CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "JUICIO A UNA ZORRA”

Dice la sinopsis de este espectáculo “Para unos, Helena de Esparta. Para otros, Helena de Troya. Para todos, la culpable de desencadenar la guerra más famosa de la historia. Pero... ¿quién escribe la historia?”

Y de eso se trata. De quién escribe la Historia. O de cómo el régimen patriarcal viene sobreviviendo desde los siglos de los siglos. Aunque su puesto empieza a tambalear y su mirada a ser cuestionada, ¡ya era hora!

Así de la mano del unipersonal escrito inteligentemente por Miguel del Arco, escuchamos la Historia, esta vez, contada por Helena. Nos detendremos en “pequeños grandes detalles” que la Historia eligió omitir y que, tanto Corina Fiorillo en la Dirección como Paula Ransenberg en su magistral interpretación, supieron apropiarse a la perfección.

Helena nos interpela, nos invita a su juicio, a que dictemos nuestro veredicto, pero antes, pide que su voz sea escuchada. Por una vez en su vida. Por una vez en la Historia. Porque… ¿Llegó antes a nuestros oídos el rapto de Helena por Teseo y Pirítoo a la edad de 9 años? ¿Y que luego de que ambos “echaran a suerte” quién se la quedaba haya sido Teseo quien la sometió a incontables violaciones? ¿Y que fue forzada a casarse con Menelao, un hombre que la doblaba en edad, a los 14 años?

Por supuesto que no. Pero sí se la ha mostrado, incansablemente, como la adúltera, como la mujer que desencadenó la Guerra de Troya, como la responsable de la humillación del Rey Menelao de Esparta y la arpía que consolidó la aniquilación de los griegos.

Y todo a costa de haber tomado una decisión. La única en su vida: enamorarse, ser feliz, amar a un hombre por sobre todo lo demás. Claro que, para la mujer, aún en los días que corren, “la libertad como la felicidad son sensaciones pasajeras”.

Depende de nosotros, partícipes de esta sociedad, que el juicio de la Historia tome otro rumbo, que el teatro independiente nos siga deleitando con espectáculos como “Juicio a una zorra” en Timbre 4, mantener la llama de la justicia encendida y nuestra sensibilidad a flor de piel para cobijar a los desprotegidos.

Depende de nosotros escuchar y abrigar, o no, a Helena de Troya…

Crítica: Carolina Avigliano

Duración: 60 minutos

TIMBRE 4

México 3554 - Capital Federal

Entrada: $ 380,00 - Viernes - 20:30 hs

Hasta el 26/07/2019

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Miguel Del Arco

Actúan: Paula Ransenberg

Diseño de maquillaje: Norbi González Moreno

Diseño de vestuario: Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño de luces: Ricardo Sica

Realización de escenografia: Tramoyistas

Fotografía: Francisco Castro Pizzo

Asistencia de iluminación: Diego Becker

Asistencia de dirección: María García De Oteyza

Asistencia De Escenas: Matias Marshall

Prensa: Antonela Santecchia

Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak

Dirección: Corina Fiorillo

ENTREVISTA LITERARIA AL PRODUCTOR Y DIRECTOR GATO MARTÍNEZ CANTO

LLTV: ¿Último libro que leíste?

GMC: Previo al estreno de “Bailar la sangre”, releí el Romancero Gitano de Lorca. Estoy leyendo también la poesía de Miguel Hernández. En estos momentos estoy a full con la ¿mal llamada? ¿Bien llamada? Generación del 27. La vigencia de todos ellos, es impresionante. En el castellano me parece que es lo último más disruptivo, sumando a Rubén Dario.

LLTV: ¿Tenés manías en el ejercicio de la lectura?

GMC: En una época tomaba notación marginal. Si no tenía un lápiz en la mano no podía leer… ahora se me están yendo las mañas. También acostumbraba a que me de culpa si no terminaba un libro. Ahora no..

LLTV: ¿Recordás haberle leído a alguien en voz alta alguna vez, haber sostenido una lectura compartida, fuera del marco de lo que son los ensayos teatrales?

GMC: Si, una experiencia maravillosa en un taller sobre lo “fantástico”, brindado por Liliana Bodoc. Fue intensivo, en un fin de semana, y uno de los mejores fines de semana de mi juventud. Me sentí tan feliz.

Aparte, todos los jueves, cuando doy clase en la material “Metodología de la Planificación en Comunicación” (Cátedra Zucchelli – UBA), previo a que arranque la clase propiamente dicha, leo una poesía o invito a leer una poesía. La verdad, es que me repito mucho, es como que tengo probados los poemas que funcionan los jueves, 21 hs. (jajaja). Éste año, cuando arranqué la cursada, me pasó algo muy lindo que es que, sin presentarme, arranqué a leer, y cuando terminé los alumnos pensaron que iba a pasar la gorra. Ahí recién me presenté y arranqué con la clase.

LLTV: Los últimos años fueron difíciles para toda actividad cultural en general. Qué perspectivas tenés  considerando que este es un año electoral.

GMC: Soy un anti neo liberal confeso y profeso. Creo que lo peor que le pasó a nuestro país a nivel político desde la vuelta de la democracia, es el gobierno de Cambiemos. Salvo por los muertos del pueblo, lo considero peor que el gobierno de De La Rúa. Lo complejo es preguntarse por qué llegamos a eso. ¿Qué nos pasó? Vienen unos años muy duros y complejos, donde la batalla será cultural o no será, en parámetros de Gramsci.  Creo que tenemos que militar un cambio de gobierno, y luego militar una mirada histórica. Darnos cuenta, de una vez por todas, que éste país mitrista es el fracaso de la batalla de Pavón.

  

LLTV: Este jueves 30 de mayo se estrenó tu nueva película “Bailar la Sangre”. ¿Con qué se va a encontrar el público?

GMC: Con una adaptación libre de Bodas de Sangre, y una película llena de amor y alegría.

LLTV: Ya habían trabajado juntos con Eloísa Tarruella una película anterior “El Objeto de mi amor” (Casi un testimonio documental). ¿Existen vínculos entre aquél material y esta nueva película?

GMC: Con Eloísa Tarruella, la codirectora, nos conocemos mucho. Hay un método de trabajo y un entendimiento, pero no hay una línea directa. Acá nos entregamos a Lorca de lleno.

LLTV: Fuiste el productor ejecutivo de “El Kiosco” la última película de Pablo Echarri. ¿Qué te dejó esa experiencia?

GMC: Me dejó una alegría inmensa y una película maravillosa, que la gente la reivindica en cada función. También una suerte de maestría al hacer una película de ficción en un contexto completamente adverso para la cultura. Hasta desde el punto de vista económico. Una película tiene un “spam” de creación y desarrollo de aproximadamente 2 años y medio / 3 años. Cuando arrancamos con la película tuvimos un rodaje con una paridad de dólar peso a 18 pesos, y la estrenamos con un dólar a 39 pesos. Con eso planteo todo un escenario para la producción y la industria audiovisual.  

LLTV: ¿Otros proyectos que estes trabajando y se puedan contar?

GMC: En vísperas de dos estrenos más, Espejos Rotos, que voy como productor (Una hermosa película de tango, con dos protagonistas europeos), y Los Indalos, donde retratamos la vida de Aurora Sanchez Nadal, en formato de road movie documental. Aurora tiene a su hermano y a su hijo detenidos y asesinados en el intento de copamiento de la Tablada, en 1989. Su hijo Iván, es un desaparecido en democracia, y sus restos no se encuentran hasta el día de hoy. Estoy también viendo si estreno éste año una película sobre los juegos de rol, o si la estreno en el 2020. Y escribiendo el guión de una adaptación de Yerma, de Lorca también; y mi primer guion de ficción.  

 "Bailar la sangre"

Estreno: 30 de mayo

Funciones: 19 h.

Cine Gaumont Espacio INCAA Km. 0 (Av. Rivadavia 1635, CABA)

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL " SUS OJOS ACUSARON AMOR"

Al mirarte mis ojos acusan amor, más acusan cuando te evoco y de eso se trata esta obra de teatro de aquellos que hemos callado, de esas palabras muertas que no salieron de nuestros labios. mirarte y recordarte, eso es amor. Todos tenemos secretos en el fondo del mar, la verdad de nuestras vidas al otro lo puede llevar a la pena de muerte. Callar no es mentir, es dejar que el otro imagine que uno es feliz, la verdad no mata pero duele. La vida es una gran mentira y todos llevamos una careta para no mostrar al mundo nuestras falencias, nuestros pecados y esos amores que nos despeinan en cada amanecer. Y lo que sugerimos es la partera de la historia, todos somos esos corderos silenciosos, simplemente por piedad al otro, por aquel que lloramos por no serle fieles, la única fidelidad que nos brindamos es con nosotros, al otro nos toca aceptarnos con nuestras elecciones.

Todo comienza con dos jóvenes mirando “Los puentes de Madison”, una gran película de alienación de la felicidad. Meryl y Clint se aman, se desean, y como dice alguna vieja canción los amores cobardes no hacen historia. Y la historia la escribimos nosotros, esas personas que nos animamos a buscarlos e interpelemos en nuestra sexualidad. Podemos ser heterosexuales u homosexuales, es una elección ante el placer, al goce. A eso este director no lo juzga, deja que los personajes sean personas plenas, sexualmente. Lo que le molesta es silencio, como Meryl no se anima vociferar ese amor por el fotógrafo. No es una obra acerca del placer o el displacer sexual, sino sobre el temor de nos ser aceptados. El personaje tiene miedo de enfrentar a su madre, ella también tiene dos diarios íntimos que cuenta su propia percepción del mundo. Lo que no te pienso contar que es lo que piensa de su hijo homosexual, ella lo intuye.

Hay un silencio que nos interroga y nos permite esbozar esa palabra felicidad. Como contrapartida de ese joven homosexual, esta una joven libertaria y a ella le toca contar su primera masturbación, escena muy erótica. Aquí se maneja una hipótesis muy jugada, se iguala a la mujer al varón en la satisfacción sexual. El Director se la juega en esta puesta de escena que es sincera. Y cuando alguien viene con relato sincero es bienvenido.

Pablo Giuliano director y dramaturgo, sabe jugar con el tiempo ficcional y te muestra un momento de la vida que no es bello. Para mostrar esos ojos que lloran tiene actores como Julian Bellaggia, Laura Correa, Julia Funari, Carlos Larranaga, quienes cumplen con altura esos silencios que nos acosan. Me quiero detener en el papel de la madre que conmueve, y uno desde la butaca desea una madre comprensiva como ella.

Una excelente obra para reflexionar.

Crítica: José Marina

Ficha técnico artística

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Paolo Giuliano

Actúan:

Julian Belleggia, Laura Correa, Julia Funari, Carlos Larrañaga

Vestuario:

Cecilia Cotognini

Escenografía:

Cecilia Cotognini

Diseño de luces:

Alejandro Wenner

Musicalización:

Leandro Marquesano, marilina mozzoni, Wilmer Rojas Sanchez

Fotografía:

Eliana Laghi

Diseño gráfico:

Virginia Cordara

Asistencia de dirección:

Virginia Cordara

Producción:

Paolo Giuliano

Dirección:

Paolo Giuliano

VIERNES 19:45 HS PARAJE ARTESON (Palestina 919)

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "A.R.C.A. Simulacro Patagónico"

¿Un mundo mejor es posible? Si está en tus deseos, es posible. Todo es posible, “lo esencial es invisible a los ojos”, lo esencial se palpa, se transpira y deja aureolas. Un mundo utópico es lo que lo que sometemos a este universo de esta obra. Un pueblo perdido, el desierto y la soledad de seres humanos que se animaron a soñar con un futuro mejor. ¿Vos todavía crees que se pude cambiar el mundo? Si, cambialo de acuerdo a tu mirada de las condiciones materiales de esta sociedad. ¿“Cambalache”, te acordás? Todo se iguala y en el tango no hay salida. Nostalgia, no un mundo donde los ideales no caigan por su peso específico. Todo es relativo dijo otro científico, la física nada tiene que ver con los condicionamientos político. Todo es político. Todo lo es, desde la decisión de pintar una pared del color que tenes a mano a salir a comprar un color que te guste. Leer esta versión de la obra es político, seguramente tenes cosas más importante que hacer. No hay nada más placentero que un anónimo te lleve a disgustarte con la realidad y a ese juego me han llamado. ¿realidad o utopía? Ese es el juego que nos propone esta obra, vos decidís de que lado de la mecha te encontrás, Redondos... tal vez.

Todo ocurre en un pueblo perdido, el desierto es su localidad. ¿Un pueblo fantasma? No lo es, tiene identidad política , tiene conciencia de posicionamiento económico y sobre todo es rebeldía. Se revela al poder centralizado, es un estado autónomo. Siguiendo con la idea que manejamos, “todo cae por su peso específico”, y sí cae el muro de Berlín, cae el peso específico del consenso. Ahora todo se regula por el precio del mercado. Y esto esta en esta obra, animate a jugar con tu ideología. Un pueblo en el desierto, tu ombligo del mundo no es un desierto. Es salitre y cactus en la soledad del asfalto. En esta obra a los personajes les han salido espinas, ellos no se resignan a la mercantilización del presente y del pasado. Ellos reclaman por un estado presente y de ahí su autonomía. Luchan por sus ideales, todo es posible mientras no aparezcan esas cuestiones de dominio de las riquezas naturales, ahí no tranzamos. ¿Y quién es el enemigo? La propia civilización. ¿Te suena el F.M.I? Acá cobra importancia, el poder externo que nos domina y vende nuestras pulsiones. Un pueblo perdido y esos deseos de tener identidad. Alegoría a lo que nos pasa, no es causalidad, un país que busca su propio destino. Y este director lo dice a viva voz.

¿Y quién narra esta historia perdida en el mundo? Genialidad de Anibal Gulluni, alguien que está disconforme con el rumbo que hemos tomado. Para esto pone voces a diferentes actores que van prefigurando un mundo feliz, que no es feliz, en política es todo comercio. Anímate a entrar en el universo de “A.R.C.A” y vas a ver a un pueblo con sus sueños e ilusiones. No te va a defraudar, o la vas odiar, indiferencia nunca. Te vas a enterar quién es el enemigo, estos actores te lo narran. Un intento Patagónico.

Crítica: José Marina

Ficha técnica:

Actúan: Flavia Bagdadi (Ifigenia); Pablo Bustamante (Dellepiane); Nicolas Cayol (Payró); Julián Cortina/Fernando De Rosa (Virgilio); Lucas Delgado (Fischer); Luna Jankowski (Eduviges); Facundo Leoni (Parravicini); Paco Pasquette (La Fiera); Cintia Schmukler (El pibe); Julia Spinelli (La Roja).

Diseño de Escenografía: Pía Drugueri

Diseño de Luces: Caio Senicato

Diseño de Vestuario: Maria del Pilar Varela

Música: Damián Ferraro, Aníbal Gulluni

Música en vivo: Damián Ferraro, Gastón Martínez  

Diseño Gráfico: Luna Shapira

Fotografía: Sofía Ferraro; Guadalupe Caro

Prensa: Correydile

Producción Ejecutiva: Lucía Asurey; Paula Uccelli

Asistente de Dirección: Lucía Torres

Dramaturgia: Aníbal Gulluni

Colaboración con dramaturgia: Julián Cortina, Damián Ferraro, Flavia Gresores.

Dirección: Aníbal Gulluni

Duración del espectáculo: 75 minutos

Domingos 17 horas

Teatro Método Kairós. El salvador 4530.

Entradas:  A la gorra

Reservas: 4831-9663

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "GERTRUDIS”

Poco nos ha dicho Shakespeare acerca de Gertrudis. El personaje de la Reina de Dinamarca, madre de Hamlet, sospechada de ser cómplice del posible asesinato de su marido y ávida de poder. No sabemos mucho más. Porque esta mujer, como ha sucedido tantas veces en la Historia, es una incógnita.

El mundo de las letras ha reflejado desde siempre lo sucedido en distintas sociedades en diversos tiempos. Llama la atención, entonces, un denominador común: el rol de la mujer siempre ha quedado desdibujado, salvo contadas ocasiones, ante las proezas de los hombres.

Y como indica la reseña del espectáculo "este particular unipersonal -precuela de la obra de William Shakespeare- nos invita a echar una mirada de género sobre la Reina de Dinamarca”.

Así, Fernando Musante, da rienda suelta a su escritura, y nos regala un universo nuevo, el mundo de Gertrudis, con sus deberes hacia su patria y las soledades en su alcoba. Con textos poéticos y una mirada crítica, el autor nos obliga a repensar los roles, nos pone de cara a los mandatos y a las contradicciones permanentes a las que se han enfrentado históricamente las mujeres.

Lo hacemos espiando la recámara de Gertrudis, en un espacio barroco, con paredes de madera, empapelados y una lámpara colgante (propios de la sala del Teatro De La Comedia) que Alejandro Mateo supo aprovechar a la perfección para que el vestuario y la escenografía, junto a la bella música original de Santiago Rosso, se fundan orgánicamente con las necesidades de la puesta.

Allí, Gertrudis escribirá una y otra vez la carta en la que contará a su hijo sobre la muerte de su padre. La veremos debatirse con sus conflictos internos, renegar de los matrimonios arreglados y de sus deberes de reina (reducidos a comportarse como una figura decorativa y a engendrar nuevos reyes), repasaremos su infancia y su falsa libertad condicionada por la Corona. Veremos a una Gertrudis humanizada, ávida de amar, de sentir con plenitud, de enamorarse por primera vez en su vida.  Y todo, gracias a la interpretación de Stella Matute, que se desdobla en distintos personajes y nos presenta a una criatura llena de matices en sus ansias por romper tabúes y abrirse a las pasiones.

Claro que tiene un gran prestidigitador que la acompaña: Santiago Doria. Un maestro de actores que hace del ritmo y las sutilezas una marca registrada en cada una de sus puestas y que sabe generar esa comunión perfecta para hipnotizar a los espectadores.

¡Para no perdérsela!

Crítica: Carolina Avigliano

Duración: 60 minutos

TEATRO LA COMEDIA - Rodriguez Peña 1062 (Caba)

Localidades: $ 400,00 - Martes - 21:00 hs.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Fernando Musante

Actúa: Stella Matute

Músicos: Bruno Bragato, Santiago Rosso

Vestuario: Alejandro Mateo

Escenografía: Alejandro Mateo

Maquillaje: Cholu Dimola

Diseño de luces: Carlos Rivadero

Realización de escenografia: Gustavo Di Sarro

Realización de vestuario: Titi Suárez

Realización de pelucas: Myriam Manelli

Música original: Santiago Rosso

Operación técnica: Julián Bisogno

Fotografía: Silvina Macri

Diseño gráfico: Pablo Hulgich

Asistencia de dirección: Graciela Ramirez

Prensa: Silvina Macri

Dirección: Santiago Doria

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "ECUESTRE (Hípica de la Fortuna)"

Lorenzo se siente un hombre derrotado. Se predispone a pasar sus años finales acostado en un viejo sillón. Siente la humillación de vivir mantenido por su hija que lo trata con disciplina de hierro. Hasta que un viejo amigo lo visita.

Es Arturo, que junto a otros amigos de sus años mozos se hacían llamar “Los jinetes de los cien barrios porteños”. Todos ellos gastaban sus horas en las milongas, los bares, las mujeres y el escolaso. En constante búsqueda de la fortuna apostaban todos en el hipódromo de Palermo.

Arturo le propone revivir aquellos días de gloria en los bailongos de las tanguerías, el tiempo en que Lorenzo, eximio bailarín, tenía a las mujeres a su disposición, Particularmente Arturo quiere volver a aquel período donde Lorenzo adivinaba los números de las apuestas y generosamente les hizo ganar enorme cantidad de dinero fácil. Pero, lo que fácil viene …

Ese es el secreto de Lorenzo: veía los números cuando bailaba con “la japonesa”, aquella misteriosa mujer que lo deslumbró, silenciosa compañera de baile, tan elegante como intrigante. Solo veía los números en la pista cuando bailaba con ella.

Un día la misteriosa oriental se fue. Y la suerte de Lorenzo terminó.

Arturo trae un tiempo de gloria, de fortuna y tal vez, del amor. Aquel que Lorenzo no tuvo ojos para apreciar mareado por la fortuna a sus piés, en el bailongo. Afortunado en el juego…

Correcto trabajo del elenco, como así también los rubros técnicos.

DRAMATURGIA: Isabel Sala

ELENCO: Hugo Bazan, Ricardo Bustos, Laura D´antonio

VESTUARIO: Cecilia Ximenes

ESCENOGRAFÍA: Taller de escenografía del Teatro El Popular, Sergio Sagiryan

ILUMINACIÓN: Eduardo Safigueroa

COREOGRAFÍA: Candelaria Cesar

DIRECCIÓN: Eduardo Bertoglio

Prensa: Correydile Prensa

                           Teatro EL POPULAR                           

Sábados 20 HS

   Chile 2080  CABA

Crítica: Gustavo Oviedo

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "SOY JAURETCHE"

¿Cómo empezar una crítica de teatro que compartís desde lo ideológico? Es imposible. No hay que quitarle público a la obra. Me es imposible, pero lo voy a intentar. Podes amar a este ciudadano u odiarlo. Yo lo amo, te lo digo a vos que pensás que la chusma molesta, yo amo la chusma. Esa es mi visión,  pero vos que no lo amas continua leyendo. Acá hay un Jauretche de piel y huesos. Si, uno de esos que se pone pantuflas y vive en un universo familiar. Lo podes amar u odiar, pero cuando un autor se mete con alguien tan conocido, la barriga te suena. A mí me sonó fuerte, podés ser aquél que piense que los cabecitas negras no tienen derechos. Animate que alguien cuestione tu visión del mundo, nadie tiene la verdad comprada. La ideología es el motor del mercado Persa, hay de todo en la viña del señor. La obra no busca convencerte de qué lado de la mecha te encontrás, te muestra un hombre de piel y huesos. Habla de un libre pensador en la vida cotidiana y a mí eso me seduce. Esas son las visiones de los próceres que a mí me elevan, no quiero ídolos de hierro. Los quiero de barro. ¿Vos te animas a cuestionar tus principios?

La objetividad en una crítica no existe, siempre uno habla desde su cosmovisión del mundo y todo hecho artístico nos interroga a nuestras zonceras cuturales.

Podemos cuestionar a “Don Arturo”, lo que no podemos decir es que no fue fiel a su pensamiento. Ahora se habla de grieta. Podemos decir que somos choripaneros, que todo los políticos son iguales y para otros el norte es Edén. Cada uno con sus ideales. Yo recojo el guante de los descamizados, vos recoge el que quieras. No podemos ser tan obtusos de no indagar en la vida de aquellos que han hecho teoría. Y “Don Arturo” es uno de esos intelectuales que ha hecho historia. Es un ser visceral, por eso es necesario entrar en su mundo. Amalo u odialo, esa es la dicotomía que te propone la obra.

”Soy Jauretche” te cuenta los últimos días de este pensador. Te lo muestra desde la cotidianidad, su relación con su mujer y como ella es en su conexión con el mundo barrial. Ella es su “pitonisa”. A lo que suma a esta relación un hombre de armas tomar, situación que ”Don Arturo” rechaza. Y un viaje, su último discurso, luego la muerte y la inmortalidad. Jauretche le dio argumentos a todos los sectores políticos. A mí me lleva a la actualidad, veo muchos políticos cambiando de bando, no son fieles a sus principios. Y él no cambió por fuerte que sean los vientos, siempre por los descamizados. Palabra con gran simbolismo histórico, era de Arturo. Evita en sus discursos dijo “mis queridos descamizados” y este pensador agradece el robo. ¿Patria o dominación? Es uno de los interrogantes de esta magistral obra.

 El dramaturgo y director de esta obra es Guillermo Salz, quien bucea entre la realidad y la ficción de este intelectual que tiene vigencia. Para Salz los intelectuales son de carne y hueso, pensamiento que comparto. Importa su legado Se nutre de actores como Juan Carrasco, en un colosal Arturo, una excelente Claudia Portas que es la chusma de esta historia. Y por último el petardista Fabián Guzmán. Tres actores para una historia creíble y honesta. Si es que la honestidad tiene un precio.

 Podemos ser de cualquier ideología, podemos ser cabecitas negras u oligarcas, no podemos dejar de ver “Soy Jauretche”, una obra bibliográfica y ficcional. Personajes que relatan un momento de nuestro país, lo mejor que sucede es que no te deja indiferente, pienses lo que pienses. 

Ficha técnica:

Libro y dirección de Guillermo Salz, protagonizada por: Juan Carrasco, Claudia Portas y Fabián Guzmán. Voces grabadas: Arturo Bonin, Claudio Rissi y Nito Artaza. Asistente de dirección: Juan Patricio Lamuedra, Diseño escénico: Guillermo Salz, Foto: Azul Carrasco. Fotos sociales - Reg. Audiovisual:Gloria Olivero / Pablo Sanz. Prensa & difusión: Alfredo Monserrat. Asistente de producción: Domenica Producción teatral.

Las funciones se realizarán todos los sábados a las 22 hs. en el teatro El Tinglado. Mario Bravo 948. CABA. Tel: 4863-1188.www.teatroeltinglado.com.ar  / contacto@teatroeltinglado.com.ar  Entradas en venta en el teatro ywww.alternativateatral.com 

Duración del a obra: 75 minutos. Entrada general: $400-. Descuento a jubilados y estudiantes.

Crítica: José Marina

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "HAIR”

Para hablar del espectáculo “Hair” hay que remitirse antes a los años ´60: a la cuna del movimiento hippie surgido en los Estados Unidos, y luego propagado a la mayoría de los países occidentales, a una corriente juvenil que se oponía a los valores de la cultura dominante, y a una masa pacifista y libertaria que abogaba las banderas de la no violencia, de la libertad sexual y de la felicidad desde una búsqueda interior en contraposición a los bienes materiales o al advenimiento de la tecnología.

Así surgía “Hair” en 1968, cuando Broadway dio a luz a su primera comedia musical con partituras de rock y una estética psicodélica llena de colores que contrastaba con los tiempos de la Guerra de Vietnam, donde poner margaritas en la boca de salida de las escopetas era revolucionario y soñar con un mundo regido por el amor era más que una utopía.

Unos años después, en 1971, la cartelera porteña estrenaba su versión local bajo la producción de Alejandro Romay y Daniel Tinayre, la dirección de Fred Reinglass y un elenco conformado por Valeria Lynch, Susan Ferrer, Horacio Fontova, Mirta Busnelli y Rubén Rada, entre otros.

El año pasado, a 50 años de su estreno en Norte América, y luego de exigentes audiciones abiertas, quedó conformado un elenco de notables artistas del mundo de la comedia musical a cargo de Pablo Gorlero en la dirección, adaptación y puesta en escenapara estaatractiva versión que tuvo su debut el pasado 3 de Mayo en la Ciudad Cultural Konex.

“El contexto social me confirmó que era el momento de revivir esta obra: el resurgimiento de la extrema derecha, el individualismo se volvió salvaje. Todo eso se vivió, y causó grandes males al mundo”, expresa Gorlero.

Han pasado 50 años, sí. Pero la lucha no se ha abandonado. Se ha transformado. Porque los jóvenes vuelven a tomar las calles y muchas de las proclamas de los ´60 pueden verse resignificadas en el feminismo; con sus banderas hacia la igualdad de género, las luchas contra la homofobia, el cese a todo tipo de violencia y la autonomía de los cuerpos. Jóvenes de ayer y de hoy que hacen frente a las normas establecidas y a una sociedad que se resiste a los cambios.

Con treinta intérpretes, ocho músicos en vivo y un equipo creativo compuesto por Juan Ignacio Lópezen los arreglos musicales, Daniel Landeaen los arreglos Vocales, Verónica Pecolloen las delicadas coreografías, Renata Schussheimen el colorido diseño de vestuario, Magali Achaen el diseño de escenografía, Gonzalo Córdovaen el diseño de lucesy Gastón Briski en el diseño de Sonido; Pablo Gorlero despliega su magia para lograr una ajustada adaptación, puesta en escena y dirección general del espectáculo.

En cuanto al elenco, el ensamble logra transmitir alegría y compromiso destacándose, dentro de los protagonistas, las participaciones de la siempre impecable Belén Ucar y la frescura incansable de Mariel Percossi.

Tal vez no importa la época, quiza sea hora, de una vez por todas, de dejar a la luz del sol entrar (como proclama la pegadiza canción del final “Let the sunshine in”), y que esa cálida energía nos oriente, hacia rumbos mejores.

Crítica: Carolina Avigliano

Ficha técnico artística

Adaptación: Pablo Gorlero

Actúan:Matías Acosta, Orlando Alfonzo, Sofía Almuina, Sacha Bercovich, Laura Bertonazzi, Cecilia Cáceres, Inbal Comedi, Nicolás Cucaro, Sergio Di Croce, Eugenia Gil Rodríguez, Camila Giudice, Agustín Iannone, Nicolás Leguizamón, Tatiana Luna, Yosi Machado, Ignacio Monna, Emanuel Ntaka, David Okada Caldas, Mariel Percossi, Manuela Perin, Micaela Pierani Méndez, Pedro Raimondi, Diego Rodriguez, Pilar Rodriguez Rey, Julián Rubino, Mayra Rubino, Sheila Saslavsky, Francisco Tortorelli, Belén Ucar, Pedro Vega

Diseño de vestuario: Renata Schussheim

Diseño de escenografía: Magali Acha

Diseño de luces: Gonzalo Córdova

Diseño De Sonido: Gastón Briski

Stage Manager: Andrés Vaulet

Comunicación: Duche-zarate

Diseño gráfico: Merci Buenos Aires

Prensa: Duche-zarate

Arreglos musicales: Juan Ignacio López

Arreglos Vocales: Daniel Landea

Producción ejecutiva: Andrés Vaulet

Coreografía:Verónica Pecollo

Puesta en escena: Pablo Gorlero

Dirección vocal: Daniel Landea

Director musical: Juan Ignacio López

Dirección general: Pablo Gorlero

CIUDAD CULTURAL KONEX

Sarmiento 3131 – Caba

Teléfono: 4864-3200

Web: http://www.cckonex.org

Funciones: Domingo, Viernes y Sábado - 21:00 hs - Hasta el 30/06/2019