domingo, 29 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “LA ENAMORADA”







Santiago Loza escribió este unipersonal hace una década y, este año, bajo la mirada de Guillermo Cacace, el texto se volvió piel en el cuerpo de Julieta Venegas.

Del proceso de ensayos aparecieron las canciones, que comparten autoría entre Loza y Venegas, y un modo de contar pequeñas anécdotas de vida que vienen acompañadas de proyecciones a cargo de Gisela Cukier y Johanna Wilhelm completando la escenografía con una sutileza única.

Así, vemos a Julieta Venegas en un escenario mínimo, con un vestido rosa, su instrumento musical en tonos verde-celestes y un marco del mismo color que contiene la pantalla que sirve de soporte a los relatos que esta pequeña mujer vendrá a regalarnos durante los 60 minutos que dura el espectáculo.

Anécdotas, recuerdos, reflexiones que aparecen en forma aparentemente aleatoria pero que nos tocan desde el humor y la ternura bajo la marca registrada de Santiago Loza. Los temas se van hilando unos con otros a partir de la picardía y el ángel que Julieta, que en su nueva etapa actoral, logra una perfecta comunión con su público. De hecho, basta sólo con girar unos segundos nuestra mirada hacia la platea y percibir las sonrisas de la gente y sus miradas cómplices. Julieta Venegas dice que no es actriz, pero se gana a los espectadores y los lleva hacia una y otra historia con una sensibilidad magistral.

Y aquí, se nota claramentela guía de Cacace, no solamente desde la dirección actoral sino también como responsable del ritmo en el decir, de la búsqueda de la verdad en la palabra, de la fusión entre lo plástico y lo poético y de la mirada global del espectáculo.

Loza, Venegas y Cacace logran un producto exquisito, que nos hipnotiza desde el minuto uno y nos deja con ganas de seguir escuchando por horas lo que tienen por decirnos. Porque a veces no se necesitan grandes ideas ni actrices de lo más experimentadas. En más de una oportunidad podemos decir que menos es más. Esta ocasión es una de ellas. Y si no, ¡compruébenlo ustedes mismos!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Loza
Intérprete: Julieta Venegas
Diseño de vestuario: BetianaTemkin
Diseño De Proyección:Gisela Cukier, Johanna Wilhelm
Diseño de escenografía: Johanna Wilhelm
Diseño de luces: Matías Sendón
Canciones:Santiago Loza, Julieta Venegas
Música original:Julieta Venegas
Sonido:  Mariano Luna
Intervención Artística:Andrés Molina
Fotografía: Sol Levinas
Fotografía De Escena: Francisco Castro Pizzo
Diseño gráfico:Leandro Ibarra
Asistencia de escenografía:Martina Nosetto
Asistencia de dirección:GaboBaigorria
Prensa:Varas & Otero
Producción ejecutiva:Romina Ciera
Dirección de Producción:Romina Chepe
Dirección:Guillermo Cacace

Duración: 60 minutos

TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 - Caba
Entrada: $ 800,00 - Jueves - 21:45 hs - Hasta el 30/11/2019
Entrada: $ 800,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 30/11/2019

CRITICA A LA OBRA “LA SUERTE DE LA FEA”






Ir a ver un espectáculo que se viene realizando hace varias temporadas con excelentes críticas no es fácil. No porque ya esté todo dicho, de hecho nunca leo otras reseñas de obras que me toca cubrir, sino porque a veces las expectativas parten de un piso muy alto y, excelentes productos, se ven luego desdibujados ante la exigencia de nuestra mirada.

Algo de ese temor flotaba por mi cabeza antes que “La suerte de la fea” iniciara una nueva temporada, esta vez, en el Teatro Picadero. Sin embargo, a poco de empezar la función me olvidé por completo de los colegas que me la habían recomendado y de los premios obtenidos.

Me sumergí en las vivencias que Luciana Dulitzky transmitía con extrema sutileza en el escenario. Conecté con ese mundo cruel, de soledad, lleno de injusticia y oscuridad que se abría en los bares de los años 20, en los que Orquestas de Señoritas, atraían a hombres lascivos que iban en busca de mujeres sensuales. Claro que esas mujeres, las figurantas, no eran las verdaderas artífices en la ejecución de las piezas musicales sino unas simuladoras. Porque había otras, las feas, que ocultas entre los telones o los fosos de las orquestas, interpretaban el repertorio. Mujeres llenas de erotismo, con una sensualidad diferente a la de los cánones tradicionales, músicas apasionadas pero con falta de belleza o con demasiados años encima para ser dignas de tocar a la vista de todos y de ser merecedoras de los aplausos por su arte.

De la suerte de estas mujeres, habla Mauricio Kartun. Y con un monólogo con dosis de humor, de melodrama y de situaciones bizarras el gran maestro de la palabra conquista a la platea.

Pero no hay dos sin tres. Y la tercera variante de este producto es la mirada sensible de Paula Ransenberg en la Dirección, que hace que todo en esta obra logre estar en el plano justo: los momentos que transita la obra, los matices de la actuación, la escenografía y el vestuario de Alejadro Mateo (que en ese espacio reducido vuelve aun más inmensa la interpretación de Luciana Dulitzky) y la música en vivo del violinista Federico Berthet.

No importa cuánto se ha dicho de esta obra. A veces los planetas se alinean, y pase lo que pase, los espectáculos nos llenan haciéndonos salir rebosantes de buen teatro. Y esta es, sin dudas, ¡una de esas situaciones!


CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Mauricio Kartun
Actúa: Luciana Dulitzky
Intérpretes: Federico Berthet
Peinados: Granado
Diseño de vestuario: Alejandro Mateo
Diseño de escenografía: Alejandro Mateo
Diseño de luces: Fernanda Balcells
Realización de escenografia: Los Escudero
Realización de vestuario: Lucina Tropini
Música: Federico Berthet
Fotografía: Sofía Montecchiari, Ale Ojeda
Diseño gráfico: Zkysky
Asistencia de dirección: Marcelo E. De León
Prensa: Simkin & Franco
Dirección: Paula Ransenberg

Duración: 50 minutos

Domigos 16:30 hs

Teatro Picadero - Enrique Santos Discépolo 1857 (CABA)

lunes, 23 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “MACBETH”






“Macbeth”, uno de los títulos más emblemáticos de William Shakespeare, llega a la cartelera porteña bajo la dirección conjunta de Daniel Casablanca y Andrés Sahade.

La universalidad del dramaturgo más importante de todos los tiempos es indiscutible.

Shakespeare representó esta obra por primera vez en 1606. En ese entonces, la sociedad londinense seguía las elucubraciones que Macbeth y su esposa realizaban para alcanzar el poder y sostenerlo.Hoy en día, esa compleja trama de ambición, pasión, culpas y traiciones pueden verse reflejadas en muchos aspectos de la política contemporánea.

Casablanca y Sahade toman los ejes centrales de la dramaturgia del autor inglés y ponen en escena una versión descontracturada, que resalta la comicidad, y cuyos tintes clownescos, borran por completo la solemnidad con la que muchas veces se representanlas obras de Shakespeare.

La música en vivo de Pablo Bronzini, las proyecciones de arte efímero de Alejandro Bustos que completan la escenografía y el vestuario a cargo de Analía Cristina Morales se combinan armoniosamente generando una atmósfera oscura que nos va envolviendo entre las garras del poder.

Pero no se puede hablar de esta obra sin mencionar los talentosos actores que la llevan a cabo. Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade y Eleonora Valdez conforman un equipo actoral de lo más preciso, con gran ductilidad para componer más de un personaje y una versatilidad corporal propia de la escuela de Casablanca y Sahade que nutren la puesta de un dinamismo exquisito.

El resultado es una puesta acertada que logra, con una mirada ágil y divertida, reflexionar respecto a la ambición política y sus consecuencias.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Versión: Andrés Sahade
Traducción: Andrés Sahade
Actúan: Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade, Eleonora Valdez
Mapping:Franco Gregoris
Vestuario: Analía Cristina Morales
Escenografía: Analía Cristina Morales
Diseño de luces:CaioSenicato
Música original: Pablo Bronzini
Proyecciones: Alejandro Bustos
Diseño gráfico: Matías Grasset
Asistencia de dirección: Luciana Lippi
Prensa:Varas & Otero
Puesta en escena: Andrés Sahade
Dirección: Daniel Casablanca, Andrés Sahade

EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
El Salvador 4530 - Capital Federal
Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:30 hs - Hasta el 26/10/2019

miércoles, 18 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “ASI DE SIMPLE (NO ALCANZA CON QUERERSE)”





“Así de Simple”, trata de una pareja en los diferentes estadios de su relación, con sus puntos fuertes y débiles, con su alegría y nostalgia, con sus situaciones de éxtasis y de bronca, con sus mundos internos y su resonancia ante los elementos externos que rodean ese vínculo.

La cronología de las situaciones no es lineal sino que va y viene en el tiempo y, a partir de “flashbacks”, vamos reconstruyendo la historia de amor de Clara y Joaquín. Así, este recurso con tintes cinematográficos le da un muy buen dinamismo al relato. Sin embargo, lo más novedoso y el gran acierto de la dramaturgia de Ignacio Bresso y Sofía González Gil es contar una obra de dos personajes con seis actores que conviven permanentemente en el escenario.

¿Pero cuál es el truco? Y ahí está el condimento que sirve a esta puesta, porque en cada uno de nosotros, conviven múltiples facetas, rasgos de personalidad que por momentos nos hacen seguir nuestro lado más impulsivo y emocional, que pelean con nuestro lado racional y que, muchas veces, nos tironean hacia una u otra postura aún sin estar demasiado seguros de las decisiones que tomamos.

La obra tiene entonces a la pareja central y a las voces internas de cada uno de ellos.  Las “Claras” y los “Joaquines” utilizan siempre los mismos vestuarios, no dando lugar a dudas acerca del recurso que se propone desde la dirección.

Vale destacar el aire juvenil que logra el diseño de escenografía de Lula Rojo yGaston Segalini, la atmósfera musical de las composiciones de Francisco Ruiz Barlett y el diseño de luces de Manuel González Gil.

En cuanto a las actuaciones puede decirse que se trata de un grupo compacto, que parece conocerse mucho arriba del escenario y que disfruta como si fuese el primer día de esta quinta temporada de funciones.

Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri y Ailin Zaninovich son Clara y Joaquín; y cada uno de ellos, aporta los ingredientes necesarios para mostrarnos una cara distinta del personaje que interpretan en conjunto.

Dejo para el final la labor de Sofía González Gil porque, en su primera dirección, no sólo sale airosa del desafío, sino que logra una pieza exquisita, una comedia en la que todos podemos sentirnos identificados en mayor o menor medida y que da un respiro desde el humor para cortar la rutina semanal con un miércoles de buen teatro.

El amor, ¿es así de simple? Claro que no. Está lleno de vericuetos. Como le pasa a Clara. Como le pasa a Joaquín. Como nos pasa a todos.


OPINION: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO


Ficha técnico artística
Autoría: Ignacio Bresso, Sofía González Gil
Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich
Diseño de escenografía: Lula Rojo, Gaston Segalini
Diseño de luces: Manuel González Gil
Realización de escenografia: Lula Rojo, Gaston Segalini
Música original: Francisco Ruiz Barlett
Fotografía: Guido Wainstein
Diseño gráfico: Malena Papanicolau
Asistencia de dirección: Manuela González Gil, Juan Gabriel Yacar
Prensa:Varas & Otero
Producción: Loli Crivocapich
Coreografía: Carolina Pujal
Dirección: Sofía González Gil

TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 - Capital Federal
Miércoles - 21:00 hs - Hasta el 04/12/2019

lunes, 16 de septiembre de 2019

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "“ROJOS GLOBOS ROJOS”




¿Qué es el teatro? Esa pregunta recorre esta obra desde el principio al fin. Es un universo plagado de sensaciones y sentimientos. Nos remite a pensar por nuestro amor al tablado.

Esa es la esencia de “Rojos globos rojos”; esa es la hipótesis de esta obra. Es amor por el teatro, es amor por la dramaturgia, es amor por la puesta en escena, es amor por la dirección, es sensatez y sentimientos. Te indaga y te lleva a pensar a los relatos originarios. Son los cuentos de tu abuela, que entre la leche templada, te regala un universo que otros escribieron y los hace tuyos.

Eso es lo que sucede en esta obra. Todo un homenaje al teatro. Es una obra necesaria para sus amantes clandestinos. Aquellos que no son espectadores asiduos de este arte, no los defraudará. Es un acto de amor.

El argumento no importa; lo que necesitas saber es que Christian Forteza, su director, toma la dramaturgia de Eduardo “Tato” Pavlovsky y se apropia de la misma.

¿Es necesario que hablemos de “Tato”? No. Fue uno de esos escritores que retrataron la época oscura donde la democracia era una palabra vacía de contenido. La intención de esta crítica no es escribir sobre su vida,  sino acercarte a cómo Christian reformula el universo de este escritor. “Tato” nos pide que el pasado no es olvido. Christian recupera esa idea.

 El pasado nos indaga y nos lleva a pensar que no tenemos que recaer en nuestros horrores. ¿Pero “Rojos globos rojos” es una obra política? Sí, lo es. En ella anclan todas las demás obras de arte. El teatro es arte. El arte te cuestiona y eso es político. Forteza lo logra, transmite su amor por la dirección y crea un universo que no querés que termine. Y es en ese acto de amor, es donde la obra te indaga.

Tres actores en busca de autor, ellos son Jorge Lorenzo, Lorena Penón y Gabriela Perera, se sacan chispas en el escenario y entran en el juego que les propone Christian. Los ves sudar la camiseta y ese sudor te carcome los huesos. Lorenzo te regala su histrionismo y eso es la actuación. Las mujeres no se quedan atrás. Ellas parecen marionetas manejadas por Forteza y la poca gestualidad que poseen, te transporta al teatro chino. Todos intercalan sus parlamentos y todo encaja, son engranajes en este homenaje.

Los acompaña un escenario desprovisto de decoración, con una música que traslada a emociones que son los acompañantes solitarios en esta historia de amor.

Rojos, globos rojos”, un obra necesaria que cobra vigencia en la noche porteña. Es sincera y en ella está la historia de “Tato” y la sensibilidad de Forteza. Todo un homenaje de los pies a la cabeza. Al salir del teatro, caminé por la calle Corrientes y en mi cabeza sólo había imágenes de mi niñez que nunca olvidaré. 


Protagonizada por: Jorge LorenzoLorena Penon y Gabriela Perera. Vestuario: Mario Pera. Música original: Elena Avena. Fotografía: Sebastian Ochoa. Diseño de Luces: Horacio Novelle.  Asistencia de dirección: Magalí Mussi
Adaptación, dirección y puesta en escena: Christian Forteza.

Centro Cultural de la Cooperación. Av Corrientes 1543 (CABA)
Entradas: $300 Sábados 20.30hs.

Crítica: José Marina


jueves, 12 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “SENTADA EN UNA CASA DE VIDRIO”






Dice la sinopsis de este espectáculo “la obra recorre el mágico universo de una autora, que atrapada en su asfixiante y aburrida vida rutinaria, con un marido normal y una hija normal, busca desesperadamente una historia entre el desorden de muñecos y juguetes. En una solitaria noche descubrirá a los personajes de su próxima obra, engendros que, como ella, luchan entre la magia y la desilusión. Sentada en una casa de vidrio propone al espectador ser parte de este mágico y onírico universo que reunirá en escena a personajes atravesados por la extrañeza, la vulnerabilidad y el encanto”.

Y de eso se trata. De espiar ese mundo lúdico en el que la imaginación va entrelazando los personajes y situaciones más extrañas, en donde todos los elementos que aparecen en el escenario se conjugan en una estética propia, llena de luz, de colores intensos y de espíritu de juego.

Así las vemos a Paula Ransenberg y a Daniela Catz, olvidándose del público y disfrutando una a una sus irreverentes criaturas. Dos actrices que sin dudas encandilan a la platea y se divierten como dos nenas jugando a ser esos múltiples personajes que salieron de la pluma de Paula en su doble rol de actriz y dramaturga.

Marcelo Nacci, desde la dirección, nos va guiando por un relato que al comienzo no logramos descifrar muy bien de qué va pero que, hacia el final, logra encajar todas las piezas del rompecabezas.

Cobra especial mención el diseño de escenografía y vestuario de Alejandro Mateo para crear este mundo de ficción con resabios de niñez. También, las pelucas de Mónica Gutiérrez, el diseño de muñecos de Federico Ransenberg y el cuidado diseño de luces de Fernanda Balcells.

“Sentada en una casa de vidrio” realiza funciones todos los viernes a las 20:30 hs en Timbre 4, un espacio que se ha ganado su lugar como referente de la cultura porteña.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Paula Ransenberg
Actúan: Daniela Catz, Paula Ransenberg
Voz en Off: Ona Ransenberg Catz
Pelucas: Mónica Gutiérrez
Diseño de vestuario:Alejandro Mateo
Diseño de escenografía:Alejandro Mateo
Diseño De Muñecos:Federico Ransenberg
Diseño de luces:Fernanda Balcells
Diseño De Sonido: Joaquín Segade
Realización de escenografia: Escaleno Taller, Jorge Crapanzano
Realización de vestuario: Titi Suárez
Asistencia de dirección: Marcelo E. De León
Prensa: Antonela Santecchia
Dirección:Marcelo Nacci

Duración: 70 minutos

TIMBRE 4
México 3554 - Caba
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 380,00 - Viernes - 20:30 hs - Hasta el 22/11/2019

martes, 10 de septiembre de 2019

CRITICA A LA OBRA “HOMBRES Y RATONES”





“De ratones y hombres” (Of Mice and Men) es el título de la novela original escrita por el estadounidense John Steinbeck quien fuera ganador del premio Nobel de literatura en 1962.  “Hombres y ratones”, por su parte, es la lograda versión de Lisandro Fiks que puede verse todos los viernes en el Portón de Sanchez a las 23 hs.

La novela de Steinbeck publicada en 1937, se desarrolla en California durante el período de la Gran Depresión. La propuesta teatral de Fiks, en cambio, la sitúa en la provincia de La Pampa allá por el año 1968.

Sin embargo, no importa la época o al lugar, porque el texto viene perfecto para ejemplificar los abusos y las miserias que los trabajadores de campo sufren por parte de sus patrones y de una sociedad que poco les permite progresar.

Al ingresar a la sala, sorprende la escenografía de Micaela Sleigh, que absolutamente funcional a la puesta, se va adaptando a las diferentes escenas combinando también con un impecable trabajo de vestuario.

El diseño de luces y la elección musical no son un detalle menor. Acompañan en armonía la solvente dirección llevada en forma conjunta por Lisandro Fiks y Gustavo Luppi (ambos nominados al Premio ACE 2019 en el rubro Mejor Dirección de Teatro Alternativo)

El equipo actoral, además, es muy parejo y logra trasmitir las diferencias de clase, la hondura de los personajes y la importancia de sus vínculos. En este sentido, se destaca la relación que entablan Jorge y Lito, interpretados por Juan Luppi y Ramiro Mendez Roy (este último nominado al Premio ACE 2019 como Actor Revelación), los dos trabajadores “golondrina” que llegan a una estancia intentando cumplir sus sueños de un porvenir mejor.

“Hombres y ratones” es un espectáculo para recomendar, que pone el acento en los débiles e invita a revisar las relaciones de poder.

OPINIÓN: MUY BUENA


Ficha técnico artística
Autoría: John Steinbeck
Versión: Lisandro Fiks
Traducción: Juan Luppi
Actúan: Sandra Criolani, Lisandro Fiks, Heinz Krattiger, Gustavo Luppi, Juan Luppi, Ramiro Mendez Roy
Vestuario: Micaela Sleigh
Escenografía: Micaela Sleigh
Diseño de luces:Lisandro Fiks, Gustavo Luppi
Fotografía: Franco Alonso
Asistencia de dirección:Daniel Caceres
Prensa: Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva:Juan Luppi, Ramiro Mendez Roy
Dirección: Lisandro Fiks, Gustavo Luppi

Duración: 80 minutos

EL PORTON DE SANCHEZ
Sánchez de Bustamante 1034 - Caba
Entrada: $ 350,00 / $ 250,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 18/10/2019


CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

lunes, 9 de septiembre de 2019

ENTREVISTA LITERARIA A LA ACTRIZ Y AUTORA SANDRA CRIOLANI


ph: Anahí Sinatra



LLTV: ¿Podrías mencionar los tres libros más importantes que hayas leído, o que mayormente te hayan constituido como persona?

SC: La Biblia, que en mi adolescencia me llenó de preguntas y me hizo descubrir que frecuentemente las respuestas no pueden ser explicadas, al menos con palabras; “Medea”, la obra de Eurípides que despertó en mí la conciencia de una pasión por lo trágico; y “Cuentos de amor, de locura y de muerte” de Horacio Quiroga, lectura que hice a muy temprana edad y que me impresionó al mismo tiempo que me activó mucho la imaginación y la atracción por el realismo mágico.

LLTV: ¿Último libro que leíste?

SC: El último libro que leí completo creo que es “Enero”, una novela muy sensible y hermosa de Sara Gallardo, autora argentina. Me cuesta terminar de leer los libros porque siempre tengo varios empezados a la vez. Ahora tengo unos tres libros abiertos, ¡por no decir cinco o seis! Uno de ellos, que está siendo muy significativo y poderoso para mí, es “El silencio habla”, de Eckhart Tolle. Es un libro de mucha sabiduría espiritual, para saborear de a poco: a veces leo sólo dos párrafos y me es suficiente… entonces lo cierro, pero en mi interior sigue abierto un rato más. Otro libro que estoy leyendo es “Gestualidad Japonesa” de Michitarō Tada, un ensayo muy interesante sobre ciertos usos y costumbres de los japoneses. Me intriga e interesa mucho cómo los sentimientos humanos, supuestamente universales, tienen formas tan diferentes de expresión (la manera en que los japoneses se comunican gestualmente es muy diferente a la nuestra y a la de los occidentales en general) y cómo, a su vez, esa expresión denota diferentes maneras humanas de sentir o percibir el mundo. También estoy leyendo un libro en inglés, historias clásicas de detectives, “Classic detective stories”, y lo hago precisamente para practicar el idioma. Los otros que siempre tengo en la mesita de luz disponibles para la lectura y que responden a que suelo tener sueños muy lúcidos, llenos de imágenes, sensaciones y a veces canciones, son “El yoga de los sueños” de Namkhai Norbu Rimpoché y “The Dream Dictionary from A to Z” (El Diccionario de os sueños de la A a la Z). Por último, un libro que tengo muy a la vista y abro para leer una página o capítulo por día, es una especie de biblia: “Un curso de Milagros”. 

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís, cuales son los momentos?

SC: No tengo algo sistematizado con respecto a la escritura, ni siquiera considero que haya conquistado el hábito de la escritura. En mi caso es más bien compulsiva. Suele sucederme a la noche, cuando me acuesto y cierro los ojos en silencio, que de repente algunas ideas antes desordenadas se me acomodan y toman forma y me hacen abrir los ojos y prender la luz inmediatamente para agarrar el cuaderno y el lápiz que dejo al lado de la cama; otras veces escribo apenas me despierto, ya sea a la mañana o durante la noche, para no olvidarme de algún sueño significativo que tuve y dejarlo asentado en papel. Y, otras veces, cuando trato de comportarme mas disciplinada conmigo misma, lo hago durante el día (generalmente a la tarde): me siento y me obligo a ordenar y a dar forma a las ideas, escribiéndolas. En general lo que escribo parte en realidad de imágenes que aparecen en mis sueños, o que se me configuran a partir de algo que veo, leo, o de música que escucho. Con esas imágenes, combinadas con la impresión o sensación que me generan, armo una idea o concepto. Casi siempre acompaño las palabras con dibujos, si escribo en un cuaderno, o con fotos o imágenes de pinturas, si escribo en la computadora.


ph: Anahí Sinatra

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

SC: Platero y yo”. ¡Ay!, ese libro me conmueve mucho. Combina para mí una historia de herencia familiar con el nivel poético de Juan Ramón Jiménez, que me atraviesa de una manera muy especial. Una historia simple y sencilla, relatada con una sensibilidad muy grande: El hombre (que bien podría ser también “la mujer”) en estado de contemplación de la naturaleza. Habla de vínculos amorosos muy profundos con el animal, especialmente con el burro “Platero”, con la naturaleza en estado silvestre, y consigo mismo. Siempre me transmitió sensación de salvajismo, plenitud y libertad. Cuando llegó a mí el objeto- libro “Platero y yo”, a mis cuatro o cinco años, ya tenía escritos en la primera página dos nombres de anteriores dueñas. La primera había sido mi madre. Había sido su libro de literatura en la primaria, y después (habiendo sido cubiertas sus tapas con un papel de forrar con dibujos de Sara Key) había pasado a ser el libro de lectura escolar de mi hermana mayor. Mi primer encuentro con “Platero y yo” fue a través de ella. Yo no sabía leer todavía, entonces, antes de dormir, mi hermana me leía algunas páginas, y después las comentábamos: yo le hacía preguntas y ella se las ingeniaba para respondérmelas y armábamos nuevas historias que salían de ese mundo silvestre y puro que me había llegado al alma. Al día siguiente yo hacía dibujos de Platero entre los cardos y las flores del campo. Cada vez que lo vuelvo a leer me conmueve hasta las lágrimas.

LLTV: ¿Tenés manías en el ejercicio de la lectura?

SC: Una de las manías que tengo en el ejercicio de la lectura tiene que ver con algo que ya comenté, que es tener muchos libros abiertos a la vez, y por eso tardar mucho tiempo en terminarlos. Otra, es que cuando hay algo de lo que estoy leyendo que no comprendo del todo, no puedo seguir y tengo que leerlo de nuevo tantas veces como me sea necesario hasta entenderlo (o encontrar al menos la propia interpretación). A veces vuelvo muchas páginas atrás para releer algún párrafo que me quedó en el tintero, o releer quizás quince, veinte páginas. 

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?

SC: A Seymour, uno de los hermanos Glass, que aparece tanto en “Franny y Zooey” como en “Seymour: Una introducción”, y creo que en otros de los cuentos de J. D. Salinger. Porque lo imagino como un tipo fuertemente deprimido pero con mucho ingenio y sentido del humor, inteligente, enigmático y muy magnético. Lo invitaría para que venga ahora, después de su muerte, a tomar un café conmigo. Le preguntaría para qué se suicidó, de qué le sirvió en vida su inteligencia y astucia, y qué siente ahora. Querría saber de qué cosas (si las hay) que en vida se tomó tan en serio y por las que sufrió tanto, ahora puede reírse. Y también me encantaría que él me haga preguntas.


ph: Anahí Sinatra

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?

SC: A Alicia, la del país de las maravillas. Me parece una “flashera”, muy divertida. Evidentemente su mundo inconsciente y onírico es muy basto, y creo que podríamos hacernos buenas amigas, tener charlas muy interesantes y divertirnos mucho compartiendo un fernet con coca en tazas de porcelana gigantes.   

LLTV: ¿Recordás haberle leído a alguien en voz alta alguna vez, haber sostenido una lectura compartida, fuera del marco de lo que son los ensayos teatrales o de filmación?

SC: ¡Sí! A mis sobrinos (Octavio y Ramiro). Cuando ellos eran muy chiquitos y todavía no sabían leer, muchas veces que iba a Oncativo (Córdoba), mi pueblo natal y donde vive gran parte de mi familia, se quedaban a dormir en la casa de mis papás, y antes de dormir les leía cuentos. La mayoría de esos cuentos eran los que yo leía en mi infancia. También, en algunos viajes en auto con mi ex novio, llevábamos libros de Olga Orozco y, mientras él manejaba, yo leía poemas y poesías en voz alta.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?

SC:On the road”, De Jack Kerouac. Sé que muchos me van a detestar por esta opinión, ¡ja!, porque es un libro que tiene muchísimos buenos adeptos. Y también sé que lo dejé antes de llegar a la mitad, por lo que no tengo autoridad para criticarlo. Pero me lo regaló alguien que amo, respeto y admiro mucho, y varias otras personas me habían hablado de él como un libro paradigmático que les marcó un antes y un después, entonces mis expectativas estaban demasiado elevadas, así como mi ansiedad por ser “capturada” por esta lectura. Y, como no me sucedió eso, me defraudó fuertemente, me frustré con esa lectura y empecé a verle el lado negativo al relato. Después me di cuenta de que en realidad mi lectura estaba llena de prejuicios, y que debía dejarla para otro momento. Aún la tengo pendiente. Quiero arrancarlo de nuevo, desde el comienzo, así que lo haré en cualquier momento. 


ph: Anahí Sinatra

LLTV: ¿Cómo llega por lo general un libro a tus manos? ¿Sos de las lectoras que esperan una recomendación o te gusta meterte en las librerías en búsqueda de algo que te atraiga?

SC: Me gusta leer en papel y además me encantan los libros como objetos. Entonces, muchas veces entro a librerías y la atracción primera suele ser visual. Después obviamente miro de qué se trata, quién es el autor, y decidir si lo llevo. Otras veces voy tras una recomendación, a pedir un libro en concreto, y suelo pedir recomendaciones a los libreros. (En los últimos dos años aproveché mucho la hermosa Feria del Libro que tenemos en Buenos Aires para curiosear, conocer autores y comprar buena cantidad de libros.) Por otra parte, en realidad, muchos de los libros que tengo en casa son regalos de gente muy querida. A través de ellos he conocido autores alucinantes que quizás por motus propio no hubiese elegido.

LLTV: “La Patada del Camello” es una obra que escribiste y protagonizaste junto a tu colega Sofía González. ¿Cómo se hace para escribir de a dos?   

SC: La verdad es que es la primera vez que comparto escritura con alguien, y hasta ahora la única. Fue un proceso hermoso, con ciertas dificultades, pero también muy interesante y enriquecedor. Yo disfruto mucho del trabajo en equipo. Con Sofía encontramos de modo orgánico una dinámica que a ambas nos funcionó muy bien, que intercalaba la escritura individual con la compartida. Eso nos permitió concentrarnos cada una en lo que queríamos decir y, a la vez, dejar que eso se modificara a partir del encuentro con la mirada de la otra. De ese encuentro resultó una nueva escritura que implicó discusiones y acuerdos, no sólo a nivel conceptual, sino también estético y formal. Por supuesto, el famoso “ego” se pone todo el tiempo en jaque en un proceso de estas características, y eso creo que fue uno de los puntos más enriquecedores. Pero también fue muy divertido. A mí me estimulaba mucho la imaginación leer lo que Sofi traía escrito, porque venía de una proceso mental y creativo muy diferente al mío, y me abría la cabeza y me invitaba a seguir imaginando a partir de su propuesta (creo que a las dos nos pasaba algo parecido). A medida que avanzábamos con la escritura, ambas nos íbamos entusiasmando cada vez más con lo que estábamos creando. Disfruté y aprendí muchísimo ese proceso con “La patada del camello”. 


LLTV: Este fue un año profesional de gran salto para vos, creo. Fuiste protagonista de la película “El Kiosco” junto a Pablo Echarri, y protagonizaste una obra teatral que tuvo enorme repercusión como “La Patada del Camello” (Obra que cubrimos en nuestro espacio de La Letra). En los dos trabajos, las temáticas son muy sensibles y fueron muy elogiados. Más allá de que ya venías ocupando un lugar en televisión y teatro, ¿Este se puede decir que fue el año de mayor crecimiento desde lo profesional?

SC: Este es un año de mucho crecimiento para mí, sin dudas. Tanto a nivel personal como profesional, siento que estoy en un momento de mucho aprendizaje y maduración, de ver y sentir cómo lo aprehendido de distintas fuentes (maestros, experiencias, mucho trabajo) están en mí como un capital cada vez más sólido, y empieza a expandirse de manera cada vez más rápida y significativa. Y creo que este capital, estos frutos (de mucho esfuerzo y disfrute) que estoy cosechando me dan confianza y fuerza para seguir trabajando y creciendo con mucho más entusiasmo y placer.  La patada del camello” es uno de mis proyectos más importante, del que me siento muy orgullosa, ya que soy una de sus progenitoras. Pero también puedo decir que estoy muy contenta y absolutamente agradecida con todos los proyectos de los que hoy formo parte (como la peli “El Kiosco” y la obra de teatro “Hombres y Ratones”), y de los grupos humanos con los que comparto el trabajo con mucha confianza y pasión.

LLTV: Hoy estás protagonizando “Hombres y Ratones” los viernes 23 Hs en El Portón de Sánchez, en Sánchez de Bustamante 1034, CABA. ¿Con qué se va a encontrar el espectador?

SC: En “Hombres y Ratones”, el espectador se va a encontrar con la pampa argentina de 1968, donde dos peones golondrina (protagonizados por Juan Luppi y Ramiro Méndez Roy, también productores ejecutivos) que sólo se tienen el uno al otro, viajan por el país con la ilusión de juntar el dinero suficiente para arrendar su propia chacra y así acabar con la miseria que arrastran, pero la crudeza del mundo pone a prueba la amistad tan singular que hay entre ellos. La obra habla del amor, de la amistad, de la explotación del hombre por el hombre y de un mundo sensible que subyace del mundo llano y hostil en el que viven los seis personajes de esta fantástica versión de Lisandro Fiks (quién además dirige junto a Gustavo Luppi) basada en la novela de John Steinbeck, que hoy se monta por primera vez en Argentina. Creo que es una obra que invita a la reflexión sobre temas sociales tan antiguos como actuales, y a adentrarse en una sensibilidad especial dada por los sentimientos y los vínculos humanos.  

LLTV: ¿Habra reposición de “La Patada del Camello” este año?

SC: Habrá una tercera temporada de “La Patada del Camello” en Buenos Aires, por supuesto, y lo más probable es que sea en el 2020. También hay muchas probabilidades de que hagamos una temporada el próximo verano en Mar del Plata, pero aún no está confirmada. El público nos acompañó muy fiel y amorosamente en las dos primeras temporadas, y esperamos con mucha fe que nos siga acompañando en las que se vienen. 

LLTV: ¿Proyectos en que estés trabajando para lo que queda del año?

SC: Acabo de terminar de rodar un nuevo largo, “El cuento del tío”, escrito y dirigido por Ignacio Guggiari. Es una comedia negra muy divertida protagonizada por Luis Ziembrowski, Alejandra Flechner, Martín Slipak, Silvia Pérez y Mónica Villa, entre otros grandes actores y actrices. Tiene fecha de estreno para la primera mitad del 2020. Por otro lado, además de continuar con las funciones de Hombres y Ratones, ahora estoy trabajando en un boceto de guión para mediometraje. También hay otros proyectos de teatro y de cine que están definiéndose, pero lo mas probable es que sean para estrenarse en 2020.



Foto: Anahí Sinatra @anahisinatra
Producción: Sandra Criolani y Anahí Sinatra
Makeup y peinados: Gaby López @gabylopezmake  

Entrevista: Walter Gómez