CRITICA A LA OBRA TEATRAL "PORNOGRAFÍA SENTIMENTAL"

Desde su inicio, Pornografía Sentimental  invita al espectador a ser parte de su intimidad y a dejarse atravesar por cada una de las situaciones que se plantean, abre la puerta para que todo aquel que los visita viaje con ellos, hacia el equívoco significado del amor, de las relaciones interpersonales y de la vida, que reina en la sociedad y que de apoco apaga la luz de la existencia.

Seis (6) actores constantemente en escena, uno (1) que ingresa de vez en cuando a modificar lo que sucede y un grupo de apoyo que participa en la creación colectiva. El espectador es parte, no se oculta el procedimiento, se ve todo lo que sucede, no es una representación realista, pero a su vez sí, es tan real que da risa y estremece, es la vida.

Cuerpos en movimiento, cuerpos estáticos, cuerpos que proyectan desde su quietud y desde su constante movimiento, voces que envuelven y que cuentan, voces que gritan la cruda realidad del “amor”, mientras este tapa la violencia, al minimizar de manera graciosa lo que se dice y lo que se hace. 

La sobre estimulación y la acumulación son los causantes de la explosión que permite volver al eje de la trama y logra conmocionar e interpelar al espectador mientras  pasa de la alegría a la tristeza, al ser consciente de la realidad en la que vive.

Estéticamente la puesta es atractiva, la variedad de colores en la escenografía y en el vestuario de los actores y actrices son como una llama encendida y es inevitable perderlos. Desde la división escénica del espacio se presenta a los personajes y sus particularidades, para después relacionarlos entre si hasta el punto de no importar quienes son… Son uno solo, un alma que pide a gritos respeto y amor. La música, el canto y el baile acompañan este lindo transitar e intervienen la acción dramática, modifican los cuerpos, el ritmo y el estar.

Es notable la diversión con la que están en escena, se siente el disfrute, el amor y la pasión por lo que hacen. Actores talentosos, mucho juego, espontaneidad y amistad es tan solo el resumen de todo lo se encuentra en esta obra y lo que la hace única.

La Compañía Pablito no clavó nada, no deja de sorprender y de sacar miles de sonrisas con cada obra que estrenan. Realmente es un regalo poder ser testigo y parte de cada uno de sus trabajos, se nota la buena energía, la complicidad y el juego en que se ven inmersos cada uno de los actores y actrices, lo que les permite ser auténticos, estar para ellos y al mismo tiempo para el espectador.  Es un teatro que invita a la reflexión, revitaliza y da vida. Por ahora Pornografía Sentimental dice un adiós y hasta pronto, para darle paso a Nada Especial, otro espectáculo que tiene mucho por decir y transmitir.

Intérpretes: Rocío Caldés, Sebastián Llamas Andrés Gavaldá, Concepción Covello, Lucia Corral y German Rodríguez Estráviz

FICHA TÉCNICA

Dirección: Braian Alonso

Dramaturgia: Juan Pablo Ruiz

Asistencia de Dirección: Nicole Helman

Coordinación de producción: Marcela Andrés

Asistencia de producción: Ignacio Pozzi

Diseño de escenografía: Adriana Baldani

Realización de escenografía: Andrés Gavaldá

Diseño y realización de vestuario: Tamarindo

Diseño de Iluminación: Estefanía Piotrkowski

Diseño de Maquillaje: Ariadna Romero

Asistencia de Maquillaje: Juan Pablo Ruiz

Los maquillajes son realizados por los intérpretes

Diseño Gráfico: Josefina Tarquini

Fotografía: Ignacio Tomé y Sergio Bosco

Realización audiovisual: Julián Cardoso

Asesoramiento y composición musical: Guido Cefaly, Rocío Caldés y Julián Cardoso

Critica: Alejandra Moreno

Dirección: Maza 177

Lugar: Hasta Trilce

 Función especial este sábado 15 de septiembre en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (Sarmiento 2573), a las 21h a la gorra.

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LAS PROBADORAS"

Bajo cierta penumbra se pueden ver dos mujeres, en un determinado espacio delimitado como si fuera un cubo, atrapadas con tan solo lo necesario para dormir, vigiladas desde el otro lado a través de una pantalla.

El sometimiento es el pan de cada día y la dulce espera de la muerte las mantiene vivas. Expectantes de lo que pueda pasar al ingerir cada bocado de comida, pasan los días sin noción de sol ni luna.

Sin tiempo y espacio determinado Nora y Margot deambulan entre los recuerdos del pasado, sus ansias frente al futuro, sus miedos y sus deseos. Son vigiladas por su victimario desde afuera, quien controla cada movimiento y conoce todo de ellas. Dos hermanas, dos miradas opuestas sobre la felicidad pero que confluyen en sus ansias de libertad, sometidas bajo un poder que las doblega y las obliga a hacer parte de un régimen, sin ningún tipo de beneficio pero con todas las posibilidades de encontrar la muerte.

Con una puesta en escena minimalista, Las Probadoras desde el primer contacto instalan tensión en el espectador y lo hacen parte de cada situación, logrando su total atención en el desarrollo de la obra. Cabe destacar la actuación de las actrices y del actor que en manera conjunta logran transitar diferentes estados y sumergir al espectador en ese viaje donde la ficción se ve atravesada por la realidad.

Ficha Artística

Autor: Pedro Gundesen

Intérpretes: Alejandra Hollender, Romina Moretto y Fidel Vitale

Asistente de dirección: Melania Barreiros

Dirección: Rubens Correa

Ficha Técnica

Diseño de escenografía: Natalia Byrne/Aureliano Gentile

Realización: Omar Enríquez

Diseño de vestuario: Daira Gentile

Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez

Música original y efectos sonoros: Mariano Cossa

Voz en off: Mariano Cossa

Fotografía: Alejandra López

Diseño gráfico: Martín Lehmann

Producción Ejecutiva: Melania Barreiros

Producción General: Cooperativa "Las probadoras".

Critica: Alejandra Moreno

Dirección: Av. Pres. Roque Sáenz Peña 943 CABA

Funciones: Sábados, 21 hs

Lugar: Teatro del Pueblo

CRÍTICA AL FILM "EL AÑO DEL LEÓN"

El duelo. En 1977 Ridley Scott filmó una película sobre la historia de 2 militares franceses durante el período de las guerras napoleónicas. Su origen es un relato magnífico de Joseph Conrad. Estos soldados se la pasaron desafiándose y peleando en el transcurso de los años, sin poder ni querer evitarlo. Una joya. El duelo, tal el planteo de la directora Mercedes Laborde, es una dura, seca, agobiante disputa consigo mismo.

Flavia, pos fallecimiento de León su pareja, pasa sus días bajo el signo del dolor, constante, crónico, silencioso, aplastante. Flavia es una mujer de unos 40 años intentando seguir con su vida como puede. Le entrega el auto de León y otros papeles a la ex mujer, que al parecer se los ha reclamado judicialmente.

A cambio, le es “depositada” la hija adolescente de León, Lucía, que como muchos adolescentes es conflictiva y la agobia con reclamos. La chica le reclama a Flavia asuntos que se solicitan a una madre y Flavia no puede, ni desea hacerse cargo. Conoce a algunos hombres los cuales resultan apenas una forma de distracción, un oasis, en la zona desierta que lo cotidiano en su vida se ha convertido. El tema de la maternidad al parecer no contemplado por ella, ahora es motivo de observación dado el contacto sexual con otros hombres, y por un comentario de Lucía: León le habría confesado que no quería tener hijos con Flavia. Este conocimiento la interpela. Flavia se descubre en una nueva manera de vivir y aprende a aceptar lo que se le presenta. Entonces es cuando puede abrirse al contacto emotivo con Lucía y con todo lo nuevo que la vida le propone.

Buenas actuaciones. Tal vez la elección de otro estilo de sintaxis fílmica hubiera potenciado el relato dado la clave del mismo.

ELENCO: Lorena Vega, Malena Moirón, Julieta Vallina, Monina Monelli, Darío Guersenzvaig

FOTOGRAFÍA: Carla Stella

VESTUARIO: Franca Ostrovsky, Julián Rúgolo

EDICIÓN: Lorena Moriconi

GUIÓN Y DIRECCIÓN: Mercedes Laborde

ORIGEN: Argentina. 2018.

Crìtica: Gustavo Oviedo

 Se estrena el 6 de septiembre en MALBA, Gaumont y otras salas  

                                  

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LEO TUS LABIOS"

Leo tus labios se desenvuelve sin prisa frente a nuestros ojos, a su tiempo desnuda una historia de amor que fue olvidada por 15 años, y que un día nos toma por asalto nuevamente, poniendo a sus protagonistas ante la encrucijada de seguir igual o despertar un amor pausado por el tiempo.

Planteada en 10 capítulos, bien podría convertirse en una novela, o ser contada en el cine, ya que maneja un lenguaje que se adaptaría a diferentes formatos con facilidad. Cada capítulo puede darnos mucho más, pero los tiempos del teatro son más acotados, y Leo tus labios resume a la perfección cada uno contando lo justo para ir comprendiendo y empatizando con estas hermosas y sufridas criaturas que se aman frente a nuestros ojos.

Su dramaturga, directora y a su vez protagonista, Eloísa Tarruella no nos defrauda una vez más, sabe moverse en esto que llamamos teatro, y sabe de contar historias humanas y tiernas.

Con válidos y poéticos recursos audio visuales, que a su vez nos sirven de separadores entre capitulo y capitulo, nos endulza los ojos y permite a su vez no tener baches ni tiempos muertos, que de otra forma serian difíciles de disimular. y dichos recursos visuales, están impecablemente acompañados por la música original, pensada especialmente para la obra, juntos hacen una dupla exquisita.

La historia va y viene en el tiempo, el vestuario, el peinado y también los modos de sus protagonistas nos hacen identificar rápidamente cuando estamos en el hoy, y cuando hemos viajado en los años para ir descubriendo que les paso a estos personajes.

Julio Bambill acompaña de forma precisa y correcta a Eloísa en esta bella historia, poniendo pasión y realismo a cada letra.

Por último, dato no menos importante, Leo tus Labios la podemos ver en Teatro Pan y Arte todos los viernes, y es a la gorra, en estos tiempos no fáciles, es un gesto de solidaridad y grandeza la decisión de ponerla al alcance de los vaivenes de nuestro bolsillo, y que en tiempos difíciles nos permite seguir disfrutando del arte.

Leo tus labios tiene gusto a primer amor, a esa inocencia que más allá del dolor que podamos haber vivido, muchas veces sigue intacta en las almas nobles. 

Nueva Propuesta Teatral, con dramaturgia y dirección de Eloísa Tarruella / Intérpretes: Eloísa Tarruella y Julio Bambill /

Prensa: Silvina Pizarro

Funciones: viernes, 21 hs. / Sala: Pan y Arte, Boedo 876

Entrada: A LA GORRA

Crítica: Noe Ragaglia

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "TRIGO"

Los recuerdos no mueren nunca y a veces aparecen cuando menos son necesarios para afrontarlos, es por eso que esta obra impecable nos trae situaciones complejas de recuerdos, historias y cosas que se revelan.

Trigo cuenta la historia de una familia en un momento difícil económicamente, de salud de la madre, entre otras cosas que hacen la sumatoria de que todo llegue a un punto culmine y es ahí donde está el drama absoluto en esta obra. Las anécdotas amorosas y de infancias de los protagonistas son contadas con una naturalidad y sutilmente emocionante para que cada uno pueda ser bien recibido en ese cuento. Una mucama de juega un rol fundamental de energía y diversión, pero también donde toca fondo en situaciones dramáticas donde se la ve en un estado de vulnerabilidad absoluta. Donde la solución tendría que llegar a la puerta de esta casa de familia, pero en realidad lo que llega son las verdades que se van a descubrir.

Con personajes adaptados a la perfección donde cada uno de ellos cuenta con una pieza fundamental como para entretener al público, sumergirlo en una nostalgia de la que se padece, nos invita a unirse a los juegos amorosos que atraviesan la historia. Por eso cada parte de la obra se hace tan aprovechable que no se deja escapar nada de lo que quieren contar.

Una dirección e interpretaciones actorales exquisitas donde la verdad juega un rol fundamental. Desde el vamos, a través de una guitarra te envuelve en ese ambiente de campo, donde transcurre la historia. Un juego espacial e imágenes adquiridas por los personajes que vale la pena ir a verla porque una historia tan conmovedora no merece ser desaprovechada.

Trigo se presenta todos los lunes a las 20 hs. En el centro cultural El Deseo, Saavedra 569, CABA

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Roberto Cappella

Actúan: Fabian Caero, Juan Pablo Kexel, Alejandra Martínez, Martín Navarro, Ivana Sabatini, Mariano Ulanovsky

Vestuario: Inés Sceppacuercia

Escenografía: Inés Sceppacuercia

Diseño de luces: José Binetti

Video: Mora Kexel, Martina Mena

Música original: Martín Navarro

Fotografía: Laly Gattinoni

Diseño gráfico: Roberto Cappella, Maria Eugenia Gómez

Asistencia de dirección: Maria Eugenia Gómez

Dirección: Fabian Caero, Roberto Cappella

Prensa: Tehagolaprensa

Crítica: Leandro Giottonini

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "BERTA"

Es inevitable no sentirse interceptado por esta historia porque tiene similitud de una u otra manera con la historia de uno, en las anécdotas, en los recuerdos, las relaciones familiares, entre otros factores emocionantes. Cuando eso sucede en una obra de teatro se produce un agradecimiento sincero y el arte de transformar cumple su objetivo. No salís como entras, salís modificado. Algo toca.

Berta cuenta la historia de una anciana, que de cierta manera reclama constantemente el olvido de su hija por no ir a verla de manera seguida, pero es ella misma quien aprovecha sus momentos de soledad para hacer lo que siempre tal vez quiso: volver al pasado. Pero de una manera diferente, a través de los sueños lucidos. Es de esta manera que ella puede tener control de sus acciones y es ahí donde se cuentan las partes mas emocionantes y elegidas de forma sutil y románticamente por el dramaturgo, que en este caso es también el director de la obra, Fernando Lozano, quien lleva adelante esta pieza enriquecedora.

Otros condimentos que hacen de esta obra una bella y amena cita con las emociones, son los recuerdos, cosas que pensamos que olvidamos pero que están en uno, inconscientemente. Por eso que en la historia se va hilando una cotidianeidad atrapante, donde el humor y la ironía también juegan un rol fundamental. Se ve a los actores divertirse, pero sin salir de esa concentración que hacer que Berta sea una obra que vale la pena ir a ver y disfrutar de cada una de las escenas que los actores y director quieren regalarnos.

Cabe destacar las actuaciones lucidas y lo bien que son interpretados los personajes y la versatilidad actoral en varios de ellos. Donde se incorpora la música y el canto, que hacen que esta tenga todo para atraparte y sonreír en reiteradas ocasiones ante cada situación. Esta obra está encargada de generar un clima amable y muy merecidamente logra esa responsabilidad. La emoción es la protagonista indiscutible.

Berta se presenta todos los sábados a las 20 hs. En el Teatro Buenas Artes Social Club, Guatemala 4484, CABA.

FICHA TECNICA

Dramaturgia:

Fernando Lozano

Actúan:

Renato De Tellería, María Cecilia Duran, Samantha Izarrualde Gonzalez, Carlos Leonardo Trejo, Javier Nahuel Urgarbieta, Eugenia Rosas, Silvia Sánchez

Diseño de vestuario:

Antonela Fucenecco

Diseño de escenografía:

Antonela Fucenecco

Dirección:

Fernando Lozano

Crítica: Lean Giottonini.

CRÍTICA A LA OBRA "VOLÁ"

Una obra que conjuga el tango, la danza, el teatro y las artes audiovisuales.

HUGO MASTROLORENZO Y AGUSTINA VIGNAU

Campeones mundiales de tanto escenario. Esta obra ha realizado una gira internacional por España, Italia, Turquía, Rusia, Japón, Colombia, Guatemala y El Salvador

Con una puesta en escena minimalista y a su vez simbólica Volá desde el primer momento introduce al espectador en un viaje, donde los hechos de un presente son las marcas de un pasado.

La existencia de dos espacios dramáticos conviviendo desde diferentes unidades de tiempo da la sensación de continuidad. El desarrollo de las situaciones propuestas en cada proyección audiovisual se lleva a cabo en el aquí y ahora  a través del cuerpo. La danza es la principal protagonista, centra la atención del espectador en cada movimiento del cuerpo de los intérpretes y de las sensaciones que se producen al verlos bailar, mientras cuentan la historia al son de unos buenos tangos.

La historia de un amor frustrado contada a través de fragmentos de letras de tango reviven recuerdos del pasado, que inevitablemente dan un toque de nostalgia frente al amor que se ve truncado y convoca al espectador a preguntarse el porqué del fin de este amor.

La creación audiovisual complementa el espacio escénico dispuesto para la danza. Este espacio está libre de escenografía y se establece una comunión entre estos dos que permite el desarrollo del relato. El despliegue de los intérpretes es increíble, es notable el profesionalismo, la pasión y la entrega con que viven el momento y regalan al espectador este viaje maravilloso en el que conviven diferentes disciplinas artísticas.

Cuatro artes fusionadas que entrelazadas llevan el hilo del relato, instalan un ritmo y un código en la forma de contar que hace que el espectador entre en esté y pueda seguirlo. Su impronta fresca y atractiva con su variedad elementos artísticos permite la total integración y distención del mismo frente a lo que está viendo. Es un espectáculo que con seguridad inyecta una chispa de la esencia de nuestra querida Argentina.  

Intérpretes: Agustina Vignau y Hugo Mastrolorenzo

Realización audiovisual: MANDINGA Estuadio Audiovisual

Realizadores: Hernán Alcaraz, Javier Cerruti, Ana Nigri Y Florencia Nussbaum

Fotografía: Mihoko Sakata, Paola Evelina Gallarato   

Edición Musical: Osky Wabemaster

Violonchelo: Karmen Rencar

Asistente: Débora Mastrolorenzo, Emanuel Pomillio

Locación corto: “Lo Rafael”

Vestuario: Gloria Bermúdez, Miguel Mancera, Alberto Mauri

Maquillaje y caracterización: Rebeca Martínez, Gonzalo Pazos

Iluminación: Facundo Febles

Prensa: Octavia Comunicación

Producción General: Agustina Vignau y Hugo Mastrolorenzo

Coreografía y Dirección: Hugo Mastrolorenzo

Critica: Alejandra Moreno

Dirección: Guevara 326 CABA

Funciones: Viernes, 23:00 hs (03 - 10 - 24 y 31 de agosto)

Lugar: El Galpón de Guevara

Crítica a la obra teatral "Default"

En un principio, parece que estamos en presencia de unos personajes salidos de un film de Tarantino. Groseros, soeces, atractivos, un tanto violentos, cínicos, de una gracia corrosiva. Pero no: son bien nuestros.

Estos muchachos, capaces de pequeños y grandes “negociados” (ojo que hablamos de negociados, no de negocios). Siempre están donde se debe estar para estos asuntos: cerca de los que deciden, los que cortan el bacalao. Para hacerles la vida fácil a unos pocos y de miseria a muchos.

Hablan de tabaco, de cigarrillos, de fumar, de fuego, de cenizas, de humo invadiendo todas las cosas, de tamaño. El tamaño de las cosas es lo que importa. La conversación los remita al pasado, a lo iniciático de cada uno de ellos, al machismo mal entendido por mal aprendido, al aprendizaje de la humillación, como doctrina y culto. Porque me la banco soy macho. Y como tal, piso, escupo, denigro: la ley del gallinero. Más grandes ya, subliman: hacen “negociados”. El mundo es aquello que está allí para tomarlo por asalto, del cuello, usarlo, apropiarse de él. Violarlo.

Buenos muchachos.

El espacio: un micrófono, una tarima con una notebook, banquetas, etc. todo se convierte en manos de los tres actores en dispositivos precisos, cuasi minimalistas, potentes materiales del discurso escénico. La luz, casi siempre fría, y la música, estridente, algunas veces chirriante, otras sensualmente filosa, dan cuenta de este mundillo hostil.

La actuación es visceral y empuja el relato a fuerza de acción, y de un texto plagado de un imaginario de cinismo y degradación, que resuena acorde con muchas situaciones conocidas por estas tierras.

La dirección de Guillermo Ghio es precisa y propone una lúdica ominosidad.

El espectáculo nos invita a asistir como espectadores, del juego abusivo y enloquecido de unos niños crueles, que una vez crecidos juegan al juego que mejor saben y más les gusta: tomar la medida de las cosas. Y de las personas.

Para luego usarlas y tirarlas.

Cómo es que se llaman esa especie de pilotos que se usan y se tiran?

Buen espectáculo en un teatro cálido y acogedor.

ELENCO: Norberto Portal, Patricio Schwartz, Pablo Turchi

DRAMATURGIA: Lautaro Vilo

VESTUARIO: Pheonia  Veloz

ILUMINACIÓN: Omar Possemato

MÚSICA: Javier Estrin

DIRECCIÓN: Guillermo Guio

TEATRO EL ÓPALO  Viernes 23 HS

JunÍn 380  CABA

Crítica: GUSTAVO OVIEDO