miércoles, 6 de noviembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “ENTRE ELLA Y YO”






Un mundo de preguntas, de ansiedades, de búsquedas personales, de miedos y de amor. Una pareja, conviviente hace unos años, espera esos cinco minutos necesarios para que un test de embarazo ante un “atraso” determine si la vida de ambos será susceptible de modificarse por completo o no.Un lapso de tiempo suficiente para desarrollar lo que cada uno de ellos vive tanto junto al otro como por separado.

Contada a través de “pequeños sketches”, rompiendo la “cuarta pared” a través de monólogos que por momentos recuerdan al “stand up” y en un formato similar al televisivo en “Entre ella y yo” se van sucediendo las situaciones más absurdas y delirantes producto de las fantasías y temores que generan la posibilidad de ser padres en el mundo actual.

Porque el tiempo es subjetivo y así como cinco minutos pueden pasar volando también pueden convertirse en un abismo por el que nunca terminamos de caer. De eso entiende perfectamente este equipo creativo formado por la dramaturgia de Pablo Mir, la dirección actoral de Diego Reinhold y las actuaciones de Soledad García y de Sebastián Presta.

En cuanto a los actores, ambos poseen excelentes cualidades para la comedia, son histriónicos, pero con la versatilidad necesaria para tocar las notas justas al momento de realizar reflexiones más profundas y sensibles. García y Presta son la dupla perfecta para interpretar a los personajes de Diego y Valeria imaginados en forma desopilante por la pluma de Pablo Mir.

Por su parte, la dirección actoral de Diego Reinhold con su vasta trayectoria en este tipo de comedias les da las “espaldas” necesarias para moverse con una soltura total sobre el escenario. Reinhold saca brillo a sus actores sin desaprovechar ninguna oportunidad que pueda hacerlos lucirse ante un público completamente identificado con cada una de las situaciones que se van concatenando a lo largo del espectáculo.

“Entre ella y yo” es un espectáculo para disfrutar, con un texto inteligente, excelentes actuaciones y una muy buena dirección.

OPINION: MUY BUENA

CRÍTICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Autoría: Pablo Mir
Actúan: Soledad García, Sebastián Presta
Diseño de escenografía: VeronicaVieyra – Daniel Cedres
Vestidora: AntonellaFucenecco
Operador de luces: David Pelozo
Operador de sonido: Carlos Ferreyra
Musicalizador: Gastón Baremberg
Fotografía: Alejandra López
Diseño gráfico: Uop! Estudio
Prensa: Varas Otero
Producción ejecutiva: Amida Quintana Gómez
Productor asociado: Diego Djeredjian, Marcelo Giglio
Producción general: Luis Penna
Coordinación de producción: Gabriela Blanco
Dirección Actoral: Diego Reinhold
Dirección General: Claudio Ferrari

Duración de la obra: 90 minutos

Teatro: Paseo La Plaza - Av. Corrientes 1660

Funciones: Jueves y Viernes 22:00 hs. - Sábados 22:15 hs.- Domingos 21:00hs.

Precios:
Platea filas 1 a 8 (centrales y laterales): $900
Platea Lateral filas 9 a 12 (laterales): $800






domingo, 3 de noviembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “BROTHERHOOD”





Brotherhood (fraternidad) habla de los vínculos de sangre, de siete hermanos que deben afrontar el deterioro físico de sus padres y que exponen, uno a uno, siete formas distintas de asumirse como hijos.

Hasta ahí, podría parecer un argumento cotidiano. De alguna manera lo es. Sin embargo, tanto la dramaturgia como la dirección de Anahi Ribeiro sobresalen por su originalidad encontrando en ello un valor agregado para el espectáculo.

Por empezar los actores estarán sentados en sillas, uno al lado del otro y de frente al público, prácticamente durante toda la obra. Hablarán entre sí, pero sus rostros mirando a la platea, nos interpelarán obligándonos a tener una mirada activa y empática con sus problemáticas en todo momento. 

Completa la escenografía una pantalla en la que se irán proyectando, bajo la técnica de mapping, información sobre los personajes y sus formas de comunicarse en un formato de lo más innovador dentro del lenguaje teatral.

Es que la tecnología aplicada al teatro, el buen ritmo de las escenas, el uso de la música y los cambios en la iluminación aportan un dinamismo en clave de humor (con buenos momentos dramáticos también) que sirvenparaponer en escena los vínculos entre los hermanos de una forma de lo más acertada.

En cuanto a los actores, se trata de siete personajes muy distintos entre sí, bien interpretados por cada uno de ellos, aunque se destacan en mayor medida los roles femeninos de Julia Funari, María Forni y Bárbara Majnemer.

“Brotherhood” es una obra de lo más original, divertida, pero con profundidad en su argumento, con muy buenas actuaciones y una dirección impecable .
¡No dejen de verla!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO


Ficha técnico artística
Dramaturgia: Anahi Ribeiro
Actúan: María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Carlos Marsero, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Gerardo Scherman
Mapping: Euge Choque
Diseño de escenografía:Demián Ledesma Becerra
Diseño de luces:Akira Patiño
Diseño 3d:Demián Ledesma Becerra
Fotografía:Akira Patiño
Diseño gráfico:María Forni
Asistencia De Producción:Carla Fontao
Asistencia de dirección: Demián Ledesma Becerra
Prensa: Mariano Casas Di Nardo
Producción ejecutiva:AntonellaSchiavoni
Dirección:Anahi Ribeiro

Duración: 75 minutos

NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419
Entrada: $ 350,00 - Miércoles - 21:00 hs

CRITICA A LA OBRA “COMO EL CLAVEL DEL AIRE”






Una joven abogada viene en nombre de una corporación, a dar aviso sobre una pronta demolición en pos del progreso, a una anciana que ha vivido allí toda su vida.

Pero, así como los hogares son más que ladrillos, los recuerdos tienen cimientos fuertes y los vínculos vericuetos que a veces no dan muchas explicaciones.

Así, la solitaria mujer que habita en esa casa comenzará a contarle a la más joven el argumento de la novela que está terminando de escribir haciendo aparecer en escena la historia de vida de dos hermanas en plena dictadura cívico militar argentina.

Tendremos entonces al pasado y al presente marcando la trama de “Como el clavel del aire”. Pasado y presente transitando exilios diferentes pero generando cicatrices de igual intensidad. Pasado y presente poniéndonos de cara a situaciones de injusticia y opresión. 

Eloísa Tarruela logra adentrarnos en un ir y venir ficcional muy bien cronometrado desde la dirección. A través de su dramaturgia, invita al público a la reflexión sin perder de vista el humor y apelando a un universo poético que, junto a la música original de Juan Matías Tarruela, encuentra en la nostalgia su mejor tonalidad.

Contada de una forma muy cinematográfica, el vestuario y la escenografía de Soledad Gaspari, logra resolver adecuadamente los dos mundos escénicos: la casa de la anciana y la de las hermanas.

En cuanto a las actuaciones, se observan interpretaciones de gran compromiso por parte de todo el elenco destacándose Julia Azar por su sensibilidad y verdad escénica en cada una de sus palabras.

“Como el clavel del aire” es una metáfora al poder del amor por sobrevivir ante la oscuridad, porque pese a la hostilidad del mundo siempre habrá flores buscando el sol y siempre habrá abrazos que nos hagan sentir vivos.


CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Eloísa Tarruella
Actúan: Julia Azar, Brenda Bianchimano, Brenda Bonotto, SebastianDartayete, Brenda Fabregat
Vestuario: Soledad Gaspari
Escenografía: Soledad Gaspari
Maquillaje: Micaela RüdtMinardi
Diseño de luces: Patricia Batlle
Música original: Juan Matías Tarruella
Fotografía: Trigo Gerardi, Valeria Sigal
Diseño gráfico: Julio Bambill
Entrenamiento vocal: Florencia Albarracín
Asistencia De Producción: Pedro Insúa, Verónica Zacayan
Asistencia de dirección: Victoria De Angelis
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Domènica Producción Teatral
Producción general: Eloísa Tarruella
Dirección: Eloísa Tarruella

CRITICA A LA OBRA TEATRAL “LA CULPA”





“La culpa” del dramaturgo David Mametfue estrenada en el año 2015 bajo el título “Thepenitent” en el teatro off de Broadway. Este año, podemos disfrutarla en Buenos Aires, en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación.

La trama gira en torno a un psiquiatra (Diego De Paula) quien debe declarar en un juicio a favor de uno de sus pacientes acusado de haber matado a diez personas en un desgarrador episodio. Sin embargo, y aludiendo al secreto profesional, el analista se negará rotundamente a emitir declaraciones.

Este hecho, y los continuos debates internos a los que se enfrentará, lo afectará en lo personal desgastando la relación con su esposa (Adriana Salonia) y con su abogado (Martín Urbaneja); pero también en lo profesional al tener que resistir los embates del abogado de su paciente (Gabo Correa), al poder mediático, al aparato judicial y a instituciones profesionales de renombre.

El aclamado director Hugo Urquijo, quien además es médico psiquiatra y psicoanalista, se convierte en la persona ideal para llevar adelante la puesta en escena de este espectáculo.

Las escenas se suceden todas bajo un mismo cuadrado delimitado sobre el escenario.
El mobiliario se mantiene y será la pantalla audiovisual la que terminará de configurar la escenografía muy bien resuelta por Sebastián Sabas y Toma Virtual (Liliana Romero y  Norman Ruiz)

Con muy buen ritmo y claridad en las escenas por parte de la Dirección se abrirá el juego a los límites de la ética profesional, la culpa, el qué dirán y los entramados del poder.

Las interpretaciones de los actores son convincentes, cada uno de ellos desarrolla su actuación con el calibre justo, aunque logra destacarse Adriana Salonia dados los matices que maneja en su actuación.

“La culpa” es un espectáculo que lleva a la reflexión y que seguramente impondrá un debate posterior a la función entre muchos de sus espectadores. Un texto interesante, con una dirección más que acertada y excelentes actuaciones.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Autoría: David Mamet
Traducción: Adriana Salonia
Actúan: Gabo Correa, Diego de Paula, Adriana Salonia, Martín Urbaneja
Diseño de vestuario: Carolina Marafioti
Diseño de escenografía: Sebastián Sabas
Diseño de luces: Horacio Novelle, Hugo Urquijo
Diseño Audiovisual: Toma Virtual, Liliana Romero, Norman Ruiz
Redes Sociales: Isidoro Sorkin
Fotografía: Gabriel Machado
Diseño gráfico: Nacho Marmarides
Asistencia de dirección: Eliana Sanchez
Prensa: Duche&Zarate
Producción general: Adriana Salonia
Dirección: Hugo Urquijo

Duración: 65 minutos

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543
Entrada: $ 450,00 - Viernes y Sábados - 22:15 hs
-Hasta el 30/11/2019

lunes, 28 de octubre de 2019

CRÍTICA A LA OBRA “AQUÍ CANTO GARDEL”




Con motivo del noventa aniversario del Teatro 25 de Mayo, su directora artística, Monina Bonelli, encargó a Mariano Saba (dramaturgia) y Nelson Valente (dirección), un espectáculo que hablara de un hecho paradigmático para el barrio de Villa Urquiza y este teatro: la última actuación que Carlos Gardel dio en nuestro país antes de iniciar la gira que desencadenaría en su trágico final.

Sí, Carlos Gardel cantó en lo que hoy es el Centro Cultural 25 de Mayo el 10 de septiembre de 1933. Y, este hecho, servirá de puente entre la ficción y la realidad evocando al pasado en un presente cargado de nostalgia.

Sin lugar a dudas el espectáculo es un logrado musical a cargo de Roberto Carnaghi, Omar Calicchio, Laura Silva, Alfredo Allende, Ana Rodríguezy Guido BottoFiora. Además, cuenta con la participación en vivo de la Orquesta del Tango de la Ciudad y las composiciones musicales de Néstor Marconi y Juan Carlos Cuacci.

Debo confesar que, cada tanto, me gusta quitar mi vista del escenario y recorrer al público con la mirada. Qué lindo es cuando lo que observo son caras con sonrisas y ojos cargados de emoción. Y la platea, en este caso, puede que sea un espectáculo aparte. Porque si bien las edades de los espectadores son variadas, puede que muchos de ellos tengan recuerdos palpables e historias que giren en torno al tango mucho más cercanas a las que tengo yo.

Sea como sea, hay una sensibilidad mágica que flota entre los presentes. La música de tango es ejecutada con una orquesta magistral. Las voces de Laura Silva y Omar Calicchio se desafían una a otra en un deleite que no es sólo para los oídos sino también para la vista. Hace lo suyo también el vestuario, absolutamente cuidado. También el uso del espacio, en el que Nelson Valente, supo aprovechar el teatro todo: pasillos, palcos y butacas de la platea son utilizados como lugares en donde los actores interpretan distintos momentos de la obra.

No voy a adelantar mucho más. Mejor, ¡los invito a verla!

CRÍTICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia:Mariano Saba
Actúan:Alfredo Allende, Guido BottoFiora, Omar Calicchio, Roberto Carnaghi, Ana Rodriguez,Laura Silva
Peinados:Miguel Granado
Estilismo:Federico Castellón Arrieta
Maquillaje:Magui Guillén
Diseño de vestuario:GenevievePetitpierre
Diseño de luces:Gonzalo Córdova
Música:Orquesta Del Tango De Buenos Aires
Fotografía:Lau Castro
Fx:Sebastián Semba
Asesoramiento coreográfico:ManucoFirmani
Asistencia De Producción:Mara Raicevic
Asistencia de dirección:Mara Raicevic
Producción Cc25:Aldana Illán, Analía Thiele
Producción ejecutiva:Zoilo Garcés
Dirección musical:Juan Carlos Cuacci, Néstor Marconi
Dirección general:Nelson Valente
Compositor:Juan Carlos Cuacci, Néstor Marconi

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO
Av Triunvirato 4444
Entrada: $ 400,00 / $ 350,00
Jueves, Viernes y Sábado - 20:30 hs

jueves, 24 de octubre de 2019

CRÍTICA A LA OBRA “OJALÁ LAS PAREDES GRITARAN”




Una de las características de los textos clásicos es que son universales. Se trata de historias que trascienden las épocas porque sus problemáticas siguen vigentes en todas las sociedades.

En esta línea, se puede decir que “Hamlet”, de William Shakespeare, pica en punta. Versiones y versiones se han realizado sobre esta obra del gran dramaturgo inglés. Por eso, atreverse a trabajar sobre este texto siempre presenta fuertes desafíos.

No le temió a ello, Paola Lusardi, quien en su doble rol como dramaturga y directora realiza una original actualización y re contextualización del clásico shakesperiano.

El príncipe Hamlet se presenta entonces como un adolescente rebelde y atormentado. Un niño de “familia bien” que no le perdona a su madre haberse casado con su tío Claudio, a quien culpa por la muerte de su padre. Hamlet tiene un amigo, Horacio, que sin necesidad de hablar se muestra como compañero de juerga y testigo irrefutable de todo lo que sucede. También aparecen Ofelia (la eterna enamorada de Hamlet) y su padre Polonio (en su rol de amigo/asesor/socio de los negocios de la familia).

En cuanto a la historia, ya no sucede en un castillo sino en una casa con jardín y escaleras a plantas superiores. Por su parte, un asado familiar será la excusa para ofrecer a Hamlet el puesto vacante en la empresa familiar.

Música electrónica, solos de rap, lenguaje actual y vestuario contemporáneo. Una mansión muy bien resuelta con estructura de andamios, desde la escenografía, y una elección musical que terminan de generar el espacio en el que se desarrolla la historia. Los textos por momentos frenéticos, casi performáticos, se escupen ante un público ubicado sobre el escenario, que también habita esa casa como un observador silencioso pero activo.

Sin dudas la creatividad que tiene la puesta viene acompañada del excelente trabajo que realizan los actores en sus interpretaciones. Cada uno de ellos, se aferra a alguna de las características de los personajes clásicos pero le suman una impronta completamente personal y contemporánea.

“Ojalá las pareces gritaran” es una experiencia teatral poco convencional pero valiosa por los riesgos que asume. Quizá no todo el mundo pueda reconocer una a una las líneas argumentales del texto original. Pero está claro que la esencia de Hamlet está presente y que su relectura es sumamente interesante.


CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Paola Lusardi
Actúan:Santiago Cortina, Martín Orlando Gallo, Augusto Ghirardelli, Mariana Mayoraz, JulianPonce Campos, AntonellaQuerzoli
Diseño de escenografía:Gonzalo CordobaEstevez
Diseño de luces:David Seldes
Música: Ignacio Cantisano, Mateo Schreiterer
Fotografía: Julieta Rodríguez
Diseño gráfico:Francisca Rojas
Asistencia de iluminación: Francisco Varela
Asistencia De Producción: Jennifer Aguirre Woytkowski
Asistencia de dirección: Francisco Barceló
Prensa: Marisol Cambre
Producción gráfica:Romina Juejati
Producción ejecutiva: Carla Carrieri
Producción Internacional: Débora Staiff
Colaboración en dramaturgia:AndresGranier, Leila Martínez
Diseño de movimientos:Marina Cachan
Dirección:Paola Lusardi

Duración: 105 minutos

TEATRO METROPOLITAN SURA
Av. Corrientes 134
Entrada: $ 600,00
Martes - 20:30 hs

martes, 15 de octubre de 2019

CRITICA A LA OBRA “VIENTRE, EL HUECO DEL QUE VENIMOS”




“Vientre” comienza en la calle. Con una procesión que en pleno llanto nos indica el camino a la sala. Al sentarnos en nuestras butacas comprendemos que nuestro lugar en este cementerio de ficción no será ser cómplices de echar tierra a las desigualdades vividas históricamente por las mujeres sino todo lo contrario, desenterrar esos asuntos y hacerlos parte de un grito colectivo.

Marcos Arano y Gabriel Graves, desde una dramaturgia voraz, nos invitan a repensar nuestras identidades, a desnaturalizar opresiones perpetuadas desde el comienzo de la humanidad y a repensar el concepto de sociedades igualitarias no solamente desde el plano discursivo sino desde la acción. Así, una serie de cuadros se van sucediendo para dar lugar a las mujeres de la Historia (pasando por Eva Perón, Camila O’Gorman, Alicia Moreau de Justo y Julieta Lanteri, por nombrar algunas) y muchas de sus luchas colectivas (la huelga de las escobas, las rabonas de los ejércitos de la independencia, las putas de San Julián, entre otras).

A su vez Marcos Arano, desde un exquisito y complejo trabajo de Dirección, aborda la actuación desde un cruce de géneros en donde el teatro comunitario, el clown, el musical, y sobre todo el teatro político, están presentes para denunciar las luchas de las mujeres latinoamericanas. Para ello es clave el uso del humor, la farsa y la parodia como elementos que mitigan la dureza de un relato que no deja de interpelarnos a cada paso.

El colectivo de actores, por su parte, se luce en su conjunto. La dinámica coral eleva la expresividad de los cuerpos, el uso de máscaras y de muñecos en escena, la música y el canto en vivo; y el acertado trabajo de escenografía e iluminación generan un efecto magnético que hace que no se pierda la atención ni el hilo de lo que está sucediendo en ningún momento de las casi dos horas que dura el espectáculo.

“Vientre” comienza en la calle y termina en ella, porque habla de luchas que están más vivas que nunca, de espacios que todavía deben ser ganados y de cosas obvias, que por más que nos pesen, aún deben ser explicadas.

OPINIÓN: EXCELENTE

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Marcos Arano, Gabriel Graves

Actúan: Manuela Bottale, Lala Buceviciene, Florencia Catenaccio, Alejandro Jorge Dubal, Rodrigo Frascara, Viviana Lastiri, Carolina Maldonado, Manuel Oucinde, Maria Victoria Pescara, Luciana Ramos, Rocío Rodríguez Paz, Paola Sanabria, Marcelo Sapoznik, Milena Shifres, Luna Ventura
Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre
Músicos: Olivia Daiez, Bruno Leichman, Gina Locatelli, Franco Lopez Lameiro, Aída Stamponi, Agustín Vanucci
Vestuario: Jazmín Savignac
Escenografía: Marcelo Valiente
Diseño de maquillaje: Sofía De Brea
Diseño de arte: Romina Salerno
Diseño de objetos: Paola Sanabria
Diseño de luces: Alejandro Velásquez
Realización de máscaras: Andrea Picon, NicolasRouraPicon
Música original: IanShifres
Utilero: Ileana Valejos
Asistencia de dirección: Julia Pinedo, Carolina Portnoy
Prensa: Más Prensa, Analia Cobas, Cecilia Dellatorre
Producción ejecutiva: Viviana Lastiri
Coreografía: GabiGoldberg
Dirección musical: Bruno Leichman, IanShifres
Co-producción: Fundación CycArte .industrias Culturales
Dirección: Marcos Arano

Duración: 80 minutos

LA CARPINTERÍA
Jean Jaures 858
Entrada: $ 400,00 - Domingo - 20:00 hs - Hasta el 20/10/2019
Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “HIDALGO”




Durante el mes de octubre, el espectáculo “Hidalgo” desembarca en el Centro Cultural 25 de Mayo. Así, esta obra que tuvo muchísimo éxito en pasadas temporadas del teatro independiente, se suma a la lista de títulos que, mes a mes, va incorporando este importante espacio cultural del barrio de Villa Urquiza.

A nivel argumental la propuesta es simple: Una agente inmobiliaria debe mostrar un departamento de elite a potenciales inquilinos extranjeros. Sin embargo, al llegar, descubre que las personas autorizadas para ocuparlo hasta el momento del arrendamiento viven prácticamente en la indigencia. Se genera entonces, una situación de tensión en el que al comienzo prima el hecho de “cerrar la venta” pero que luego va mutando en una preocupación casi maternal por parte de la empleada haciaeseadolescente prácticamente huérfano que vive entre verduras, un par de trastos viejos, un colchón más que raído y una única muda de ropa; y que, desmotivado ante la vida, está a punto de repetir por segunda vez el último año del colegio secundario a no ser que logre terminar un trabajo práctico sobre la vida de Bartolomé Hidalgo (considerado un pionero de la poesía gauchesca).

Lo que no es simple es el vínculo que empezará a generarse entre ellos o las preguntas que comenzarán a hacerse y que los pondrá en contacto directo con sus miedos y frustraciones.

Y si hay quienes saben de “historias pequeñas” y “grandes obras” ellas son las hermanas Marull, que vuelven a probar su fórmula de trabajar juntas (María, en la dramaturgia y dirección; Paula en la actuación) saliendo absolutamente airosas ante los resultados alcanzados.

La puesta es dinámica, el texto tiene humor pero también apela a una reflexión profunda, el ritmo es acertado y los personajes están muy bien delineados a partir de sus deseos y contradicciones. Es sin dudas un acertado trabajo de María Marull.

Claro que las criaturas compuestas por Paula Marull y Agustín Daulte, con sus más que logrados contrapuntos, también le otorgan a la pieza una riqueza adicional. Energías que al comienzo podían verse como dos caras de una misma moneda pero que, hacia el final, mostraránmás similitudes que diferencias.

Seres queribles, oprimidos, con ganas de soñar y ávidos de afecto.

Porque a veces no son las cosas que tenemos sino la compañía para disfrutar de ellas, un aliento en el momento justo o el impulso de quienes se preocupan por nuestro futuro.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia:María Marull
Actúan:Agustín Daulte, Paula Marull
Músicos:Julián Rodríguez Rona
Vestuario:Jam Monti
Escenografía:Jose Escobar
Iluminación:Matías Sendón
Fotografía:Sebastián Arpesella
Diseño gráfico:Mercedes Moltedo
Asistencia de dirección:Santiago Rodríguez Durán
Prensa: Octavia Comunicación
Dirección:María Marull

Duración: 65 minutos

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO
Av Triunvirato
Sábado - 21:00 hs - Del 05/10/2019 al 26/10/2019

domingo, 29 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “LA ENAMORADA”







Santiago Loza escribió este unipersonal hace una década y, este año, bajo la mirada de Guillermo Cacace, el texto se volvió piel en el cuerpo de Julieta Venegas.

Del proceso de ensayos aparecieron las canciones, que comparten autoría entre Loza y Venegas, y un modo de contar pequeñas anécdotas de vida que vienen acompañadas de proyecciones a cargo de Gisela Cukier y Johanna Wilhelm completando la escenografía con una sutileza única.

Así, vemos a Julieta Venegas en un escenario mínimo, con un vestido rosa, su instrumento musical en tonos verde-celestes y un marco del mismo color que contiene la pantalla que sirve de soporte a los relatos que esta pequeña mujer vendrá a regalarnos durante los 60 minutos que dura el espectáculo.

Anécdotas, recuerdos, reflexiones que aparecen en forma aparentemente aleatoria pero que nos tocan desde el humor y la ternura bajo la marca registrada de Santiago Loza. Los temas se van hilando unos con otros a partir de la picardía y el ángel que Julieta, que en su nueva etapa actoral, logra una perfecta comunión con su público. De hecho, basta sólo con girar unos segundos nuestra mirada hacia la platea y percibir las sonrisas de la gente y sus miradas cómplices. Julieta Venegas dice que no es actriz, pero se gana a los espectadores y los lleva hacia una y otra historia con una sensibilidad magistral.

Y aquí, se nota claramentela guía de Cacace, no solamente desde la dirección actoral sino también como responsable del ritmo en el decir, de la búsqueda de la verdad en la palabra, de la fusión entre lo plástico y lo poético y de la mirada global del espectáculo.

Loza, Venegas y Cacace logran un producto exquisito, que nos hipnotiza desde el minuto uno y nos deja con ganas de seguir escuchando por horas lo que tienen por decirnos. Porque a veces no se necesitan grandes ideas ni actrices de lo más experimentadas. En más de una oportunidad podemos decir que menos es más. Esta ocasión es una de ellas. Y si no, ¡compruébenlo ustedes mismos!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Loza
Intérprete: Julieta Venegas
Diseño de vestuario: BetianaTemkin
Diseño De Proyección:Gisela Cukier, Johanna Wilhelm
Diseño de escenografía: Johanna Wilhelm
Diseño de luces: Matías Sendón
Canciones:Santiago Loza, Julieta Venegas
Música original:Julieta Venegas
Sonido:  Mariano Luna
Intervención Artística:Andrés Molina
Fotografía: Sol Levinas
Fotografía De Escena: Francisco Castro Pizzo
Diseño gráfico:Leandro Ibarra
Asistencia de escenografía:Martina Nosetto
Asistencia de dirección:GaboBaigorria
Prensa:Varas & Otero
Producción ejecutiva:Romina Ciera
Dirección de Producción:Romina Chepe
Dirección:Guillermo Cacace

Duración: 60 minutos

TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 - Caba
Entrada: $ 800,00 - Jueves - 21:45 hs - Hasta el 30/11/2019
Entrada: $ 800,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 30/11/2019