le pasa a Clara. Como le pasa a Joaquín. Como nos pasa a todos.

OPINION: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Ignacio Bresso, Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich

Diseño de escenografía: Lula Rojo, Gaston Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Realización de escenografia: Lula Rojo, Gaston Segalini

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Guido Wainstein

Diseño gráfico: Malena Papanicolau

Asistencia de dirección: Manuela González Gil, Juan Gabriel Yacar

Prensa:Varas & Otero

Producción: Loli Crivocapich

Coreografía: Carolina Pujal

Dirección: Sofía González Gil

TEATRO EL PICADERO

Pasaje Santos Discepolo 1857 - Capital Federal

Miércoles - 21:00 hs - Hasta el 04/12/2019

CRITICA A LA OBRA “HOMBRES Y RATONES”

“De ratones y hombres” (Of Mice and Men) es el título de la novela original escrita por el estadounidense John Steinbeck quien fuera ganador del premio Nobel de literatura en 1962.  “Hombres y ratones”, por su parte, es la lograda versión de Lisandro Fiks que puede verse todos los viernes en el Portón de Sanchez a las 23 hs.

La novela de Steinbeck publicada en 1937, se desarrolla en California durante el período de la Gran Depresión. La propuesta teatral de Fiks, en cambio, la sitúa en la provincia de La Pampa allá por el año 1968.

Sin embargo, no importa la época o al lugar, porque el texto viene perfecto para ejemplificar los abusos y las miserias que los trabajadores de campo sufren por parte de sus patrones y de una sociedad que poco les permite progresar.

Al ingresar a la sala, sorprende la escenografía de Micaela Sleigh, que absolutamente funcional a la puesta, se va adaptando a las diferentes escenas combinando también con un impecable trabajo de vestuario.

El diseño de luces y la elección musical no son un detalle menor. Acompañan en armonía la solvente dirección llevada en forma conjunta por Lisandro Fiks y Gustavo Luppi (ambos nominados al Premio ACE 2019 en el rubro Mejor Dirección de Teatro Alternativo)

El equipo actoral, además, es muy parejo y logra trasmitir las diferencias de clase, la hondura de los personajes y la importancia de sus vínculos. En este sentido, se destaca la relación que entablan Jorge y Lito, interpretados por Juan Luppi y Ramiro Mendez Roy (este último nominado al Premio ACE 2019 como Actor Revelación), los dos trabajadores “golondrina” que llegan a una estancia intentando cumplir sus sueños de un porvenir mejor.

“Hombres y ratones” es un espectáculo para recomendar, que pone el acento en los débiles e invita a revisar las relaciones de poder.

OPINIÓN: MUY BUENA

Ficha técnico artística

Autoría: John Steinbeck

Versión: Lisandro Fiks

Traducción: Juan Luppi

Actúan: Sandra Criolani, Lisandro Fiks, Heinz Krattiger, Gustavo Luppi, Juan Luppi, Ramiro Mendez Roy

Vestuario: Micaela Sleigh

Escenografía: Micaela Sleigh

Diseño de luces:Lisandro Fiks, Gustavo Luppi

Fotografía: Franco Alonso

Asistencia de dirección:Daniel Caceres

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción ejecutiva:Juan Luppi, Ramiro Mendez Roy

Dirección: Lisandro Fiks, Gustavo Luppi

Duración: 80 minutos

EL PORTON DE SANCHEZ

Sánchez de Bustamante 1034 - Caba

Entrada: $ 350,00 / $ 250,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 18/10/2019

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

CRITICA A LA OBRA “AGRUPACIÓN 9 DE JULIO, PRESENTE”

Un club de barrio hostigado por las deudas, a punto de caer en la quiebra y con dirigentes a los que les interesa más cuidar y llenar sus bolsillos que el bienestar de sus socios.

“Toda verdad tiene estructura de ficción” decía Jacques Lacan. Y Alejo Beccar,a través de la historia de este club de barrio, encuentra una metáfora perfecta para hablar del país, de una nación que se hunde y que al estirar el brazo en busca de ayuda encuentra más problemas que buenas oportunidades.

Los inversores extranjeros ofrecen el dinero necesario para evitar el cierre definitivo del club. Aceptarlo, implicaría abandonar las tradiciones y una pérdida total de la identidad, la promesa de “apertura” a las grandes ligas internacionales y, por supuesto, una recompensa más que onerosa para los integrantes de la comisión directiva que orienten a sus socios hacia esta fatídica decisión. Sin embargo, no todo estará perdido. Y como afortunadamente suele pasar, serán los jóvenes los que se organizarán, denunciarán y harán frente a los embates del poder. 

Este contrapunto de intereses está muy bien configurado a partir de las actuaciones de todos los integrantes del elenco, con alegatos hacia una u otra postura que reflejan  la corrupción y el beneficio individual pero también la lucha por los ideales y la necesidad de “despertar” a quienes observan pasivamente o tienen miedo de actuar frente a los poderosos de turno.

El vestuario, la iluminación y la escenografía trabajan en conjunto para caracterizar los espacios ficcionales y el paso del tiempo ante una decisión que, para bien o para mal, está a punto de explotar.

¿Dar pelea y resistir o bajar la cabeza y atenerse a las consecuencias?

Alejo Beccar lanza la pelota a la platea. Por un momento somos parte de ese colectivo de socios que deben volcarse por una u otra alternativa. Pero las luces se apagan, esa inquietud traspasa las puertas del teatro, nos acompaña en nuestro cotidiano y sigue resonando…

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Alejo Beccar

Actúan: Tomàs Claudio, Guillermo Meresman, Jorge Paz, Josefina Pignataro, Andres Rojas, Jessica Wejcman

Ambientación: Alejo Beccar

Diseño de luces: Alejo Beccar

Fotografía: Verónica Zacayan

Diseño gráfico: Nicolás Senestrari

Asesoramiento de vestuario:

 Camila Caubet

Asistencia de dirección: Camila Caubet

Producción: Teatro La Tertulia

Dirección: Alejo Beccar

Duración: 60 minutos

TEATRO  LA TERTULIA

Gallo 826 - Capital Federal

Entrada: $ 350,00 / $ 300,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el Click para editar

CRITICA A LA OBRA TEATRAL “LA NIÑA VERGÜENZA”

Una mujer adulta, refinada, elegantemente vestida ingresa a una casa.

Observa los muebles, acaricia los objetos y empieza a contar su historia.

Nos adentramos en ella. Y, tímidamente, nos volvemos parte.

Porque la niña-mujer que rememora su infancia, no tiene nombre (o sí, tiene un apodo: “Buñuelo”) y esa identidad seudo vacía pareciera poder ser ocupada por una voz universal: la de la mujer que reclama un cambio de paradigma, el corrimiento del dogma patriarcal y la necesidad de ser en un mundo que la aplaca, la silencia y la oprime.

Hacia este viaje nos lleva Manuela Amosa, la actriz que maneja sutilmente la barca y que nos mece por recuerdos que oscilan entre la mirada ingenua de la niñez y las tempestades de la adultez, entre los sueños por un porvenir mejor y una realidad que nos hace darnos de bruces contra la pared, entre la voz de una inmigrante cuyo exilio terminó convirtiéndose en una cárcel y la de una hija que busca alcanzar la liberación.

La mirada de Tamara Kiper desde la dirección aporta fluidez al relato, otorgándole al uso de los objetos cotidianos y la iluminación un lugar predominante para involucrarnos con la historia, lo sensorial y lo sensible en una puesta que indaga en una cruda realidad familiar.

Una muy buena propuesta que nos invita a seguir desentrañando prácticas arraigadas en el pasado, que busca deconstruir el rol de la mujer y liberarla de los dedos acusatorios, manipuladores, acosadores y repudiables que uno tras otro empiezan a caer.

OPINIÓN: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Manuela Amosa

Actúan: Manuela Amosa

Vestuario: Cinthia Guerra

Escenografía: La Niña Vergüenza, Jose Escobar

Diseño de luces: AdrianGrimozzi

Diseño sonoro: Joaquín Segade

Fotografía: Carla Lucarella

Asistencia de dirección: Cinthia Guerra

Prensa: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Macarena Del Mastro

Dirección: Tamara Kiper

Duración: 60 minutos

TIMBRE 4

México 3554 -Caba

Web: http://www.timbre4.com

Entrada: $ 380,00 - Sábado - 20:30 hs - Hasta el 23/11/2019

Entrada: $ 380,00 - Domingo - 19:00 hs - Del 01/09/2019 al 29/09/2019

RESEÑA DE LA OBRA “J. TIMERMAN”

La obra de Eva Halac, basada en hechos y personas reales, pone en escena a dos personajes antagónicos: el periodista Jacobo Timerman, fundador de las revistas Primera Plana, Confirmado y del diario La Opinión de Buenos Aires; y el presidente de facto Alejandro Agustín Lanusse.

La excusa surge a partir de los días en los que el militar preparaba el casamiento de su hija con el cantante Roberto Rimoldi Fraga, momento de revueltas sociales, atravesadas por el inminente regreso de Perón al país, el accionar de la guerrilla, las promesas de elecciones y los intereses económicos que iban o venían tras el poderoso de turno.

Y si bien los dos protagonistas nunca sostienen entre sí un diálogo en escena, un cordón o pasillo formado con vallas parecen mostrar no sólo la sincronicidad de los hechos sino también a una Argentina en permanente trabajo de reconstrucción ante una realidad que se desmorona. Algo parecido les pasa a los protagonistas de esta historia, uno con los días contados en el gobierno y, el otro, con una postura no del todo clara en relación a las esferas del poder, sus ideas avanzadas de periodismo y los intereses personales.

Las actuaciones están a cargo de Orlando Alfonzo, Guillermo Aragones, Juan Pablo Galimberti, Cristian Majolo, Mucio Manchini, Hernán Muñoa, Leonardo Murúa, Gregorio Scala, Carlos Scornik, Ramiro Vayo y Ian Guinzburg (como actor de reemplazo).

La música en vivo es ejecutada por Gustavo García Mendy y Juan Sevlever mientras que la escenografía y el vestuario pertenece a Micaela Sleigh.

Eva Halac, desde la dramaturgia y dirección, escarba y reflexiona sobre la Historia Argentina con esta obra que puede verse en la mítica sala “Timbre 4” del barrio de Boedo.

Reseña: Carolina Avigliano

Ficha técnico artística

Texto: Eva Halac

Actúan: Orlando Alfonzo, Guillermo Aragones, Juan Pablo Galimberti, Cristian Majolo, Mucio Manchini, Hernán Muñoa, Leonardo Murúa, Gregorio Scala, Carlos Scornik, Ramiro Vayo

Actores reemplazo: Ian Guinzburg

Músicos: Gustavo García Mendy, Juan Sevlever

Vestuario: Micaela Sleigh

Escenografía: Micaela Sleigh

Iluminación: Miguel Solowej

Música original:

Gustavo García Mendy

Diseño gráfico: Andrea Torti

Asistencia de escenografía: Merlina Garcia Brunelli

Asistencia de vestuario: Merlina Garcia Brunelli

Asistencia de dirección: Jennifer Aguirre Woytkowski

Prensa: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Jennifer Aguirre Woytkowski

Dirección: Eva Halac

Duración: 75 minutos

TIMBRE 4

México 3554 - Caba - Argentina

Reservas: 4932-4395

Web: http://www.timbre4.com

Entrada: $ 380,00 - Lunes - 20:30 hs - 19/08/2019

Entrada: $ 380,00 - Sábado - 20:30 hs - 02/11/2019