martes, 14 de noviembre de 2017

CRITICA A LA OBRA TEATRAL EL REGRESO. DE BRIAN FRIEL DIRECCION: AGUSTIN ALEZZO





Una familia atravesada por un suceso trágico, está destinada a repetirlo una y otra vez, para finalmente comprender lo que sucedió.

Desde un clima cálido y desolado, con notables marcas de abandono y de un pasado inminente, nos hacen participe de un regreso, de una historia de amor, odio, verdades y mentiras; pasiones ocultas y problemas familiares, donde cada uno de los miembros de esta, reviven recuerdos de momentos vividos mediante una representación guiada de su propia vida, realizada por un personaje/director/didascália a partir de un libro, donde está impresa la historia familiar y tiene la potestad absoluta sobre esta, siendo totalmente obviados los hechos que sucedan y estén fuera de él. Este, cumple con el papel de libro de la vida, con un destino que está marcado y no se puede cambiar; de igual forma se establece la imposibilidad de saber que algo malo sucederá y no poder hacer nada para evitarlo.

Una propuesta diferente, fresca y audaz. Una obra dentro de otra obra, dirigida por una didascália que desde el estar y no estar en escena toma cuerpo. Cambios de ritmos por personajes que irrumpen y rompen lo cotidiano, crean una atmosfera dramática y cómica por momentos; actuaciones con gran proyección y realismo, les permite a los personajes atravesar por diferentes estados, momentos y sensaciones que los hace viajar en el recorrido de la obra y de paso, logran trasmitir y generar imágenes al espectador a través de un texto completo en su construcción y de gran sonoridad. Las relaciones y vínculos que se establecen, entrelazan al espectador y hace posible seguir el hilo total de la historia.




ELENCO

Carlos Kaspar (El señor)
Bernardo Forteza (Padre Tom)
Stefania Koessl (Anna)
Claudio Amato (Charlie)
Sol Fassi (Tina)
Lorena Saizar (Helen)
Magela Zanotta (Myriam)
Alejandro Fain (Frank)
Federico Tombetti (sean)

Asistencia de Dirección: Edgardo Millan
Diseño de Escenografía: Marta Albertinazzi
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Diseño de iluminación: Felix Chango Monti
Diseño de Vestuario: Analia Morales
Músicos: The Oxers + The Border Reivers
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Arte y Diseño Gráfico: Pablo Bologna
Traducción de Texto: Agustin Alezzo
Realización Escenográfica: Juan Edgardo Reynoso
Fotografía: Ignacio Lunadei
Diseño de Maquillaje y Peinado: Sabrina San Gil
Vestidor: Osvaldo Gilio
Producción Ejecutiva: Ezequiel Procopio
Producción Artística: Sebas Rojas


Prensa: Octavia Comunicación

Crítica: Alejandra Moreno

Dirección: Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA
Funciones: Jueves a Domingos, 20:30 hs.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.



miércoles, 8 de noviembre de 2017

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "BUFARRA"




Silvio, que acaba de salir de prisión, llega a Podestá a visitar a su amigo de la infancia, Vicente, y a su hijo Ángel. Un asado que se cocina “de verdad” en el transcurso de la obra es la excusa para el encuentro que da inicio a esta interesante experiencia teatral.

Con dramaturgia y dirección de Eugenio Soto, “Bufarra” sucede al aire libre, en el patio del Espacio Polonia, los domingos a las 21 hs.

Vicente asa carne en una parrilla mientras espera a su amigo y compañero de militancia, Silvio, que acaba de salir de la cárcel por ser acusado de bufarra. La mujer de Vicente no está de acuerdo con el encuentro por ese motivo y además porque la pareja tiene un hijo adoptivo menor de edad. Este punto abre el juego a las distintas situaciones que se plantean en la obra.

Con actuaciones potentes de un gran elenco, cada personaje transita los distintos matices y tensiones que se ponen en juego a través de gestos bien marcados, calidad vocal,  palabras contundentes y sutilezas. La construcción de los personajes está muy bien lograda y acorde al estereotipo de identidades que se plantea en la obra, una visita con conductas ambivalentes, una familia de clase media con vínculos inestables y un hijo adoptivo que sufre bullying en el colegio por su gordura. Con ese planteo y un impecable procedimiento de situaciones encadenadas, el director logra abordar con excelencia temas como el deseo, la pedofilia, la venganza, el amor, la identidad. Eugenio Soto utiliza la empatía de los personajes para tocar contundentemente estos temas.

El diseño del espacio escénico invita al espectador a ser casi participe e involucrarse emocionalmente con cada situación. Crea el ambiente adecuado y aporta al accionar de cada uno de los personajes.

“Bufarra” es una obra que nos hace viajar a través de cada personaje, nos envuelve y nos lleva a reflexionar y cuestionar de forma constante temas fuertes de la sociedad.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Eugenio Soto
Actúan: Leilén Araudo, Facundo Cardosi, Leo Espíndola, Martín Mir, Darío Pianelli
Diseño de vestuario: Lucía Scarselletta
Espacio escénico: Félix Padrón
Diseño de luces: Félix Padrón
Fotografía: Mariano Martínez, Juan Francisco Reato, Franco Vaca Braylan
Diseño gráfico: Juan Francisco Reato
Asistencia de dirección: Mara Beger, Nerina Carunchio
Prensa: CorreyDile Prensa
Producción ejecutiva: La Jangada Producciones
Dirección: Eugenio Soto


Crítica: Fabiana Mureide

CRÍTICA A LA OBRA "EL AMANTE DE LOS CABALLOS"




Una obra que supo transformar en un hecho teatral los textos de Tess Gallagher, viuda del conocido escritor Raymond Carver. “El amante de los caballos” es un monólogo poético protagonizado por Anna Scannapieco, adaptado y dirigido por Lisandro Penelas, miembros de La compañía Moscú Teatro. Las funciones se realizan los sábados, en Camargo 506, a las 20:30 hs.

Una hija transita la enfermedad y muerte de su padre, a la vez que recuerda la historia de su abuelo y de su familia. En este trayecto reconoce que la une a sus antepasados.

La actuación de Ana Scannapieco resulta sumamente atrayente. Logra cautivar al espectador con su destreza corporal. Juega a ser un caballo, pero no lo es, lo evoca a través del cuerpo.  La actriz genera momentos de complicidad con el público mediante la mirada, los gestos, los susurros y la expresividad vocal con la que atraviesa los distintos matices que hacen a la muerte, la enfermedad, las adicciones, la locura, la infancia y otros temas abordados en la obra. La excelente articulación y el volumen de la voz resulta una pieza clave del relato. Con todas estas herramientas, Scannapieco nos brinda momentos de humor absurdo, tiernos y emotivos. La capacidad creativa del director potencia y enriquece todas estas herramientas con las que logra fluidez y embellece la obra.

La escenografía con objetos que remiten al establo junto con la iluminación tenue y el vestuario, crean un espacio íntimo y un ambiente adecuado y verosímil para el desarrollo de la trama. Los acordes del chámame contribuyen a la puesta en escena.

La obra, luego de una hora, finaliza en el punto exacto en que el espectador se encuentra profundamente conmovido y sumergido en el relato. “El amante de los caballos” es una puesta de extremada belleza poética, llena de imágenes y de sutiles movimientos actorales.
  
Ficha técnico artística:

Sobre textos de: Tess Gallagher
Adaptación: Lisandro Penelas
Actúan: Ana Scannapieco
Vestuario: Gonzalo Cordoba Estevez
Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Diseño de luces: Soledad Ianni
Música original: Hernán Crespo
Fotografía: Ariel González Amer
Diseño gráfico: Martín Speroni
Asesoramiento coreográfico: Sabrina Camino
Asistencia de dirección: Julieta Timossi, Ricardo Vallarino
Prensa: Luciana Zylberberg
Producción ejecutiva: Cecilia Santos
Dirección: Lisandro Penelas

Crítica: Fabiana Mureide

domingo, 5 de noviembre de 2017

CRÍTICA AL DISCO "LA FUERZA COLIBRÍ"




Láudano en Canciones nos hace un regalo enorme a quienes amamos la música de raíces latinoamericanas. Las guitarras, el acordeón y la percusión suenan perfectos, y en los momentos precisos en este segundo álbum “La Fuerza Colibrí”. La virtuosa voz de Florencia Albarracín y la profundidad poética en las letras hacen de este disco un verdadero hallazgo.

No me van a ver caer,
 te lo juro no miento,
es tan grande lo que siento,
y me van a ver volver

Alegría y aires de resistencia se respiran en este nuevo disco, con algún guiño existencial. La introducción es un instrumental corto con punteos de guitarra y algo del acordeón de Florencia. A partir de ahí la fuerza de las letras y la frescura musical nos levantan las defensa.

Hay algo muy particular que no nos pasa muy seguido al escuchar un disco, y es que al escuchar a Láudanos nos sentimos dignos. No es para nada música pasatista, es música para sentirnos mejores personas, más aún en tiempos donde parece que todo tira para abajo, el ritmo que impone “La Fuerza Colibrí” es alto, hasta por momentos invita a bailar. Lo que no podemos ni por un segundo, es dejar de escuchar las letras.

Levántate y sacúdete el polvo del cuerpo,
Deja que el dolor te transforme en fuego


Como ya sucediera en el primer corte de Láudano, los colores más vivos acompañan cada uno de las canciones, aún en aquellas canciones donde aparece la oscuridad referencial de la violencia de género, lo que aparece abigarrado en las letras, desborda de una ilusión y una emoción que no se puede contener. Porque más allá de las marcas nunca hay que dejarse caer.

“No quiero que me den flores,
Yo quiero florecer”

Finalmente, la banda suena sólida todo el tiempo. Capítulo aparte para la voz de Florencia Albarracín. Es la pasión en carne viva, una voz milagrosa.

Flor Albarracín: voz & acordeón
Juan Matías Tarruella: guitarras, efectos, coros y rap.
Martín “terrible” Ortiz: trombón
Ezequiel Quinteiro: percusiones
Nico Perotti: bajo y coros
Gastón Matorra: guitarra y coros
Pablo Aragona: batería
Sumate a las redes
FB/Láudano en Canciones
@LaudanoOficial ​
IG laudano_encanciones


jueves, 2 de noviembre de 2017

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "DELIRIO A DÚO"




Delirio a dúo no nos invita, mas bien nos obliga a un viaje, que no estamos seguros de querer transitar, que es el del auto examen, nos pone un universo repleto de adversidad y dolor frente a nuestros ojos, y nos hace preguntarnos sobre nuestras propias miserias. Nos horroriza lo de afuera, y no podemos advertir que es el triste reflejo del adentro...

Irónica y caótica, Delirio a dúo, de a ratos peca de pretenciosa y extensa, pero podríamos justificarla diciendo que el fin justifica los medios.

Genera un constante estado de alerta y nerviosismo,  seguramente premeditada por su director,  Carlos Rozo,  que nos deja en estado de alerta, y nos empuja a un auto examen para ver que tanta violencia suportamos día a día.. y mas cruel aun, nos invita  casi obligadamente a preguntarnos cuanta violencia habita en nuestro día a día, en nuestros vínculos, en nuestro universo personal.

Destacada labor de los actores, Cristian Meneses y Andrea Vergel, que le ponen el cuerpo y la voz a estas dos criaturas en guerra... tan frágiles e indefensos, como perdido en su mundo interior/exterior que no logran comprender, más si padecer. 



Crítica: Noe Ragaglia