martes, 15 de octubre de 2019

CRITICA A LA OBRA “VIENTRE, EL HUECO DEL QUE VENIMOS”




“Vientre” comienza en la calle. Con una procesión que en pleno llanto nos indica el camino a la sala. Al sentarnos en nuestras butacas comprendemos que nuestro lugar en este cementerio de ficción no será ser cómplices de echar tierra a las desigualdades vividas históricamente por las mujeres sino todo lo contrario, desenterrar esos asuntos y hacerlos parte de un grito colectivo.

Marcos Arano y Gabriel Graves, desde una dramaturgia voraz, nos invitan a repensar nuestras identidades, a desnaturalizar opresiones perpetuadas desde el comienzo de la humanidad y a repensar el concepto de sociedades igualitarias no solamente desde el plano discursivo sino desde la acción. Así, una serie de cuadros se van sucediendo para dar lugar a las mujeres de la Historia (pasando por Eva Perón, Camila O’Gorman, Alicia Moreau de Justo y Julieta Lanteri, por nombrar algunas) y muchas de sus luchas colectivas (la huelga de las escobas, las rabonas de los ejércitos de la independencia, las putas de San Julián, entre otras).

A su vez Marcos Arano, desde un exquisito y complejo trabajo de Dirección, aborda la actuación desde un cruce de géneros en donde el teatro comunitario, el clown, el musical, y sobre todo el teatro político, están presentes para denunciar las luchas de las mujeres latinoamericanas. Para ello es clave el uso del humor, la farsa y la parodia como elementos que mitigan la dureza de un relato que no deja de interpelarnos a cada paso.

El colectivo de actores, por su parte, se luce en su conjunto. La dinámica coral eleva la expresividad de los cuerpos, el uso de máscaras y de muñecos en escena, la música y el canto en vivo; y el acertado trabajo de escenografía e iluminación generan un efecto magnético que hace que no se pierda la atención ni el hilo de lo que está sucediendo en ningún momento de las casi dos horas que dura el espectáculo.

“Vientre” comienza en la calle y termina en ella, porque habla de luchas que están más vivas que nunca, de espacios que todavía deben ser ganados y de cosas obvias, que por más que nos pesen, aún deben ser explicadas.

OPINIÓN: EXCELENTE

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Marcos Arano, Gabriel Graves

Actúan: Manuela Bottale, Lala Buceviciene, Florencia Catenaccio, Alejandro Jorge Dubal, Rodrigo Frascara, Viviana Lastiri, Carolina Maldonado, Manuel Oucinde, Maria Victoria Pescara, Luciana Ramos, Rocío Rodríguez Paz, Paola Sanabria, Marcelo Sapoznik, Milena Shifres, Luna Ventura
Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre
Músicos: Olivia Daiez, Bruno Leichman, Gina Locatelli, Franco Lopez Lameiro, Aída Stamponi, Agustín Vanucci
Vestuario: Jazmín Savignac
Escenografía: Marcelo Valiente
Diseño de maquillaje: Sofía De Brea
Diseño de arte: Romina Salerno
Diseño de objetos: Paola Sanabria
Diseño de luces: Alejandro Velásquez
Realización de máscaras: Andrea Picon, NicolasRouraPicon
Música original: IanShifres
Utilero: Ileana Valejos
Asistencia de dirección: Julia Pinedo, Carolina Portnoy
Prensa: Más Prensa, Analia Cobas, Cecilia Dellatorre
Producción ejecutiva: Viviana Lastiri
Coreografía: GabiGoldberg
Dirección musical: Bruno Leichman, IanShifres
Co-producción: Fundación CycArte .industrias Culturales
Dirección: Marcos Arano

Duración: 80 minutos

LA CARPINTERÍA
Jean Jaures 858
Entrada: $ 400,00 - Domingo - 20:00 hs - Hasta el 20/10/2019
Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “HIDALGO”




Durante el mes de octubre, el espectáculo “Hidalgo” desembarca en el Centro Cultural 25 de Mayo. Así, esta obra que tuvo muchísimo éxito en pasadas temporadas del teatro independiente, se suma a la lista de títulos que, mes a mes, va incorporando este importante espacio cultural del barrio de Villa Urquiza.

A nivel argumental la propuesta es simple: Una agente inmobiliaria debe mostrar un departamento de elite a potenciales inquilinos extranjeros. Sin embargo, al llegar, descubre que las personas autorizadas para ocuparlo hasta el momento del arrendamiento viven prácticamente en la indigencia. Se genera entonces, una situación de tensión en el que al comienzo prima el hecho de “cerrar la venta” pero que luego va mutando en una preocupación casi maternal por parte de la empleada haciaeseadolescente prácticamente huérfano que vive entre verduras, un par de trastos viejos, un colchón más que raído y una única muda de ropa; y que, desmotivado ante la vida, está a punto de repetir por segunda vez el último año del colegio secundario a no ser que logre terminar un trabajo práctico sobre la vida de Bartolomé Hidalgo (considerado un pionero de la poesía gauchesca).

Lo que no es simple es el vínculo que empezará a generarse entre ellos o las preguntas que comenzarán a hacerse y que los pondrá en contacto directo con sus miedos y frustraciones.

Y si hay quienes saben de “historias pequeñas” y “grandes obras” ellas son las hermanas Marull, que vuelven a probar su fórmula de trabajar juntas (María, en la dramaturgia y dirección; Paula en la actuación) saliendo absolutamente airosas ante los resultados alcanzados.

La puesta es dinámica, el texto tiene humor pero también apela a una reflexión profunda, el ritmo es acertado y los personajes están muy bien delineados a partir de sus deseos y contradicciones. Es sin dudas un acertado trabajo de María Marull.

Claro que las criaturas compuestas por Paula Marull y Agustín Daulte, con sus más que logrados contrapuntos, también le otorgan a la pieza una riqueza adicional. Energías que al comienzo podían verse como dos caras de una misma moneda pero que, hacia el final, mostraránmás similitudes que diferencias.

Seres queribles, oprimidos, con ganas de soñar y ávidos de afecto.

Porque a veces no son las cosas que tenemos sino la compañía para disfrutar de ellas, un aliento en el momento justo o el impulso de quienes se preocupan por nuestro futuro.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia:María Marull
Actúan:Agustín Daulte, Paula Marull
Músicos:Julián Rodríguez Rona
Vestuario:Jam Monti
Escenografía:Jose Escobar
Iluminación:Matías Sendón
Fotografía:Sebastián Arpesella
Diseño gráfico:Mercedes Moltedo
Asistencia de dirección:Santiago Rodríguez Durán
Prensa: Octavia Comunicación
Dirección:María Marull

Duración: 65 minutos

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO
Av Triunvirato
Sábado - 21:00 hs - Del 05/10/2019 al 26/10/2019

domingo, 29 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “LA ENAMORADA”







Santiago Loza escribió este unipersonal hace una década y, este año, bajo la mirada de Guillermo Cacace, el texto se volvió piel en el cuerpo de Julieta Venegas.

Del proceso de ensayos aparecieron las canciones, que comparten autoría entre Loza y Venegas, y un modo de contar pequeñas anécdotas de vida que vienen acompañadas de proyecciones a cargo de Gisela Cukier y Johanna Wilhelm completando la escenografía con una sutileza única.

Así, vemos a Julieta Venegas en un escenario mínimo, con un vestido rosa, su instrumento musical en tonos verde-celestes y un marco del mismo color que contiene la pantalla que sirve de soporte a los relatos que esta pequeña mujer vendrá a regalarnos durante los 60 minutos que dura el espectáculo.

Anécdotas, recuerdos, reflexiones que aparecen en forma aparentemente aleatoria pero que nos tocan desde el humor y la ternura bajo la marca registrada de Santiago Loza. Los temas se van hilando unos con otros a partir de la picardía y el ángel que Julieta, que en su nueva etapa actoral, logra una perfecta comunión con su público. De hecho, basta sólo con girar unos segundos nuestra mirada hacia la platea y percibir las sonrisas de la gente y sus miradas cómplices. Julieta Venegas dice que no es actriz, pero se gana a los espectadores y los lleva hacia una y otra historia con una sensibilidad magistral.

Y aquí, se nota claramentela guía de Cacace, no solamente desde la dirección actoral sino también como responsable del ritmo en el decir, de la búsqueda de la verdad en la palabra, de la fusión entre lo plástico y lo poético y de la mirada global del espectáculo.

Loza, Venegas y Cacace logran un producto exquisito, que nos hipnotiza desde el minuto uno y nos deja con ganas de seguir escuchando por horas lo que tienen por decirnos. Porque a veces no se necesitan grandes ideas ni actrices de lo más experimentadas. En más de una oportunidad podemos decir que menos es más. Esta ocasión es una de ellas. Y si no, ¡compruébenlo ustedes mismos!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Loza
Intérprete: Julieta Venegas
Diseño de vestuario: BetianaTemkin
Diseño De Proyección:Gisela Cukier, Johanna Wilhelm
Diseño de escenografía: Johanna Wilhelm
Diseño de luces: Matías Sendón
Canciones:Santiago Loza, Julieta Venegas
Música original:Julieta Venegas
Sonido:  Mariano Luna
Intervención Artística:Andrés Molina
Fotografía: Sol Levinas
Fotografía De Escena: Francisco Castro Pizzo
Diseño gráfico:Leandro Ibarra
Asistencia de escenografía:Martina Nosetto
Asistencia de dirección:GaboBaigorria
Prensa:Varas & Otero
Producción ejecutiva:Romina Ciera
Dirección de Producción:Romina Chepe
Dirección:Guillermo Cacace

Duración: 60 minutos

TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 - Caba
Entrada: $ 800,00 - Jueves - 21:45 hs - Hasta el 30/11/2019
Entrada: $ 800,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 30/11/2019

CRITICA A LA OBRA “LA SUERTE DE LA FEA”






Ir a ver un espectáculo que se viene realizando hace varias temporadas con excelentes críticas no es fácil. No porque ya esté todo dicho, de hecho nunca leo otras reseñas de obras que me toca cubrir, sino porque a veces las expectativas parten de un piso muy alto y, excelentes productos, se ven luego desdibujados ante la exigencia de nuestra mirada.

Algo de ese temor flotaba por mi cabeza antes que “La suerte de la fea” iniciara una nueva temporada, esta vez, en el Teatro Picadero. Sin embargo, a poco de empezar la función me olvidé por completo de los colegas que me la habían recomendado y de los premios obtenidos.

Me sumergí en las vivencias que Luciana Dulitzky transmitía con extrema sutileza en el escenario. Conecté con ese mundo cruel, de soledad, lleno de injusticia y oscuridad que se abría en los bares de los años 20, en los que Orquestas de Señoritas, atraían a hombres lascivos que iban en busca de mujeres sensuales. Claro que esas mujeres, las figurantas, no eran las verdaderas artífices en la ejecución de las piezas musicales sino unas simuladoras. Porque había otras, las feas, que ocultas entre los telones o los fosos de las orquestas, interpretaban el repertorio. Mujeres llenas de erotismo, con una sensualidad diferente a la de los cánones tradicionales, músicas apasionadas pero con falta de belleza o con demasiados años encima para ser dignas de tocar a la vista de todos y de ser merecedoras de los aplausos por su arte.

De la suerte de estas mujeres, habla Mauricio Kartun. Y con un monólogo con dosis de humor, de melodrama y de situaciones bizarras el gran maestro de la palabra conquista a la platea.

Pero no hay dos sin tres. Y la tercera variante de este producto es la mirada sensible de Paula Ransenberg en la Dirección, que hace que todo en esta obra logre estar en el plano justo: los momentos que transita la obra, los matices de la actuación, la escenografía y el vestuario de Alejadro Mateo (que en ese espacio reducido vuelve aun más inmensa la interpretación de Luciana Dulitzky) y la música en vivo del violinista Federico Berthet.

No importa cuánto se ha dicho de esta obra. A veces los planetas se alinean, y pase lo que pase, los espectáculos nos llenan haciéndonos salir rebosantes de buen teatro. Y esta es, sin dudas, ¡una de esas situaciones!


CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Mauricio Kartun
Actúa: Luciana Dulitzky
Intérpretes: Federico Berthet
Peinados: Granado
Diseño de vestuario: Alejandro Mateo
Diseño de escenografía: Alejandro Mateo
Diseño de luces: Fernanda Balcells
Realización de escenografia: Los Escudero
Realización de vestuario: Lucina Tropini
Música: Federico Berthet
Fotografía: Sofía Montecchiari, Ale Ojeda
Diseño gráfico: Zkysky
Asistencia de dirección: Marcelo E. De León
Prensa: Simkin & Franco
Dirección: Paula Ransenberg

Duración: 50 minutos

Domigos 16:30 hs

Teatro Picadero - Enrique Santos Discépolo 1857 (CABA)

lunes, 23 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “MACBETH”






“Macbeth”, uno de los títulos más emblemáticos de William Shakespeare, llega a la cartelera porteña bajo la dirección conjunta de Daniel Casablanca y Andrés Sahade.

La universalidad del dramaturgo más importante de todos los tiempos es indiscutible.

Shakespeare representó esta obra por primera vez en 1606. En ese entonces, la sociedad londinense seguía las elucubraciones que Macbeth y su esposa realizaban para alcanzar el poder y sostenerlo.Hoy en día, esa compleja trama de ambición, pasión, culpas y traiciones pueden verse reflejadas en muchos aspectos de la política contemporánea.

Casablanca y Sahade toman los ejes centrales de la dramaturgia del autor inglés y ponen en escena una versión descontracturada, que resalta la comicidad, y cuyos tintes clownescos, borran por completo la solemnidad con la que muchas veces se representanlas obras de Shakespeare.

La música en vivo de Pablo Bronzini, las proyecciones de arte efímero de Alejandro Bustos que completan la escenografía y el vestuario a cargo de Analía Cristina Morales se combinan armoniosamente generando una atmósfera oscura que nos va envolviendo entre las garras del poder.

Pero no se puede hablar de esta obra sin mencionar los talentosos actores que la llevan a cabo. Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade y Eleonora Valdez conforman un equipo actoral de lo más preciso, con gran ductilidad para componer más de un personaje y una versatilidad corporal propia de la escuela de Casablanca y Sahade que nutren la puesta de un dinamismo exquisito.

El resultado es una puesta acertada que logra, con una mirada ágil y divertida, reflexionar respecto a la ambición política y sus consecuencias.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Versión: Andrés Sahade
Traducción: Andrés Sahade
Actúan: Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade, Eleonora Valdez
Mapping:Franco Gregoris
Vestuario: Analía Cristina Morales
Escenografía: Analía Cristina Morales
Diseño de luces:CaioSenicato
Música original: Pablo Bronzini
Proyecciones: Alejandro Bustos
Diseño gráfico: Matías Grasset
Asistencia de dirección: Luciana Lippi
Prensa:Varas & Otero
Puesta en escena: Andrés Sahade
Dirección: Daniel Casablanca, Andrés Sahade

EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
El Salvador 4530 - Capital Federal
Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:30 hs - Hasta el 26/10/2019

miércoles, 18 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “ASI DE SIMPLE (NO ALCANZA CON QUERERSE)”





“Así de Simple”, trata de una pareja en los diferentes estadios de su relación, con sus puntos fuertes y débiles, con su alegría y nostalgia, con sus situaciones de éxtasis y de bronca, con sus mundos internos y su resonancia ante los elementos externos que rodean ese vínculo.

La cronología de las situaciones no es lineal sino que va y viene en el tiempo y, a partir de “flashbacks”, vamos reconstruyendo la historia de amor de Clara y Joaquín. Así, este recurso con tintes cinematográficos le da un muy buen dinamismo al relato. Sin embargo, lo más novedoso y el gran acierto de la dramaturgia de Ignacio Bresso y Sofía González Gil es contar una obra de dos personajes con seis actores que conviven permanentemente en el escenario.

¿Pero cuál es el truco? Y ahí está el condimento que sirve a esta puesta, porque en cada uno de nosotros, conviven múltiples facetas, rasgos de personalidad que por momentos nos hacen seguir nuestro lado más impulsivo y emocional, que pelean con nuestro lado racional y que, muchas veces, nos tironean hacia una u otra postura aún sin estar demasiado seguros de las decisiones que tomamos.

La obra tiene entonces a la pareja central y a las voces internas de cada uno de ellos.  Las “Claras” y los “Joaquines” utilizan siempre los mismos vestuarios, no dando lugar a dudas acerca del recurso que se propone desde la dirección.

Vale destacar el aire juvenil que logra el diseño de escenografía de Lula Rojo yGaston Segalini, la atmósfera musical de las composiciones de Francisco Ruiz Barlett y el diseño de luces de Manuel González Gil.

En cuanto a las actuaciones puede decirse que se trata de un grupo compacto, que parece conocerse mucho arriba del escenario y que disfruta como si fuese el primer día de esta quinta temporada de funciones.

Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri y Ailin Zaninovich son Clara y Joaquín; y cada uno de ellos, aporta los ingredientes necesarios para mostrarnos una cara distinta del personaje que interpretan en conjunto.

Dejo para el final la labor de Sofía González Gil porque, en su primera dirección, no sólo sale airosa del desafío, sino que logra una pieza exquisita, una comedia en la que todos podemos sentirnos identificados en mayor o menor medida y que da un respiro desde el humor para cortar la rutina semanal con un miércoles de buen teatro.

El amor, ¿es así de simple? Claro que no. Está lleno de vericuetos. Como le pasa a Clara. Como le pasa a Joaquín. Como nos pasa a todos.


OPINION: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO


Ficha técnico artística
Autoría: Ignacio Bresso, Sofía González Gil
Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich
Diseño de escenografía: Lula Rojo, Gaston Segalini
Diseño de luces: Manuel González Gil
Realización de escenografia: Lula Rojo, Gaston Segalini
Música original: Francisco Ruiz Barlett
Fotografía: Guido Wainstein
Diseño gráfico: Malena Papanicolau
Asistencia de dirección: Manuela González Gil, Juan Gabriel Yacar
Prensa:Varas & Otero
Producción: Loli Crivocapich
Coreografía: Carolina Pujal
Dirección: Sofía González Gil

TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 - Capital Federal
Miércoles - 21:00 hs - Hasta el 04/12/2019

lunes, 16 de septiembre de 2019

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "“ROJOS GLOBOS ROJOS”




¿Qué es el teatro? Esa pregunta recorre esta obra desde el principio al fin. Es un universo plagado de sensaciones y sentimientos. Nos remite a pensar por nuestro amor al tablado.

Esa es la esencia de “Rojos globos rojos”; esa es la hipótesis de esta obra. Es amor por el teatro, es amor por la dramaturgia, es amor por la puesta en escena, es amor por la dirección, es sensatez y sentimientos. Te indaga y te lleva a pensar a los relatos originarios. Son los cuentos de tu abuela, que entre la leche templada, te regala un universo que otros escribieron y los hace tuyos.

Eso es lo que sucede en esta obra. Todo un homenaje al teatro. Es una obra necesaria para sus amantes clandestinos. Aquellos que no son espectadores asiduos de este arte, no los defraudará. Es un acto de amor.

El argumento no importa; lo que necesitas saber es que Christian Forteza, su director, toma la dramaturgia de Eduardo “Tato” Pavlovsky y se apropia de la misma.

¿Es necesario que hablemos de “Tato”? No. Fue uno de esos escritores que retrataron la época oscura donde la democracia era una palabra vacía de contenido. La intención de esta crítica no es escribir sobre su vida,  sino acercarte a cómo Christian reformula el universo de este escritor. “Tato” nos pide que el pasado no es olvido. Christian recupera esa idea.

 El pasado nos indaga y nos lleva a pensar que no tenemos que recaer en nuestros horrores. ¿Pero “Rojos globos rojos” es una obra política? Sí, lo es. En ella anclan todas las demás obras de arte. El teatro es arte. El arte te cuestiona y eso es político. Forteza lo logra, transmite su amor por la dirección y crea un universo que no querés que termine. Y es en ese acto de amor, es donde la obra te indaga.

Tres actores en busca de autor, ellos son Jorge Lorenzo, Lorena Penón y Gabriela Perera, se sacan chispas en el escenario y entran en el juego que les propone Christian. Los ves sudar la camiseta y ese sudor te carcome los huesos. Lorenzo te regala su histrionismo y eso es la actuación. Las mujeres no se quedan atrás. Ellas parecen marionetas manejadas por Forteza y la poca gestualidad que poseen, te transporta al teatro chino. Todos intercalan sus parlamentos y todo encaja, son engranajes en este homenaje.

Los acompaña un escenario desprovisto de decoración, con una música que traslada a emociones que son los acompañantes solitarios en esta historia de amor.

Rojos, globos rojos”, un obra necesaria que cobra vigencia en la noche porteña. Es sincera y en ella está la historia de “Tato” y la sensibilidad de Forteza. Todo un homenaje de los pies a la cabeza. Al salir del teatro, caminé por la calle Corrientes y en mi cabeza sólo había imágenes de mi niñez que nunca olvidaré. 


Protagonizada por: Jorge LorenzoLorena Penon y Gabriela Perera. Vestuario: Mario Pera. Música original: Elena Avena. Fotografía: Sebastian Ochoa. Diseño de Luces: Horacio Novelle.  Asistencia de dirección: Magalí Mussi
Adaptación, dirección y puesta en escena: Christian Forteza.

Centro Cultural de la Cooperación. Av Corrientes 1543 (CABA)
Entradas: $300 Sábados 20.30hs.

Crítica: José Marina


jueves, 12 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “SENTADA EN UNA CASA DE VIDRIO”






Dice la sinopsis de este espectáculo “la obra recorre el mágico universo de una autora, que atrapada en su asfixiante y aburrida vida rutinaria, con un marido normal y una hija normal, busca desesperadamente una historia entre el desorden de muñecos y juguetes. En una solitaria noche descubrirá a los personajes de su próxima obra, engendros que, como ella, luchan entre la magia y la desilusión. Sentada en una casa de vidrio propone al espectador ser parte de este mágico y onírico universo que reunirá en escena a personajes atravesados por la extrañeza, la vulnerabilidad y el encanto”.

Y de eso se trata. De espiar ese mundo lúdico en el que la imaginación va entrelazando los personajes y situaciones más extrañas, en donde todos los elementos que aparecen en el escenario se conjugan en una estética propia, llena de luz, de colores intensos y de espíritu de juego.

Así las vemos a Paula Ransenberg y a Daniela Catz, olvidándose del público y disfrutando una a una sus irreverentes criaturas. Dos actrices que sin dudas encandilan a la platea y se divierten como dos nenas jugando a ser esos múltiples personajes que salieron de la pluma de Paula en su doble rol de actriz y dramaturga.

Marcelo Nacci, desde la dirección, nos va guiando por un relato que al comienzo no logramos descifrar muy bien de qué va pero que, hacia el final, logra encajar todas las piezas del rompecabezas.

Cobra especial mención el diseño de escenografía y vestuario de Alejandro Mateo para crear este mundo de ficción con resabios de niñez. También, las pelucas de Mónica Gutiérrez, el diseño de muñecos de Federico Ransenberg y el cuidado diseño de luces de Fernanda Balcells.

“Sentada en una casa de vidrio” realiza funciones todos los viernes a las 20:30 hs en Timbre 4, un espacio que se ha ganado su lugar como referente de la cultura porteña.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Paula Ransenberg
Actúan: Daniela Catz, Paula Ransenberg
Voz en Off: Ona Ransenberg Catz
Pelucas: Mónica Gutiérrez
Diseño de vestuario:Alejandro Mateo
Diseño de escenografía:Alejandro Mateo
Diseño De Muñecos:Federico Ransenberg
Diseño de luces:Fernanda Balcells
Diseño De Sonido: Joaquín Segade
Realización de escenografia: Escaleno Taller, Jorge Crapanzano
Realización de vestuario: Titi Suárez
Asistencia de dirección: Marcelo E. De León
Prensa: Antonela Santecchia
Dirección:Marcelo Nacci

Duración: 70 minutos

TIMBRE 4
México 3554 - Caba
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 380,00 - Viernes - 20:30 hs - Hasta el 22/11/2019

martes, 10 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “HOMBRES Y RATONES”





“De ratones y hombres” (Of Mice and Men) es el título de la novela original escrita por el estadounidense John Steinbeck quien fuera ganador del premio Nobel de literatura en 1962.  “Hombres y ratones”, por su parte, es la lograda versión de Lisandro Fiks que puede verse todos los viernes en el Portón de Sanchez a las 23 hs.

La novela de Steinbeck publicada en 1937, se desarrolla en California durante el período de la Gran Depresión. La propuesta teatral de Fiks, en cambio, la sitúa en la provincia de La Pampa allá por el año 1968.

Sin embargo, no importa la época o al lugar, porque el texto viene perfecto para ejemplificar los abusos y las miserias que los trabajadores de campo sufren por parte de sus patrones y de una sociedad que poco les permite progresar.

Al ingresar a la sala, sorprende la escenografía de Micaela Sleigh, que absolutamente funcional a la puesta, se va adaptando a las diferentes escenas combinando también con un impecable trabajo de vestuario.

El diseño de luces y la elección musical no son un detalle menor. Acompañan en armonía la solvente dirección llevada en forma conjunta por Lisandro Fiks y Gustavo Luppi (ambos nominados al Premio ACE 2019 en el rubro Mejor Dirección de Teatro Alternativo)

El equipo actoral, además, es muy parejo y logra trasmitir las diferencias de clase, la hondura de los personajes y la importancia de sus vínculos. En este sentido, se destaca la relación que entablan Jorge y Lito, interpretados por Juan Luppi y Ramiro Mendez Roy (este último nominado al Premio ACE 2019 como Actor Revelación), los dos trabajadores “golondrina” que llegan a una estancia intentando cumplir sus sueños de un porvenir mejor.

“Hombres y ratones” es un espectáculo para recomendar, que pone el acento en los débiles e invita a revisar las relaciones de poder.

OPINIÓN: MUY BUENA


Ficha técnico artística
Autoría: John Steinbeck
Versión: Lisandro Fiks
Traducción: Juan Luppi
Actúan: Sandra Criolani, Lisandro Fiks, Heinz Krattiger, Gustavo Luppi, Juan Luppi, Ramiro Mendez Roy
Vestuario: Micaela Sleigh
Escenografía: Micaela Sleigh
Diseño de luces:Lisandro Fiks, Gustavo Luppi
Fotografía: Franco Alonso
Asistencia de dirección:Daniel Caceres
Prensa: Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva:Juan Luppi, Ramiro Mendez Roy
Dirección: Lisandro Fiks, Gustavo Luppi

Duración: 80 minutos

EL PORTON DE SANCHEZ
Sánchez de Bustamante 1034 - Caba
Entrada: $ 350,00 / $ 250,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 18/10/2019


CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO