martes, 12 de abril de 2016

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "LAS DE BARRANCO"




LAS DE BARRANCO es una pieza teatral mágicamente Esotérica, desfachatada y vivaz. Que al finalizar nos dejó a los espectadores un halo de risas absurdas ante las maravillosas y elocuentes actoralidades de las 3 actrices, que por cierto, no mezquinan precisión, proyección de voces, lúdicos movimientos, exacerbación en las expresiones tales como el Clown y por sobre todo esa pizca de picardía que solo algunas pocas actrices logran llegar con talento natural. Pero claro, si todos muy bien sabemos, que el director de esta obra, es uno de los Clown que el Circo Du Soleil pudo apreciar de nuestro país, por mucho años, el mismísimo Toto Castiñeiras, nos regala esta joyita en donde deja ver sus manos y su trazo en esta pequeña historia resumida en 30 minutos, homenajeando a aquella que hizo una vez con muchísimo éxito Gregorio de Laferrere (Estrenada en buenos aires 24 de abril de 1908 en el teatro Moderno (hoy Liceo) y que a lo largo de los años fue representada por diversos elencos en numerosas oportunidades tanto en teatro como en televisión).

Es apreciable animarse a tirarse de cabeza con dramaturgos como estos, enalteciendo la obra primitiva al caño, sin olvidarse la esencia, y llevarla a un género,  si se podría decir, más clownesco, porque la historia y la trama en algunos momentos, pasan a un segundo plano, y eso es gracias a la comicidad en la que es contada, pero mas se ve el esfuerzo por querer contar algo tan triste, como la falta de dinero, el aparentar, el roce con la prostitución, y las garras de una madre casi sin corazón, con muchísimo humor y del bueno, ese que viene de algo ambiguo, el humor que viene de un drama, es el mejor humor.

La trama no deja de ser una historia cruda, real, y de mujeres absorbidas por esa madre casi castradora y cruel, que la actriz logra hacerla a la perfección, en donde me hizo acordar al gran Lorca con su Bernarda Alba. Y sus hijas, un derroche de delirio, locura y gracia que calza justo en sus cuerpos actorales. No se la pierdan.

Dirección: Toto Castiñeiras. Actúan: Julieta Carrera (Pepa) Teresa Murias (María) Corina Romero (Carmen). Autor: Alfredo Allende.
Todos los domingos 19:30 y 20:30 hs.: "Las de Barranco"
Lugar: La Casona Iluminada (Av. Corrientes 1979)

Crítica: Paola Zeus





lunes, 11 de abril de 2016

ENTREVISTA LITERARIA AL ACTOR ARIEL NUÑEZ


LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
AN: De joven no estaba cercano a la lectura hasta que mi vieja me regaló “Harry Potter y la piedra filosofal”. La miré con cara de “¿Que me compraste?” pero después me enganché. Fue el primer libro que leí con pasión. Ya de mas grande “Desobediencia Civil” de Henry D. Thoreau y “Viaje a Ixtlan” de Carlos Castaneda.

LLTV: ¿Último libro que leíste?
AN: Estoy con “Incesto” de Anais Nin y” trópico  de Capricornio” de Henry Miller.

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
AN:. La saga de Castaneda abrió un nuevo mundo para mí. Me acerco a la filosofía del guerrero y me permitió entender el mundo como energía y la posibilidad de acumularla y utilizarla para poder mover mecanismos dentro de nosotros y así alcanzar diferentes niveles de consciencia y percepción. Me dio una perspectiva más espiritual de la vida y del trabajo del actor.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?
AN: No hay un momento en particular. Tengo un cuadernito rojo que llevo conmigo donde anoto ideas,  pensamientos, y todo tipo de cosas.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
AN: Voy a interpretar a Henry Miller en teatro. Creo que  conocerlo y charlar estaría muy bueno.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
AN: Si los guiones cuentan como libros, comer una sopa de camarones y tomarnos una Cherry Cola con Forrest Gump.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
AN:. Creo que ninguno porque nunca les puse expectativa. Llegaron a mí y los leí.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
 AN: La indiferencia.
 
Ariel Nuñez personificando a Henry Miller

LLTV: Se viene la obra “Anais”, con dramaturgia y dirección de Eloísa Tarruella. ¿Con qué se va a encontrar el espectador?
 AN: Una puesta cinematográfica, apoyada con proyecciones y todo sostenido por la poesía y la belleza de los textos y la entrega del elenco. En el fondo, Anais es una historia de amor y pasión. Hacen falta más de esas historias. El espectador, al salir, va   a encontrarse erotizado y con la emoción a flor de piel.

LLTV: Vos personificas a Henry Miller ¿Cómo te preparaste para interpretarlo? ¿Qué cosas te deja el personaje?
AN: Estoy leyendo sus libros y miré documentales sobre su vida. Henry es muy cercano a mí en muchos lugares. Tanto el como yo, profesamos la anarquía (pacifica), denunciamos la hipocresía social y tenemos ese niño interior muy presente.  Tenemos una manera muy intensa de entregarnos a las relaciones y la pasión es nuestro sello en cualquier cosa que hagamos.

LLTV: Cómo es trabajar con Eloísa (Tarruella) como directora.
AN:. Es muy ameno. Nos cuida mucho a nosotros los actores. Es muy obsesiva y puntillosa y esta buenísimo. No quiere que se le escape nada. Ha invertido mucho en el proyecto y creo que el espectador lo notara.


CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "CAFÉ IRLANDES"






Café Irlandés – Dir.: Eva Halac

Una nube gris encuadra varios años de nuestra historia no tan lejana…Turbulenta, poco amigable a las verdades, tiñe los días sucesivos a la “libertadora”. Los códigos marciales proclives a las reglas y el orden dejan su reguero a modo de amansadora  social. Pájaros de acero escupen la hiel por los cráteres de la plaza del pueblo. Y así seguimos con la cuenta nueva. El aluvión debe ser educado, desahuciado de sus imágenes “corruptas”, principalmente de aquella tan simbólica…esa mujer, ese ser de humanidad peculiar que estaba en el ajuar del niño, en el overol de un padre, en la dignidad de una madre.

Circa 1961, un pueblo se pasa subrepticio rumores del destino de Eva. No conformes con la diatriba, el gobierno militar decidió el rapto de la figura que el doctor y taxidermista Pedro Ara había inmortalizado sintéticamente. Cada maniobra oscura tiene el sello de los generales. La política fluye entre progresistas despistados, la visita de Guevara y los defensores de CONINTES. Como dos buenos amigos reunidos por las letras, Tomás Eloy Martínez y Rodolfo Walsh encaran una investigación. El inicio sólo es causa de la picardía de Martínez y del trabajo obsesivo por lo encriptado de Walsh. Pero todo irá cediendo a la sensibilidad de ser parte de un pueblo en llamas.

La experiencia cubana del irlandés se hace notoria en sus perspectivas: busca datos y testigos, no sólo que permitan dilucidar el destino del cadáver, sino para echar luz en su propia inquietud. Eloy Martínez por el contrario se yergue como un pícaro escritor, algo desinteresado del valor de la verdad, quien se ufana de dar vida propia a los rumores. Es la interpretación misma de los hechos la veracidad…lo único que moviliza al “pueblo”.  

Simultáneamente, el Coronel Carlos Moori Koenig y su mujer viven el calvario de la justicia popular. El engaño por infiltrados y los atentados llevan al matrimonio al borde del paroxismo. Investido de su rango y sus deberes, es el coronel uno de los responsables principales del secuestro del cadáver. Asediado por la prensa y ese inquieto irlandés, decide urdir un plan para confesar aparentes historias sobre los sucesos. Walsh entrevista a este ser oscuro. La mejor parte la lleva Eloy Martínez que en un arrebato de sacrificio por el periodismo decide hacer el seguidismo a la mujer del coronel.

Café Irlandés: pieza única, excelente. La literatura y la política dan vida a estos personajes que recorren bares y cines tratando de resolver el acertijo. Cada segundo amplifica la desconfianza en las fuentes y en los datos. El suspenso entreverado con el humor y la crónica hacen de esta obra un logro incomparable. Llueven los aplausos para semejante elenco y dirección.

La sensibilidad social de Walsh y la sagacidad de Eloy Martínez, se funden en una amistad única. Hay habladurías que afirman que el cuerpo se encuentra paseando por diversos puntos de la ciudad; otras, que el recado fue sepultado bajo nombre falso en Europa. Precisamente serán dieciséis años de rumbos desconocidos. A pesar del destino trunco de la investigación, ambos escritores inmortalizaron el caso en sus letras.

Café Irlandés se presenta los Domingos 18 hs en Teatro El Tinglado, Mario Bravo 948 CABA.

Ficha técnica:
Elenco:
Nicolás Dominici (Rodolfo Walsh)
Federico Lama (Tomás Eloy Martínez)
María Ucedo (Esposa del Coronel)
Guillermo Aragonés (Coronel)
Diseño gráfico: Andrea Torti /Fotografía: Guillermo Monteleone / Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh / Asistencia de escenario:Vannesa Giraldo / Música: Juan Cristóbal Sleigh / Diseño de Luces: Miguel Solowej / Prensa: Octavia comunicación / Producción ejecutiva: Demián Kaltman / Asistencia de dirección: Érika Estiz / Dramaturgia y dirección: Eva Halac 

Crítica: Guido Facile


sábado, 9 de abril de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "TE FUISTE SIN AVISARME"




Todos los sábados a las 21 hs hasta noviembre, al menos este año tenemos la opción de visitar el teatro EL DAMERO, íntimo y con olor rico, horario tranqui para disfrutar esta vez de “TE FUISTE SIN AVISARME”

¿Cuántas veces queremos dejar de ver lo que estamos viendo? E intentamos antes de cerrar los ojos tratar de ver otra cosa, empezar a soñar despierto. Llega el momento en el que ya no necesitamos bajar fuerte esos párpados después de practicar tanto antes de dormir, como será ver eso que no aceptamos como es. ¿Como podríamos transformar lo que nos duele en algo que nos permita seguir?

A veces hasta nos acostumbramos a vivir en el dolor y el pacto de compañía no contempla que cambiemos, hace olvidar a ellos de que eran ellos, y seguir se hace confuso. ¿Quién es quién?

Te fuiste sin avisarme da un poquito de angustia si estás enojado con el amor, pero si te vas a arriesgar (que generalmente pasa cuando ya crees que no puede dolerte peor) seguramente vas a pasar un buen rato viendo como desde ese lugar se puede reír también. Escrita y Dirigida por Gina Piccirilli.

Osvaldo Peluffo encarna al personaje llamado Pietro. Verónica Peluffo es Rosa, su mujer. Existen para nosotros y lo plantean hasta el final. Una pareja decide ser vista, en principio por el romance, en principio por ellos mismos y estos mismos llegamos a  ser nosotros. En los ojos, manifiesto. La historia enviste el drama que acusa esta pareja y lo digiere antes de que podamos sentir. Abarca los por qué, los peros de lo que nos preguntamos, y escapando al detalle de que el cariño puesto se va de control, inundan la sala de desesperanza, no dejan de mirarse.

 Usan todo el espacio, el trabajo en conjunto para la puesta se puede ver con claridad, diseñaron la ropa y la hicieron, no se asustaron y decidieron incluir a yago, a las vírgenes, los temas dudosos se definieron y eligieron si blanco o si negro eligiendo un sino.

La música los textos las voces, la proclama de originalidad sin abandonar raíces, lo moderno, lo necesario y el amor, el arte, las luces.

El bocadito para la curiosidad humana de querer saber la verdad, te lo dan antes de entrar “ah claro, son Peluffo y Peluffo. No son hermanos son pareja. ¿Ah y acá también son pareja? / Luces, off”. El protagonismo y la humildad, el desamparo, la fe, la timidez, el compromiso.

El teatro es en sí por la imposición de la necesidad que pide decir. Cuando hablamos desde lo entrañable aparece nuestro artista. Rosa y Pietro nos dejan subir a la cuerda floja entre lo real y las ilusiones en su habitación.

Los interrogantes de la adicción, de una espera de quien sabe qué, dibujan un puente en el que de pronto nos encontramos tomados a esta soga sin vértigo. Podemos sentir como se desvanece ese algo que solo se mantuvo entre dos personas intentando detener el cambio que provoca el tiempo.

Ficha Técnica // Texto: Gina Piccirilli - Intérpretes: Verónika Ayanz Peluffo y Osvaldo Peluffo - Diseño de Vestuario: Pepe Uría -Música Original: Martín Bianchedi - Diseño de Iluminación: Matías Burgueño - Diseño Gráfico y Fotografía: Emiliano Rojas -Realización de Vestuario: Cristina Romero - Asistente de Dirección: Carolina Dupuy - Asistente Técnico: Julián Peluffo - Dirección:Gina Piccirilli

Prensa: Silvina Pizarro 

Crítica: Laura Beraldi

  Todos los sábados a las 21 hs. se presenta “Te Fuiste Sin Avisarme”,en el Teatro El Damero, Dean Funes 506.  


jueves, 7 de abril de 2016

ENTREVISTA AL CANTANTE ALEJANDRO FALCONE, INTEGRANTE DE LA BANDA OJEROSA





Están presentando el próximo 8 de abril, el segundo disco de Ojerosa ¿Por qué 4Mil Revoluciones?

4 mil revoluciones habla de los pensamientos, ideas y sensaciones que se debaten en la cabeza en busca de respuestas y caminos. Tiene que ver también con aquellas revoluciones que construimos día a día, con esfuerzo y que muchas veces no nos detenemos a celebrar porque justamente aparece alguna otra batalla que dar. En la composición del disco, es la mezcla entre nuestro concepto de revolución desde lo político, social y cultural y la vida diaria con la velocidad que nos proponen las grandes urbes.

¿Cómo se fue construyendo la banda y que repercusión tuvo el primer disco?

Ojerosa es en principio un grupo de amigos que deviene en un proyecto de vida. Fuimos aprendiendo y estudiando los instrumentos, consolidando colectivamente las canciones y creciendo hasta ¿Quién Baila?, que es nuestro primer disco. El disco es a la vez un punto de llegada y un punto de partida. De llegada porque logramos en él consolidar una identidad y una forma de laburar, de partida porque es el comienzo del profesionalismo de la banda, de la búsqueda de un nuevo sonido y del arraigo de cada uno con los instrumentos. A partir de quién baila fuimos recorriendo nuevos escenarios, viajando al interior del país y mostrando la identidad y la forma de ver el mundo de la banda.

¿Qué material va a escuchar la gente en esta nueva   placa?

4 mil revoluciones es un disco de rock. Es nuestro segundo disco, la foto de un momento musical que tiene una gran esencia rockera, con aires bailables que recuerdan al disco anterior y la busqueda de un nuevo sonido. Yo diría que se van a encontrar con canciones sentidas y pensadas, que dicen cosas y que hacen mover el esqueleto.

¿Se trata de un trabajo independiente o reciben apoyo?

El disco se hizo de forma completamente independiente. La grabación se fue solventando con fondos propios e implementamos para la edición del disco un sistema de financiamiento colectivo de los que permiten las nuevas tecnologías que ayudó para el empujón final y lanzamiento. 

¿En el 2016 seguirán presentando el segundo álbum por el país?

La idea de este año es seguir recorriendo el país con 4 mil revoluciones y mientras tanto darle forma a una nueva publicación que seguramente tenga que ver con el formato acústico que fuimos encontrando en últimas presentaciones. También tenemos ganas de grabar algún vivo de forma audiovisual y adentrarnos en la búsqueda de nuevas canciones. 


 Prensa: Cecilia Dellatorre - Analía Cobas

miércoles, 6 de abril de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "UNA PERSONA MUERE" de CLAUDIO MATTOS




Una Persona Muere… ¿O ya están muertos? Muertos en vida, terror al afuera que los hace victimas de sus propios temores.


Cotidianidad que los cobija, los protege, hasta asfixiarlos… pequeño mundo que arman los personajes para no dejar entrar lo externo, hasta que algo rompe la aparente armonía de sus vidas. Atrapados en el letargo de sus días, lo real, lo imaginario, fantasía y realidad. ¿Cuál es el límite entre la persona y el personaje?

Los personajes de Una Persona Muere, nos hablan más allá de sus líneas, nos hablan con el cuerpo y los gestos. Nos hablan desde el sutil manejo del vestuario, creando una analogía a través del uso del color y del blanco y negro, nos dice sin decirlo quien pertenece y quien no, metáfora del adentro y del afuera.

Así pasan 75 minutos de obra sin advertirlo, ágil, fluye, no pesa  y el desenlace se presenta frente a nuestros ojos de forma sorpresiva.

Vale la pena observarlos, escucharlos, tratar de entender el por qué de sus miedos y conflictos…Uno se va pensando que pasó, ¿Que era real? ¿Que era imaginario? ¿Qué pasa con los personajes una vez que el autor los desposee?


Sábados 21 hs
Teatro “El Método Kairos”
El Salvador 4530


Ficha Técnica:
 
Actores:
 Nicolás Martuccio (Nicolás), Romina Brosio (Ana), Carla Pezé Di Carlo (Celestina), Flor Chmelik Martinec(Federica), Sebastián Chapy (Marcelo).
Diseño de Luces: 
Ricardo Sica
Espacio Escénico y Diseño de Vestuario: 
René Diviu
Asesor de escena de violencia:
 Osvaldo  Bermudez
Operador de luces: 
CaioSenicato
Operadora de sonido: 
Paloma Zaremba
Asistente de vestuario y realización: 
Maricel Ponte
Asistente de escenografía: 
Lara Díaz Fresno
Diseño gráfico y difusión por redes sociales: 
Agustín Burton Marketing Digital
Fotografía: 
Melina Franco / Marina Etcheto
Producción Ejecutiva:
 Francisco Prim
Asistente de Dirección: 
Paloma Zaremba      
Prensa: 
Correydile
Dramaturgia: 
Claudio Mattos
Dirección: 
Francisco Prim
Duración del espectáculo: 75 minutos
Fan Page: https://www.facebook.com/UnaPersonaMuere

Crítica: Noe Ragaglia

CRÍTICA A LA OBRA "LA PIEL DEL POEMA"




El gaucho manfloro.

Atardece en el litoral y dos amigas van al muelle a descansar después de un largo día de trabajo; la Merca (Karina Elsztein) y la Pajarita (Cristina Lamothe). Pero esta tarde a la vera del río será diferente a todas: la Merca decide terminar hoy con el silencio y confesar el amor que siente por su amiga. Al mismo tiempo y no muy lejos de ahí, dos oficiales muy particulares de Prefectura Naval realizan su ronda diaria. Uno de ellos, el comisario (Ariel Pérez de María), atormentado por una pesadilla recurrente, intenta volver a dormir una siesta mientras su subordinado (Luciano Ricio) practica una secreta vocación: la poesía. Porque poetas ladrones hay muchos, dice, pero ¿poetas policías?

La Piel del Poema es una obra que se mezcla con la tradición literaria más nuestra; se coloca a sí misma en una línea que permite pensarla como heredera de la cuestión nacional en el teatro. Esto es lo primero que pienso cuando salgo de la sala Batato Barea del CC Rojas (Viernes a las 22hs). Me acuerdo de Copi y su Cachafaz al que pocos críticos le reconocen como el gran dramaturgo que fue, presentándolo más como una discontinuidad en la gauchesca que como un devenir que le hace justicia a toda esa tradición literaria. Y a Ignacio Bartolone (el dramaturgo y director de la pieza) debe pasarle un poco lo mismo, porque si bien la letra de la obra coquetea con el verso gauchesco tradicional, el motivo de la pieza esquiva por todos lados aquel bulto: cuenta también la historia de un espectro correntino, el gaucho Elías Mamerto Flores (Marcos Ferrante) que vaga sin rumbo por las estepas litoraleñas en busca de su macho perdido.



Todo este entramado de amores y ríos revueltos colisiona entre sí provocando momentos verdaderamente alucinógenos y divertidos, donde las actuaciones se despliegan con una maestría arrolladora y son la verdadera piel de la obra: erizada desde el primer momento. Es una obra que fue premiada con una Mención en el VIII Premio Germán Rozenmacher (de Dramaturgia) y destacada también en Premios Teatro del Mundo 2015 por su Dramaturgia, Dirección, Vestuario, Escenografía e Iluminación. Hacen funciones durante todo lo que queda de Abril en el CC Rojas, a un precio que permite verla una y otra vez ($60), cosa que este cronista recomienda fervientemente.

Ficha técnica: 
Dramaturgia y Dirección: Ignacio Bartolone/ Elenco: Karina Elsztein, Cristina Lamothe, Luciano Ricio, Ariel Perez de María, Marcos Ferrante/ Música en vivo: Franco Calluso/ Voz de audio: Victoria Herrera Vestuario y Escenografía: Paola Delgado/Iluminación: Claudio Del Bianco/Coreografía: Carolina Borca/Asistencia de dirección: Mercedes Vivacqua/ Asistencia técnica: José María Gómez/ Producción: Malena Schnitzer y Mariu Lombardi/ Diseño: Sebastian Roitter /

Crítica: Mariano Rapetti

sábado, 2 de abril de 2016

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "ABSORTA Y DESNUDA"





Absorta y Desnuda – Dir. Mariano Dossena

Basado en poemas de Leonor García Hernando


Poesía: partículas juntas de cuerpos que tiritan, que murmuran, como juncos a la vera de lo que pasa, donde se naufraga, se juega…donde una flor se marchita por la espera o el cariño se tira de los pelos suavemente con un beso.

Leonor García Hernando eyecta en sus versos disgregados que aman y cuestionan el amor, la niñez anciana, el cuerpo desgarrado, lo insondable de sentir…

Volvemos en el tiempo, ahí donde ella está absorta y desnuda, haciendo su esfuerzo de poeta por no ceder a la palabra congelada, alimentándose de lo más casero, de lo arduo de su camino a su ser de mujer, de la dulzura de los fantasmas que vuelan con los panaderos en el viento.



Absorta y Desnuda, obra impecable donde la poesía de Leonor escapa de forma amable y violenta gracias al sublime elenco, compuesto por Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Muriel Santa Ana, Claudia Tomas y Walter Quiroz. Poetisa indócil, intempestiva…cada voz recuerda sus poemarios, la infancia y la juventud, los disfraces, los lugares ocultos.

En sus hojas está todo el otoño. Y en sus letras…sombras de floridos colores.

Absorta y Desnuda se presenta los Domingos 18 hs en Centro Cultural De la Cooperación  Floreal Gorini, Avenida Corrientes 1543 CABA.

Ficha Técnica

Elenco:

Leonor Manso
Ingrid Pelicori
Muriel Santa Ana
Claudia Tomas
Walter Quiroz
Miguel de Olaso (música en vivo)

Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni / Asistencia escenografía: Eliana Sánchez / Realización de vestuario: Belén Ficarra / Iluminación: Pedro Zambrelli /Asistencia de producción: Alan Cabral / Comunicación visual-CCC: Claudio Medin / Foto Leonor García Hernando: Carlos Romero / Prensa: Silvina Pizarro /Asistencia de dirección: Joaquín Herrera / Producción: Pablo Silva / Dirección: Mariano Dossena / Dramaturgia: Leonor Manso e Ingrid Pelicori.

Crítica: Guido Facile


jueves, 31 de marzo de 2016

ENTREVISTA AL ESCRITOR Y MÚSICO ROMÁN CRISCIONE



¿Por qué “Relatos de un hombre incoherente”?
Porque considero que son relatos incoherentes, también que todos somos incoherentes en algún punto. Y yo claro, también lo soy. En decisiones, en actos, en mi forma de ser. Aunque trato de tener una línea de coherencia en mis pensamientos es imposible ser coherente o por lo menos a mí me resulta imposible. Si fuese coherente, probablemente no hubiese sacado el libro, menos lo editado yo mismo. Con esto no quiero decir que pienso que esté mal ser incoherente, al contrario, creo que a veces es necesario. El libro intenta tener una línea de coherencia, pero imaginate lo incoherente que es el libro que se llama Relatos de un hombre incoherente y ni siquiera son todos relatos. También porque me gustaba nombre.

¿Cómo comenzaste en la literatura?
Comencé en la música, mi hermano mayor es músico y me llevó a interesarme por ella. Me gustaba componer canciones y me interesaba mucho las letras y eso me llevó a la literatura. Creo que también estaba en la búsqueda de algo, y esa búsqueda hizo que mi interés por las letras crezca. No sé qué era lo que buscaba, ni si lo encontré, tampoco si lo sigo buscando ahora, pero ya no hay vuelta atrás, ya no puedo salir, creo que me sumergí tanto que no me es posible salir, tampoco lo intento.

¿Qué te llevó a escribir un libro?
Como te conté, me gustaba componer canciones y le daba mucho valor a las letras, eso me llevó a empezar a escribir algún poema sin música y luego a la prosa. Escribo bastante, casi compulsivamente, ahora creo que lo manejo un poco, pero hubo en momento de mi vida que no lo podía manejar, todos los días, o su gran mayoría tenía que escribir aunque sea unas líneas de algo. Cuando comencé a escribir prosa me llevó a pensar en editar un libro. Sabía que en algún momento lo iba a hacer, estaba esperando algo, algo que me diga que era el momento de hacerlo. La verdad que no sé si llegó ese momento, pero sentí que ya era tiempo de publicar y lo hice.

Al principio dijiste que lo editaste vos, ¿cómo fue eso?
Sí, cuando decidí sacar el libro comencé a averiguar para editar. Ya tenía en la cabeza la idea de hacer una editorial, así que cómo creí que las editoriales chicas no me iban a dar más de lo que yo podía hacer, me decidí a editarlo. Pensé que era la excusa perfecta para comenzar con la editorial. Que mi primer libro escrito sea el primer libro editado por mi propia editorial, era ideal. Sí lo editaba mal iba a ser mi libro, nadie más que yo me lo iba a reprochar. Usar de chanchito de la india a mi libro. Lo hice y por suerte salió todo bastante bien.

¿Y ahora que estás haciendo?
Con respecto a mi yo escritor estoy trabajando en una novela, que si sale bien intentaré editarla este año, pero hay que ver los tiempos y si me gusta cómo queda. También tengo un blog y una página de Facebook donde subo cosas, en el blog estoy subiendo algo así como una serie, voy posteando capítulos periódicamente.
En cuanto a Hincohe, la editorial, estoy comenzando a trabajar con algunos libros, pero como es un proyecto nuevo lo voy llevando de a poco, creo que tengo que ir caminando despacio para tropezar lo menos posible, también lo pienso con mi yo escritor, mi yo músico. Aunque a veces es difícil caminar despacio y no tropezar.
Mi yo músico, Las Flores se llama la banda, somos cinco integrantes y dos de ellos son mis hermanos, este año lanzamos nuestro primer disco llamado “Lejano”, hace algunas semanas. Y si todo sale bien lo estaremos presentando en mayo. Dentro de poco habrá noticias, por lo menos eso espero.

Román Criscione es integrante de la banda Las Flores. Tiene publicado su primer libro "Relatos de un hombre incoherente". Desde el año pasado lanzó su propia editorial llamada Hincohe.