CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "SOY SONIA"

Nuestras deudas más arcaicas

Reseña de Soy Sonia de Gastón Diaz.

Un proyector, una actriz, y un laberinto de palabras. Solamente con esos recursos, ingresamos en un universo de signos que nos hará extraviar por dolores familiares para todxs: la inminente muerte del padre es colocada sobre la mesa, y somos interpelados a abandonar cualquier tipo de confort. Por este drama compartido es que existen tantos dobles de la obra como padres fabulados en la sala. Cada espectador(x) es invitadx a ver lo que quiera ver, orientadx por las acciones de Sonia, el proyector, y el padre imaginario con el que cada unx lidia día a día. Los dolores y reproches que afloran son alojados y asimilados por nuestro ojo en el nombre de nuestra biografía personal.

Esto se logra solamente por la ausencia que organiza toda la obra. El padre jamás está. Es más: Sonia nos mira a nosotrxs cuando le habla. Papá está fuera de escena, en la “cuarta pared”, ajeno al pacto ficcional, en los límites de lo real. No hay padre, y esto estructura todo el relato. Hamlet sabía del tema: papá, para instituirse como tal y poder hacer incisión en la carne, necesita desaparecer, reducirse a la figura del fantasma. Asimismo, nunca vemos a Edipo matar a Layo, sino que nos enteramos de ello por testimonios fragmentados que nos llegan de a dobles. Por todos lados, el padre es huella, rastro, ausencia. El psicoanálisis es muy sabio en estas cuestiones: papá debe reducirse a una metáfora, ser “nombre del padre” para poder estructurar la cadena de significantes que nos hace acceder a lo simbólico. Siempre signo de otra cosa: como un proyector que aporta fotos y luz, haciendo las veces de huella-de-huella, signo de signo. Y aquí, como excusa para que Sonia se narre a sí misma; “me estoy convirtiendo en hija”.

Ella sostiene la situación. Toda su expresión oscila entre el desgarro y la alegría impostada. Construye una sonrisa que a la vez nos cuenta lo mucho que le está costando ofrecerla. Sus aventuras sexuales, laborales y afectivas dan testimonio de ello y le otorgan ritmo al relato. Remar contra toda corriente. Pero mantener siempre la compostura. Sostener con alfileres hasta el último momento esa sonrisa, aunque ya todos en la sala queramos que se pueda dar el lujo de explotar, enojarse, llorar y maldecir. Este malabar llega a su punto culmine en el llanto histérico mezclado con risa (logrado maravillosamente) que nos muestra sin anestesia la angustia acumulada.

La ausencia del padre también habilita la comunicación. Sonia advierte estar pudiendo hablar ahora más que en toda su vida. El silencio funciona como plataforma, posibilidad, nuevo flujo. La muerte de papá es la chance para autorizarse a unxmismx a tomar la palabra y finalmente, decir. Adueñarse de unx, de nuestros signos y sentidos, para al final descubrir lo rehenes que estamos de cualquier manera; por más que patalee contra ello, veremos cómo Sonia seguirá cayendo una y otra vez en las trampas que la llevan al auto-boicot.

Todo esto ofrece Soy Sonia. Se suma a esta línea milenaria que busca ponerle palabras y elaborar la Muerte del Padre. Hay que tener agallas para intervenir esta biblioteca interminable, pero el dramaturgo sortea el desafío con altura. Vemos marcas propias de su estilo: no explicar de más, no facilitar información al espectador, dejar la acción abierta, descarnada, en virtud de permitir que cada Padre-Fantasma en la sala complete los datos. Por eso, cada ojo podrá elegir su versión favorita de la historia, no inocente de los propios dolores. Soy Sonia nos conecta con la falta en virtud de que podamos ponerla sobre la mesa, y quizás, sanar un poquito nuestras deudas más arcaicas.

Crítica: José Ignacio Scasserra

José Ignacio Scasserra es profesor de enseñanza superior y media en filosofía. Se dedica a la investigación (CONICET) y a la docencia en la Universidad de Buenos Aires. Asimismo, se desempeña como profesor en el bachillerato popular “Maderera Córdoba” y desarrolla talleres de pensamiento en espacios culturales de forma independiente.

Funciones: sábados 21 hs. (17, 24 y 31 de agosto, y sábado 7 de septiembre)
Lugar: Espacio Sísmico (Lavalleja 960, CABA)
Entradas: $250 | Descuento jubilados y estudiantes: $200 | alternativateatral
Duración: 60 min.

Facebook: @soysoniateatro
Instagram: @soy_soniateatro

Ficha técnica:
Actriz: Virginia Pezzutti
Vestuario y Maquillaje: Laura Lucca
Ilustración: Juan Francisco Montefiori
Gráfica y Diapositivas: Agustín Colli
Diseño de luces: Romina La Cruz
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Espacio Sísmico, Liebre de Marzo, El semillero producción y gestión
Asistente de dirección: Alejandro Guerscovich
Texto y dirección: Gastón Díaz

CRITICA A LA OBRA “AGRUPACIÓN 9 DE JULIO, PRESENTE”

Un club de barrio hostigado por las deudas, a punto de caer en la quiebra y con dirigentes a los que les interesa más cuidar y llenar sus bolsillos que el bienestar de sus socios.

“Toda verdad tiene estructura de ficción” decía Jacques Lacan. Y Alejo Beccar,a través de la historia de este club de barrio, encuentra una metáfora perfecta para hablar del país, de una nación que se hunde y que al estirar el brazo en busca de ayuda encuentra más problemas que buenas oportunidades.

Los inversores extranjeros ofrecen el dinero necesario para evitar el cierre definitivo del club. Aceptarlo, implicaría abandonar las tradiciones y una pérdida total de la identidad, la promesa de “apertura” a las grandes ligas internacionales y, por supuesto, una recompensa más que onerosa para los integrantes de la comisión directiva que orienten a sus socios hacia esta fatídica decisión. Sin embargo, no todo estará perdido. Y como afortunadamente suele pasar, serán los jóvenes los que se organizarán, denunciarán y harán frente a los embates del poder. 

Este contrapunto de intereses está muy bien configurado a partir de las actuaciones de todos los integrantes del elenco, con alegatos hacia una u otra postura que reflejan  la corrupción y el beneficio individual pero también la lucha por los ideales y la necesidad de “despertar” a quienes observan pasivamente o tienen miedo de actuar frente a los poderosos de turno.

El vestuario, la iluminación y la escenografía trabajan en conjunto para caracterizar los espacios ficcionales y el paso del tiempo ante una decisión que, para bien o para mal, está a punto de explotar.

¿Dar pelea y resistir o bajar la cabeza y atenerse a las consecuencias?

Alejo Beccar lanza la pelota a la platea. Por un momento somos parte de ese colectivo de socios que deben volcarse por una u otra alternativa. Pero las luces se apagan, esa inquietud traspasa las puertas del teatro, nos acompaña en nuestro cotidiano y sigue resonando…

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Alejo Beccar

Actúan: Tomàs Claudio, Guillermo Meresman, Jorge Paz, Josefina Pignataro, Andres Rojas, Jessica Wejcman

Ambientación: Alejo Beccar

Diseño de luces: Alejo Beccar

Fotografía: Verónica Zacayan

Diseño gráfico: Nicolás Senestrari

Asesoramiento de vestuario:

 Camila Caubet

Asistencia de dirección: Camila Caubet

Producción: Teatro La Tertulia

Dirección: Alejo Beccar

Duración: 60 minutos

TEATRO  LA TERTULIA

Gallo 826 - Capital Federal

Entrada: $ 350,00 / $ 300,00 - Sábado - 21:00 hs - Hasta el Click para editar

CRITICA A LA OBRA “24 DE SEPTIEMBRE, CASI CASI PRIMAVERA”

Este unipersonal que puede verse todos los jueves en el Teatro de la Comedia es un biodrama inspirado en la vida de su protagonista nacida un 24 de Septiembre, casi casi primavera.  

Así, Carolina Setton (en la actuación) y Silvia Kanter (en la dirección) pudieron encontrar en su dramaturgia conjunta una universalidad que hace que nos identifiquemos con muchas situaciones de la obra. Y esta mujer que se sube a escena a contar su historia, sus inseguridades y fobias, su carta natal y sus relaciones sociales (familiares, de amistades o de pareja), de pronto, parecería estar contando nuestra historia o la de una amiga o la de un familiar o la de cualquier mujer independiente, de unos 30 años, que busca ser feliz en estos tiempos que corren. 

El relato viene acompañado de una fusión de diversos géneros teatrales y se afianza en la formación de la actriz que con una picardía y empatía absoluta se gana a la platea con condimentos de stand up, una pizca de clown, mucha actuación y una voz perfecta para la comedia musical.

Las canciones que van hilando los ejes temáticos de este universo femenino también responden a distintos ritmos musicales. De esta forma, nos permiten fluir entre momentos de mayor o menor intimidad, dándonos un respiro entre el humor y la invitación a la reflexión sobre nuestro mundo cotidiano. En este punto, se destaca la labor de Silvia Kanter, cuya mirada ha sido una guía para que cada monólogo cuadre perfecto con la totalidad del espectáculo, cuidando los tiempos de modo tal que el relato no decaiga nunca y que, por el contrario, tenga atrapado al espectador en todo momento (o dejándonos incluso con ganas de más).

Sin dudas este es un espectáculo para recomendar. Buena dramaturgia. Buena Actuación. Buena Dirección. Y claramente el todo es mayor a la suma de las partes.

¡Para no perdérselo!

OPINIÓN: MUY BUENO

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Silvia Kanter, Carolina Setton

Intérpretes: Carolina Setton

Peinados: Cholu Makeup

Maquillaje: Cholu Makeup

Diseño de escenografía: Gerardo Porión

Diseño de luces: Matias Canony, Mario Gómez

Realización de escenografia: Facundo Guerreschi, Gerardo Porión

Realización de objetos: Giancarlo Scrocco

Realización De Pistas: Juani Spolidoro

Música: Carolina Setton

Letras de canciones: Carolina Setton

Operación de luces: Carlos Rivadero

Operación de sonido: Nahuel Graffigna

Fotografía: Matias Astorga

Diseño gráfico: Lía Parsons

Asistencia de dirección: Gloria Arscott

Coreografía: Malena Bernardi

Coach Vocal: Dalila Real

Dirección: Silvia Kanter

Prensa: Silvina Pizarro

TEATRO LA COMEDIA

Rodriguez Peña 1062 - Caba

Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228

Web: http://www.lacomedia.com.ar

Entrada: $ 400,00 - Jueves - 21:00 hs

CRITICA A LA OBRA “MENEA PARA MI”

En su quinta temporada sigue presentándose en el Teatro El Extranjero, “Menea para mí”, el espectáculo de Mariana Bustinza que se ha valido del Premio Estrella de Mar (como mejor obra de teatro alternativo), el Premio Teatro XXI (otorgado por GETEA/UBA) y la nominación de uno de sus actores, Luciano Crispi, como mejor intérprete masculino musical off en los Premios Hugo al Teatro Musical.

Y no es para menos. Porque todo parece funcionar a la perfección en este logrado retrato de los barrios marginados y de los jóvenes que luchan por sobrevivir ante una realidad que les da la espalda.

Al ingresar, la escenografía de Agustin Leonardo Addesso se apodera de la sala. El plástico, los cartones, las telas improvisadas nos marcan un pasadizo que nos adentra en el mundo del que seremos parte. Nos envuelve a actores y espectadores haciéndonos partícipes de esas calles sin nombre de los sectores vulnerables, donde la ropa recién lavada cuelga de las sogas mezclándose con la basura que se acumula sin freno. Al mismo tiempo, los actores ya están en escena. Y mientras nos vamos ubicando, el vestuario, sus acciones y ciertos comportamientos nos terminarán de configurar el contexto social en el que se desarrollará la obra.

En este tiempo seremos un elemento importante en la comunión teatral que requiere todo espectáculo. Lo mismo harán los actores y el equipo técnico. Nosotros podremos entrar y salir. Sin embargo, nos iremos con ese trago amargo de saber que los personajes interpretados, en cambio, continuarán atrapados en una dimensión de la que es muy difícil poder escapar. 

Porque “Menea para mí” no es sólo una obra de teatro, es un impecable trabajo de investigación de lo que ocurre con las clases sociales que quedan fuera del sistema, con jóvenes que crecen entre situaciones de abuso, en contextos de violencia y de drogas, entre pandillas que pelean por dominar los barrios y que cercenan las posibilidades de un futuro mejor. En este punto es imprescindible destacar la mirada de Mariana Bustinza a cargo de la dramaturgia, las coreografías y la dirección.

“Menea para mi” cuenta la historia de Maxi, un pibe que nació en el seno de una familia villera y de las situaciones que vive con sus familiares y amigos del barrio.

En el relato, la música jugará un papel fundamental, y la cumbia (como ritmo de los pobres) tomará protagonismo. Así, de la mano del teatro testimonial, la murga, la danza teatro y la comedia musical los actores desnudarán sus personajes con una entrega física y emocional descomunal. Las composiciones son superlativas. Todos y cada uno de los intérpretes se lucen en escena y las vivencias adquieren una crudeza que duele.

Pero ese dolor es necesario, esa asfixia vale cada minuto en la platea, porque el teatro debe sacudir, interpelar e invitarnos a reflexionar. Porque todos y cada uno de nosotros somos parte de esta sociedad, que oprime y que es oprimida, y ambos roles deben ser revisados desde una premisa que parece obvia pero no lo es. Porque el personaje de Maxi, como el de tantos otros y otras sin nombre “no quieren nuestra lástima, quieren nuestro respeto”.

OPINION: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Funciones: Viernes 23:00 HS

Sala: El Extranjero, Valentín Gómez 3380 – Caba

Duración: 90 minutos.

Ficha técnico artística

Autoría: Mariana Bustinza

Actúan: Ezequiel Baquero, Vanina Cavallito, Lucho Crispi, Luciano Crispi, Ornella Fazio, Natalia Gatto, Mechi Hazaña, Mercedes Hazaña, Catalina Jure, German Matias, Mica Quintano, Micaela Quintano, Victoria Raposo, Vicky Raposo, Florencia Rebecchi, Vicky Schwint, Victoria Schwint

Escenografía: Agustin Leonardo Addesso

Iluminación: Adrián Cintioli

Música original: Facundo Salas

Operación de luces: Cristian Domini

Diseño gráfico: Addxsso

Asistencia de dirección: Angela Rodríguez Ayala

Prensa: Carolina Reznik

Producción: Flavio Milossi

Coreografía: Mariana Bustinza

Dirección musical: Facundo Salas

Dirección: Mariana Bustinza

CRITICA A LA OBRA “CYAN”

 “Cyan” es un espectáculo escrito por Pilar Fridman ganador del certamen “Óperas Primas” del Centro Cultural Ricardo Rojas.

Su trama se desarrolla entre el contrapunto de dos casas, separadas por una línea imaginaria en la que la iluminación y la escenografía adquieren simbolismos importantes.

En uno de los “ambientes” viven Bruno, María y un tercer personaje (sumamente enigmático). Ellos buscan afrontar la pérdida de sus padres a través de un vínculo algo perverso, oscuro, encerrados en sus mundos internos y obsesionados con la escritura y actuación de una obra de teatro que nunca parece encontrar cause.

En el otro vislumbramos un matrimonio acomodado conformado por Audri y Edward, ella editora, él dueño de una empresa de seguros, una pareja aburguesada y algo frívola que viven un día a día de amor ficticio.

Los límites entre ambos espacios son difusos. También lo son los vínculos entre los personajes o lo que advertimos que puede pasarles internamente. Lo mismo sucede con el color que titula la obra, una tonalidad sin límites claros entre el verde y el celeste cuya fusión es difícil de definir. De esta forma, la trama se viste de bruma y todo lo que sucede en escena se tiñe de una atmósfera imprecisa, con rasgos de humor y melancolía, de alienación e introspección, de movimientos repetitivos y miradas silentes que nos hace dar saltos permanentes en la linealidad del relato.

“No todo lo que se dice importa” se enuncia en un momento. De la misma manera, todo lo que se ve puede tener múltiples sentidos. O eso, al menos, parece denunciarnos ese tercer personaje que por momentos se presenta como un desdoblamiento de otro, pero que luego reconocemos como una entidad independiente, que observa a ratos y habla verborrágicamente en otros y que nunca llegamos a comprender del todo.

 Es éste, el mayor valor de la dramaturgia, que nos vayamos con la duda, que nos sigamos reflexionando sobre las diversas aristas que puede tener la historia porque como se dice al final, “es así, pero podría haber sido de otra manera”…

OPINION: BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Pilar Fridman

Intérpretes: Pilar Fridman, Franco De La Puente, Debora Nishimoto, Santiago Scauso, Max Suen, Daniel Surasky

Vestuario: Malena Carminio

Diseño de escenografía: Miranda Pauls

Diseño de luces: Facundo David

Subtítulos: Tirco Matute

Fotografía: Santiago Tauzin

Asistencia de dirección: Delfina Braun, Ernestina Gatti, Naomi Stein

Producción: Sonia Stigliano

Dirección de actores: Guillermina Pico

Dirección: Pilar Fridman

Prensa: Duche&Zarate

CENTRO CULTURAL RECTOR RICARDO ROJAS

Av. Corrientes 2038 - Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4954-5521 / 4954-5523

Web: http://www.rojas.uba.ar

CRITICA A LA OBRA TEATRAL “LA NIÑA VERGÜENZA”

Una mujer adulta, refinada, elegantemente vestida ingresa a una casa.

Observa los muebles, acaricia los objetos y empieza a contar su historia.

Nos adentramos en ella. Y, tímidamente, nos volvemos parte.

Porque la niña-mujer que rememora su infancia, no tiene nombre (o sí, tiene un apodo: “Buñuelo”) y esa identidad seudo vacía pareciera poder ser ocupada por una voz universal: la de la mujer que reclama un cambio de paradigma, el corrimiento del dogma patriarcal y la necesidad de ser en un mundo que la aplaca, la silencia y la oprime.

Hacia este viaje nos lleva Manuela Amosa, la actriz que maneja sutilmente la barca y que nos mece por recuerdos que oscilan entre la mirada ingenua de la niñez y las tempestades de la adultez, entre los sueños por un porvenir mejor y una realidad que nos hace darnos de bruces contra la pared, entre la voz de una inmigrante cuyo exilio terminó convirtiéndose en una cárcel y la de una hija que busca alcanzar la liberación.

La mirada de Tamara Kiper desde la dirección aporta fluidez al relato, otorgándole al uso de los objetos cotidianos y la iluminación un lugar predominante para involucrarnos con la historia, lo sensorial y lo sensible en una puesta que indaga en una cruda realidad familiar.

Una muy buena propuesta que nos invita a seguir desentrañando prácticas arraigadas en el pasado, que busca deconstruir el rol de la mujer y liberarla de los dedos acusatorios, manipuladores, acosadores y repudiables que uno tras otro empiezan a caer.

OPINIÓN: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Manuela Amosa

Actúan: Manuela Amosa

Vestuario: Cinthia Guerra

Escenografía: La Niña Vergüenza, Jose Escobar

Diseño de luces: AdrianGrimozzi

Diseño sonoro: Joaquín Segade

Fotografía: Carla Lucarella

Asistencia de dirección: Cinthia Guerra

Prensa: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Macarena Del Mastro

Dirección: Tamara Kiper

Duración: 60 minutos

TIMBRE 4

México 3554 -Caba

Web: http://www.timbre4.com

Entrada: $ 380,00 - Sábado - 20:30 hs - Hasta el 23/11/2019

Entrada: $ 380,00 - Domingo - 19:00 hs - Del 01/09/2019 al 29/09/2019

RESEÑA DE LA OBRA “J. TIMERMAN”

La obra de Eva Halac, basada en hechos y personas reales, pone en escena a dos personajes antagónicos: el periodista Jacobo Timerman, fundador de las revistas Primera Plana, Confirmado y del diario La Opinión de Buenos Aires; y el presidente de facto Alejandro Agustín Lanusse.

La excusa surge a partir de los días en los que el militar preparaba el casamiento de su hija con el cantante Roberto Rimoldi Fraga, momento de revueltas sociales, atravesadas por el inminente regreso de Perón al país, el accionar de la guerrilla, las promesas de elecciones y los intereses económicos que iban o venían tras el poderoso de turno.

Y si bien los dos protagonistas nunca sostienen entre sí un diálogo en escena, un cordón o pasillo formado con vallas parecen mostrar no sólo la sincronicidad de los hechos sino también a una Argentina en permanente trabajo de reconstrucción ante una realidad que se desmorona. Algo parecido les pasa a los protagonistas de esta historia, uno con los días contados en el gobierno y, el otro, con una postura no del todo clara en relación a las esferas del poder, sus ideas avanzadas de periodismo y los intereses personales.

Las actuaciones están a cargo de Orlando Alfonzo, Guillermo Aragones, Juan Pablo Galimberti, Cristian Majolo, Mucio Manchini, Hernán Muñoa, Leonardo Murúa, Gregorio Scala, Carlos Scornik, Ramiro Vayo y Ian Guinzburg (como actor de reemplazo).

La música en vivo es ejecutada por Gustavo García Mendy y Juan Sevlever mientras que la escenografía y el vestuario pertenece a Micaela Sleigh.

Eva Halac, desde la dramaturgia y dirección, escarba y reflexiona sobre la Historia Argentina con esta obra que puede verse en la mítica sala “Timbre 4” del barrio de Boedo.

Reseña: Carolina Avigliano

Ficha técnico artística

Texto: Eva Halac

Actúan: Orlando Alfonzo, Guillermo Aragones, Juan Pablo Galimberti, Cristian Majolo, Mucio Manchini, Hernán Muñoa, Leonardo Murúa, Gregorio Scala, Carlos Scornik, Ramiro Vayo

Actores reemplazo: Ian Guinzburg

Músicos: Gustavo García Mendy, Juan Sevlever

Vestuario: Micaela Sleigh

Escenografía: Micaela Sleigh

Iluminación: Miguel Solowej

Música original:

Gustavo García Mendy

Diseño gráfico: Andrea Torti

Asistencia de escenografía: Merlina Garcia Brunelli

Asistencia de vestuario: Merlina Garcia Brunelli

Asistencia de dirección: Jennifer Aguirre Woytkowski

Prensa: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Jennifer Aguirre Woytkowski

Dirección: Eva Halac

Duración: 75 minutos

TIMBRE 4

México 3554 - Caba - Argentina

Reservas: 4932-4395

Web: http://www.timbre4.com

Entrada: $ 380,00 - Lunes - 20:30 hs - 19/08/2019

Entrada: $ 380,00 - Sábado - 20:30 hs - 02/11/2019

CRITICA A LA OBRA “KARAMASOV”

Los hermanos Karamazov fue la última novela escrita por Fiódor Dostoyevski. Publicada en 1880, y ambientada en la Rusia del siglo XIX, pone en contradicción temas como el racionalismo, la fe, la duda, los dilemas éticos, la moralidad y el parricidio. 

Pensar trasladar la obra rusa al teatro podría parecer una empresa imposible. Sin embargo, César Brie logra salir más que airoso de su desafío.

Todos los puntos centrales de la novela están presentes en la puesta. Y este poder de síntesis, desde la dramaturgia, viene acompañado de una estética propia desde la dirección, llena de poesía visual, que sin perder su mirada crítica nos invita a reflexionar sobre aspectos inherentes al ser humano.

Los espectáculos de César Brie son oníricos. En ellos, se entrelazan distintos personajes, los objetos se transforman y las disciplinas teatrales se funden para lograr un todo lleno de magia.

La música original, a cargo de Pablo Brie, cumple un rol fundamental. Ejecutada en vivo y con algunos cantos corales por parte de los actores, genera, junto al diseño de luces, un clima intimista que traslada al espectador por los distintos momentos de la obra.

Las actuaciones están a cargo de Fernando Bender, César Brie, Emiliano Dionisi, Germán Fonzalida, Iván Hochman, Gabriela Ledo, Florencia Michalewicz y Abril Piterbarg. Algunos de ellos, construyen varios personajes, y si bien ciertos registros de actuación quedan por momentos en disonancia con el resto, se percibe un grupo comprometido y de una formación sólida que proviene de diferentes manifestaciones artísticas (teatro, danza, circo) confluyendo adecuadamente con las necesidades estéticas de esta puesta.

Tampoco se puede dejar de mencionar la acertada elección del vestuario a cargo de Mía Fabbri y Giada Fornaciari, así como el diseño ascético de la escenografía y la utilización de muñecos, una clara decisión artística de César Brie, para potenciar la crudeza de determinados momentos de la obra.

En definitiva, un espectáculo que arriesga, que invita a la reflexión, que nos llena de metáforas escénicas y que, si bien puede por momentos hacerse un tanto extenso en su duración, es un logrado trabajo con el que deleitarse un sábado por la noche.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: César Brie

Adaptación: Fêdor Dostoievski

Actúan: Fernando Bender, César Brie, Emiliano Dionisi, Germán Fonzalida, Iván Hochman, Gabriela Ledo, Florencia Michalewicz, Abril Piterbarg

Vestuario: Mia Fabbri, Giada Fornaciari

Escenografía: César Brie

Iluminación: César Brie, Sergio Taddei

Redes Sociales: Fica Creativo

Música original: Pablo Brie

Fotografía: Hernán Paulos

Prensa:Octavia Prensa

Productor asociado: Sergio Tisminetzky

Producción general:Fernando Rosen

Dirección:César Brie

Duración: 120 minutos

EL GALPÓN DE GUEVARA

Guevara 326 - Caba

Web: http://www.galpondeguevara.com

Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 28/09/2019