miércoles, 9 de noviembre de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "CARDENIO"




Una obra perdida de William Shakespeare del siglo XVII, traída a la actualidad con actuaciones que van más allá de la representación solemne, sino al juego en el escenario. Con gran despliegue de voces, la agilidad corporal de los actores protagonistas del drama amoroso, que surge en lo largo de la obra, es admirable.

Sin rodeos se sabe cuál es el conflicto principal y a raíz de eso se empieza a crear, recrear e intervenir mutuamente entre los actores para que esta pieza nos haga descontracturar y sobre todo reírnos, desde un texto que es complejo, pero cabe destacar que los actores lo resuelven con mucho dinamismo, capacidad y mucho humor.

Cardenio nos cuenta la historia de un joven campesino, interpretado por Felipe Colombo que sorprende con su interpretación, que se arriesga y sobre todo hace propio todo dialogo que establece; este personaje se enamora de Luscinda, que cabe destacar el nivel de comicidad en sus gestos y acciones corporales por parte de la actriz interpretante. A la vez el amigo de Cardenio, Fernando hijo del Duque, también se enamora de Luscinda pero éste está comprometido con Dorotea y culpa de esto se desata los conflictos que llevan a esta obra a estar atentos a cada acción, palabra y entrecruce de los personajes.



Es una obra donde abarca desde la risa de los espectadores, que salen con una sonrisa de disfrute al finalizar la función, desde la música que hace más ameno el trascurso de  la historia, desde el humor sano e inteligente, ese humor agradable y sobretodo inocente.

Una obra con gran variedad de interpretaciones, con actores muy dúctiles que se encargan de hacer verosímil lo que dicen pero sin salir de época, que lo hace tan atrayente que es simpatizante al espectador.



Cardenio es una obra que pueden disfrutar tanto grandes, como adolescente porque tiene esos condimentos necesarios para que la familia pueda disfrutarlo. Se presenta los sábados y  domingos a las 20 hs en el teatro 25 De Mayo, en Av. Triunvirato 4444, CABA.

Ficha técnico artística:

Dramaturgia: William Shakespeare y John Fletcher.
Elenco: Arturo Bonín, Felipe Colombo, Talo Silveyra, Mercedes Lambre, Ariadna Asturzzi, Ernesto Larrese, Marcos Woinski, Pablo Mariuzzi, Agustín Maradei, Florencio Laborda y Nano Porras.
Dirección musical en vivo: Héctor Romero.
Vestuario: Mini Zuccheri.
Escenografía: Rosa Cohen.
Iluminación: Patricio Orozco.
Fotografía: Tadeo Jones.
Diseño Gráfico: Próspero Producciones.
PrensaOctavia Comunicación
Producción ejecutiva: Manuel Burak.
Traducción, adaptación y dirección: Patricio Orozco.
Crítica:: Leandro Giottonini



lunes, 7 de noviembre de 2016

CRÍTICA AL SHOW AUTOMARTIN 3 D




Una energía diferente, especialmente para un domingo en el que se presentaron, pintando el último día del fin de semana de abrumadora energía de sábado, pero no solo por su espectacular música, sino también por el ambiente que se generó donde los espectadores se veían muy a gusto a entrar a esta dimensión, predispuestos a esta forma de arte en combinación de música electrónica con imágenes en 3D, que te atrapaban sin dejarte ir… o nosotros mismos sin querer hacerlo.

Automartin 3D es un show audiovisual integrado por el dúo de Sonsoles Romero y Martin Duarte, donde combinan música electrónica con imágenes en 3D. Un show atractivo que recorrió varios lugares del mundo, entre ellos Alemania, España, etc. Donde con el videoarte, las animaciones se entrelazan con la electrónica para ofrecernos un viaje del que no queremos salir, donde se pierde la noción del tiempo.
Un show donde las expectativas se cumplen e inclusive van un poco más allá, para que los espectadores sientan esa pasión y esas vibraciones que nos quieren transmitir. Una presentación que te hace perderte en esas imágenes en  tercera dimensión, muy bien logrado entrelazado con la música.

Automartin 3D da esa sensación al finalizar que queres mas, donde fue una previa a la diversión pura, pero como toda presentación debe durar el tiempo estimado dejando con ganas de seguir entrando en ese mundo. Parecía ser el inicio (por cuestión de tiempo) de una gran fiesta, que bien merecido tiene haber recorrido varios lugares.

Automartin 3D se presentó por tercera vez en Buenos Aires el pasado domingo 30 de Octubre en Espacio Marte a las 20 hs.


Ficha técnico artística
Música, animación, videoarte: Sonsoles Romero y Martín Duarte
Crítica: Leandro Giottonini




sábado, 5 de noviembre de 2016

CRÍTICA DE LA OBRA TEATRAL "DE MUERTE ANDAMOS"



“De Muerte Andamos” es una obra que se presenta en el teatro DEL PASILLO, todos los sábados a las 21:00 hs.

Con dirección y puesta en escena de Fernanda Gómez, este cuento nos empapa de la tradición del mundo antiguo; nos lleva por los rincones del globo, para descubrir la representación de la sombra que atormenta a todos los mortales. Lleva muchos nombres y denominaciones. Temida, odiada, aún más difícil ansiada por algunos la Parca o simplemente la muerte, nuestra compañera invisible, en el que será nuestro último y más liberador viaje.

Nuestra anfitriona nos dibuja en su línea de tiempo y espacio, viajando en una carabela de ensueño, por los lugares y épocas más distantes. Desde leyendas de tragedias y amores inconclusos, nos deja percibir los perfumes, escuchar las voces y palpar cada lugar, cada personaje.      

Los invito a entrar a un mundo distinto, a embriagar sus sentidos, a compartir con  nuestra dama de alegres colores, su mundo y descubrir que la muerte no es como la pintan.

La protagonista nos va llevando lentamente dentro de su relato y nos muestra de manera muy gráfica y sencilla las distintas culturas, sea un luto color negro como en occidente o blanco como en oriente, hasta el rojo utilizado en el antiguo Egipto y el imperio romano.

El diseño escénico es muy solemne y complementa la puesta en escena de todos sus aspectos. El vestuario, impactante, lleno de vida y armonía acompañando siempre al relato y sus distintos momentos. La iluminación nos transporta por las distintas épocas de esta historia llena de luz y de sombras, siempre en sincronización con la música que nos conduce como entre sueños a esos lugares y tiempos de antaño.
Les recomiendo ir a transitar por este suceso teatral; para develar de forma ceremonial  los distintos preceptos y prejuicios sobre la muerte.

Funciones: Sábados a las 21
Teatro del Pasillo: Colombres 35. CABA
Reservas e informes: 49815167/44310028 
 Localidades $130 – Estudiantes y jubilados $100
Facebook: De Muerte Andamos

Silvia Copello Narradora
Fernanda Gómez Dirección y Puesta en Escena
Erika Brandauer Música y Arreglos
Paula de la Cruz Asistente de Escena
Pablo Angulo Voces y Percusión
Mariano Pozzi Diseño Luces y Operación Técnica
Lidia Nuñez Anfitriona de Sala
Fotos Grise Simonelli
PRENSA: TEHAGOLAPRENSA

Crítica: Adrián Ferreyra




jueves, 3 de noviembre de 2016

CRÍTICA A LA OBRA "DEVENIR AMOR"




Todos estamos  influenciados por algo que paradójicamente se le llama amor, ya sea para bien o la trasformación de éste en algo más fuerte. De esto, y cómo nos hemos relacionado con él durante toda la vida es como nos vamos a manejar en ella. Es así como vemos como se manejaron estos personajes, o como pudieron a partir del amor.

Una conversaciones, unas situaciones, unas anécdotas en donde uno puede sentirse identificado con facilidad. Con diálogos y tensiones que  van directo al espectador, que no necesitan metáforas, van directo donde uno necesita que vaya. Una catarsis constante de algo que puede parecer ingenuo, pero para nada lo es y es así… el amor inquieta.

Devenir Amor nos cuenta la historia de 4 pacientes esperando en una sala que llegue el terapeuta para comenzar con la sesión grupal, con personas totalmente diferentes, donde nadie tiene que ver con nadie… o sí. El terapeuta nunca llega, así lo anuncia su secretaria, quien tiene mucho para decir, tiene mucho por expresar y así se suma a estos individuos.  Por lo cual estos pacientes y la secretaria comienzan a interactuar entre ellos para enfrentar, asimilar, conocer o simplemente porque lo necesitaban. Con actuaciones que vale destacar, con una naturalidad atrayente de los textos,  las formas de expresión que van más  allá de un dialogo sino cargado totalmente de sentido… sus propios sentidos para invitarnos, tácitamente, a conocerlos.

Una dirección clara y concisa en lo que quiere lograr, hacernos conmover y reírnos de nuestras propias tormentas.  Con un monologo inicial que atraviesa con lo que quiere decir, esas palabras amenas para adentrarnos a un clima problemático, un clima que cada situación tiene su grado de complejidad.
Devenir Amor nos cuenta como algo tan hermoso puede generar varios conflictos, y como cada uno se puede atar a este para justificar su forma de vida y su forma de interactuarse. Nos hace diferir en varios momentos, donde el público  simpatiza todo el tiempo con esas interacciones entre los personajes. Es una clara invitación a reírnos de nuestros propios  problemas, de nuestra forma de vivir, o muy bien logrado el objetivo, quizá, de hacernos reír ante tanto desastre.
Devenir Amor se presentó por ultima vez (en el año) el pasado viernes a las 22 horas en el Teatro La Tertulia en Gallo 826, CABA. Pero no será la última, prometen volver.

Obra: "Devenir amor" de María Florencia Balbo.

Ficha técnica:

Actúan: Leticia García, Natalia Ochoodoro, Noelia Mellea, Andrés Martínez, Fabián Calixto.
Diseño de luces: Ariel Campos Mendieta
Fotografía: Germán Sandoval
Diseño gráfico: Nicolás Bolasini
Asistencia de vestuario: Natalia Pardo
Asistencia de dirección: Daniela Yob Álvarez
Dirección: María Florencia Balbo

Crítica: Leandro Giottonini



lunes, 31 de octubre de 2016

MUJER METÁFORA Por GABRIELA LUCATELLI



Soy una mujer hecha metáfora
letra por letra me reparto
me consumo en cicatrices
que conjuran mi noche.
No sé en cuál de mis sueños
habito
sobrevuelo en mis temores
desnudo las vidas que los demás
me inventan
mientras tejo entre líneas
la que vivo.
Soy una mujer hecha metáfora.

Soy una metáfora hecha mujer. 


Gabriela Lucatelli presenta su libro el 26 de noviembre a las 17 hs en 
el Centro Cultural Brigida Walsh de la localidad de Luis Guillon (Ameghino 1640) 

VENGO A TRAER UN POCO DE MI TRISTEZA Por GABRIELA LUCATELLI

Vengo a traer un poco de mi tristeza


Vengo a traer
un poco de mi tristeza
a este mundo tan
superficial.
Agárrala o déjala,
pero recuerda
que mi tristeza no es
como las demás.

La mía es una tristeza sincera,
hermosa,
pura y natural.
Es la propia vida
que habla a través
de unos ojos que han visto
el llanto de los niños,
de las mujeres,
de toda la
humanidad.

Es la tristeza de las bocas
que nunca se tocaron.
De los cuerpos
solitarios.
De las palabras que
sobran...
... y de las que faltan.

Es la tristeza que hay
al borde de los lagos,
en la niebla,
en las sombras,
en mis manos.

Esa tristeza que te hace
querer más la vida
aun comprendiendo
el suicidio,
aun sintiendo el sabor
que tiene la muerte.
La tristeza de verse
caminando y resbalando
para luego volverse
a levantar.
La tristeza de los poetas,
de los pintores.
De aquellos
que agarran mejor
un lápiz o un pincel
que un arma.
Y así gritan al mundo.
Con confusión. Con rabia.
Con amor
desenfrenado.

Vengo a traer
un poco de mi tristeza
a este mundo tan
perfecto.
Es el mayor regalo que
puedo ofrecerte hoy.

Agárrala o déjala,
pero no juegues
con ella.

Es débil como yo.


Gabriela Lucatelli presenta su libro el 26 de noviembre a las 17 h en el Centro Cultural Brigida Walsh de la localidad de Luis Guillon (Ameghino 1640)

DOSSIER DE FOTOS AGATA SERGE







Podés encontrar el material de Agata Serge: http://www.agataserge.com/

PRESENTACIÓN DE LA NOVELA + DISCO "LA CONOCÍ EN INVIERNO" POR MATÍAS COMICCIOLLI




Hoy por hoy ya no recuerdo bien cómo comenzó el proceso de creación de la novela y el disco. Creo que tuvo que ver con un todo, con una acumulación de diferentes cosas que a la larga terminaron rebalsando.

Comencé a escribir lo primero que se me ocurría o lo primero que podía ver alrededor mío. Pienso que en todos lados pasan cosas, pero para llevarlas al papel o a un grabador hay que estar dispuesto a prestarles atención.

Bueno, un poco así comencé con la historia en la que un chico conoce a una chica. Simple, básico y sencillo. Después con el tiempo fueron abriéndose los caminos que determinaron los personajes. En ese punto yo solamente actué como medio para organizar los actos… en este caso los capítulos. Al mismo tiempo aparecían las canciones.

No hubo una organización o una rutina y creo que por eso tardé tanto en terminar la historia. Tal vez había semanas o meses en donde no escribía ni componía nada absolutamente y por ahí agarraba un domingo a la tarde y me despachaba con dos temas. Sí fue más parejo al final, cuando apareció la conclusión o el cierre de la historia. Ahí agarré como una recta en bajada y le di duro.

Escribir se escribió en cualquier lado. Incluso hay letras de canciones que las están en algún rincón de un diario o en esas hojas en blanco que quedan al final de algunos libros. La novela también se escribió en muchos “formatos”, usé la pc, la notebook, un cuaderno anillado que siempre llevo conmigo, muchos papeles sueltos, fotocopias que ya no sirven, notas rápidas en el celular… incluso llegué a usar cosas que había escrito hacía por lo menos diez años atrás. ¡Un Frankenstein!

Por eso digo que el mayor trabajo fue el de dar un orden a todo ese caos… igual quedó bastante caótico todo. Quiero decir, no hay un orden establecido para seguir la novela junto con el disco. Ambos forman parte de un todo y nunca los pensé ni los veo como algo separado, si bien cada uno mantiene la individualidad característica de su formato. Podés escuchar el disco tranquilamente sin leer la novela y viceversa, y los vas a entender y va a estar todo bien. Ahora, yo los hice como un todo, como algo indivisible y que uno no es nada sin el otro… después la gente puede hacer lo que quiera, ya no depende de mí.

El libro también está “alimentado” de muchas lecturas. Hay muchas citas a otros escritores, a sus obras y a sus personajes. No hice un ejercicio de memoria para recurrir a ellos, fui utilizando todas las lecturas que iba teniendo mientras escribía la historia.

Obviamente que como personajes en sí mismo me quedaron muchos sin mencionar, pero trate de que formen parte aquellos que más tienen que ver con Benjamín el protagonista de mi historia. De esta manera aparecen por ejemplo libros como “El túnel”, “La naranja mecánica”, “El guardián entre el centeno”, “La senda del perdedor” y “La ciudad y los perros”. Hay una fuerte referencia también de “El lobo estepario” de Hesse y “En el camino” de Kerouac. Y como personajes a los que me referí y que por otro lado me gustaría conocer aparecen Holden Caulfield, Henry Chinaski, el joven Alex, el “Poeta” y Juan Pablo Castel (el pintor que mató a María Iribarne).

También hay algunas escenas del libro en las que traté de recrear algún momento preciso de alguna de las novelas que siempre me gustaron. Como esa especie de homenaje que hacen algunos directores de cine con sus propias escenas. No están escondidas, están a la vista de todos, pero tenes que haber leído y tener muy fresca la novela a la que hago referencia.

Así seguí armando un poco el rompecabezas: entre las novelas que leía, las citas que marcaba con lápiz sobre los libros y los personajes que iban quedando en mi cabeza.
También traté (no sé si lo logré) de musicalizar muchas partes de la historia. No me refiero a las canciones y al disco, sino a canciones y a intérpretes que escuchan los personajes o que están sonando en ese momento en algún ambiente. Eso también me divirtió mucho y me llevó a escuchar nuevamente discos que me encantaron y que en su momento formaron parte de mi vida. Hay varios pero los que se me vienen en este momento a la cabeza por ejemplo son canciones de Neil Young, Bruce Sprigsteen, The Who y Pearl Jam por ejemplo. También hay bandas británicas de los noventa como “Oasis”, “Stone Roses” “Pulp”, “Blur” y “Radiohead”. Nada, están, aparecen, son mencionadas y son parte del marco que recrea la historia.

Después el disco de “La conocí en invierno” por ahí no tiene nada que ver en estilo o sonido, pero esas composiciones nacen de ese marco que tiene la novela y son un producto de su protagonista. Tenían que estar porque son su materia prima. Por alguna extraña razón me autoimpuse, sin ningún sentido lógico o de preferencia, dejar afuera a artistas argentinos o bandas de aca. Había algo que me decía que no. Una excusa tal vez. Ahora para “revertir” mi falta estoy tratando de armar una historia atravesada por el under porteño de fines de los ochenta y el punk rock que escuchábamos en esa época. Veremos que sale.

Bueno pero por lo pronto presentamos todo este proyecto el 10 de noviembre en MU. Siempre me refiero en plural porque hay un montón de personas que me ayudaron, y subrayo, desinteresadamente, para poder llevar adelante todo esto. Desde la editorial Hincohe, hasta Marian Anderson que canta conmigo y que hizo las voces y los coros en el disco, pasando también por los hermanos Criscione que compusieron los pasajes instrumentales y a Alejo que laburó muchísimo en los arreglos y en la mezcla de los temas.

A mí en lo personal el disco y el libro me encantan. El diseño de la tapa y el packaging que hice de manera súper artesanal también me gustan mucho. Creo que el proyecto quedó satisfactoriamente terminado y estoy muy orgulloso de él y de toda la gente que estuvo detrás de él. Es un poco una redundancia porque qué te voy a decir yo si soy como el padre. Es como decir que el hijo de uno es feo y no está conforme con él.

A mi este nuevo hijito me encanta y me pone muy contento presentarlo.

lltv: Matías Comicciolli presenta su disco + novela en próximo 10 en Hipólito Yrigoyen 1440, CABA. Mu Punto de Encuentro a las 19 hs.


CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "I: UNA BUENA PREGUNTITA BANAL"




Una profundidad en algo que comienza con la simpleza de la cotidianidad, donde el mundo en este lugar indefinido va llevando a crear en cada uno un arrebato de lo interno y saber que todo tiene respuesta, y todo lleva a eso.

Mientras todo va llevando a un desglose en la vida de un simple hombre, que recurre a un centro de informaciones, las cosas comienzan a ser más complejas. Ya que este hombre,  de un carácter sereno, con una buena y entretenida expresión que se hace amena al espectador, busca una respuesta, o tal vez sin saberlo… muchas. El empleado burócrata de este centro lo va sacando de ese lugar cómodo donde nada le puede pasar, invirtiendo los roles para que este simple hombre se pregunte cosas propias a él mismo.

Un empleado que está sometido a una abducción de su mente en su espacio laboral, que nadie puede moverlo de ahí, que su seguridad está en esa cárcel electa y así enfrentarse y tomar ese papel que le compete, la autoridad. Una autoridad que le da rienda suelta a jugar con las preguntas del hombre desorientado, para volverlo atento a lo que realmente necesita saber… algo que todos sabemos que nos pasara pero no cuando.

La obra cuenta como de algo tan simple, como preguntar a qué hora pasa un tren, puede llevar a saber que nos depara el futuro, sin ser tan valiente de preguntarlo en un primer momento.

Una Buena Preguntita Banal es una espectacular obra, con actuaciones amplias e histriónicas, escrita por el dramaturgo francés  Jean Tardieu en 1955, presentándose por primera vez en Argentina y dirigida por el estadounidense George Lewis que abarca desde una escenografía metafórica de la jaula de la mente de un empleado a una simpleza profunda de un hombre que busca su propia comprensión.

Una Buena Preguntita banal se presenta todos los sábados a las 21 hs. En el teatro El Método Kairós, El Salvador 4530, CABA.

Ficha técnico / artística 
Dramaturgia: Jean Tardieu
Actuación: Federico Falasco y Diego De Paula
Música: Steve Reich, The Shirelles
Diseño de luces: Christian Gadea
Logo y Diseño gráfico: Carlos Coccia
Realización de vestuario: Sandra Iurcovich
Diseño de escenografía: Sandra Iurcovich
Realización de escenografía: Duilio Della Pittima
Fotografía: Santiago Legón
Prensa: 
Octavia Comunicación
Producción: 
Alejandra Endler
Producción General: George Lewis y Gustavo Maggi
Asistente de dirección: Alejandra Endler
Dirección: George Lewis

Crítica: Leandro Giottonini

martes, 25 de octubre de 2016

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EL ÁNGEL CAÍDO"



Las ironías, una espectacular forma de buscar la comicidad en una obra donde se tocan temas religiosos pero desde otro punto de vista… la comedia.

Lo solemne no está presente en esta obra, ya que la combinación de temas serios con su parodia correspondiente hace un resultado brillante. Donde la historia, de un guion muy bien redactado, te atrapa del momento cero con unos actores con una gran verosimilitud, donde esa fantasía es realidad.

La historia cuenta a Dios de paseo por la tierra resolviendo temas pendientes, como el destino entre ellos, junto a un ángel bastante rebelde donde la disputa crece y se desarrolla mediante el cuestionamiento de éste ante las decisiones, palabras, contradicciones, puntos de vista y caprichos del mismo Dios. Estos dos se encuentran con un actor de Berlín que está a punto de tomar una gran decisión, y son estos personajes angelicales que deben ayudarlo en esa decisión desde una mirada neutra, aunque resulte difícil.
El juego se vuelve atrayente a la mirada del espectador que goza y disfruta cada pregunta y respuesta entre Dios y el ángel rebelde, que es este el encargado, mediante su sentido del humor, su frescura, su rebeldía, su entereza, y sobre todo su postura ante sus propios pensamientos y opiniones, el encargado de darle esa chispa controversial.
Unos diálogos que sobresalen por su  excelencia creando en la trama un hilo conductor que no deja que tu atención se despiste, manteniendo siempre alerta ante cada movimiento.

El Ángel Caído, sin lugar a dudas, está hecho para crear en el espectador una mirada diferente, otro punto de vista ya que la historia genera reírnos de nuestras propias creencias.

El Ángel Caído se presenta los viernes a las 22 hs. En el teatro El Ojo, Juan Domingo Perón 2115, CABA.


Ficha Técnica:

Autor: Luis Agustoni
Intérpretes: Fernando Ricco, Gastón Padovan y Luis Agustoni
Asistencia de Dirección: Gloria Arscott
Escenografía y Vestuario: Nadia Casaux
Iluminación: Diego Gómez Leite
Diseño y Fotos: Santiago Rapela; 
Producción Ejecutiva: Teatro El Ojo
Dirección: Luis Agustoni
Prensa: Silvina Pizarro


Crítica: Leandro Giottonini