CRÍTICA A LA OBRA “AQUÍ CANTO GARDEL”

Con motivo del noventa aniversario del Teatro 25 de Mayo, su directora artística, Monina Bonelli, encargó a Mariano Saba (dramaturgia) y Nelson Valente (dirección), un espectáculo que hablara de un hecho paradigmático para el barrio de Villa Urquiza y este teatro: la última actuación que Carlos Gardel dio en nuestro país antes de iniciar la gira que desencadenaría en su trágico final.

Sí, Carlos Gardel cantó en lo que hoy es el Centro Cultural 25 de Mayo el 10 de septiembre de 1933. Y, este hecho, servirá de puente entre la ficción y la realidad evocando al pasado en un presente cargado de nostalgia.

Sin lugar a dudas el espectáculo es un logrado musical a cargo de Roberto Carnaghi, Omar Calicchio, Laura Silva, Alfredo Allende, Ana Rodríguezy Guido BottoFiora. Además, cuenta con la participación en vivo de la Orquesta del Tango de la Ciudad y las composiciones musicales de Néstor Marconi y Juan Carlos Cuacci.

Debo confesar que, cada tanto, me gusta quitar mi vista del escenario y recorrer al público con la mirada. Qué lindo es cuando lo que observo son caras con sonrisas y ojos cargados de emoción. Y la platea, en este caso, puede que sea un espectáculo aparte. Porque si bien las edades de los espectadores son variadas, puede que muchos de ellos tengan recuerdos palpables e historias que giren en torno al tango mucho más cercanas a las que tengo yo.

Sea como sea, hay una sensibilidad mágica que flota entre los presentes. La música de tango es ejecutada con una orquesta magistral. Las voces de Laura Silva y Omar Calicchio se desafían una a otra en un deleite que no es sólo para los oídos sino también para la vista. Hace lo suyo también el vestuario, absolutamente cuidado. También el uso del espacio, en el que Nelson Valente, supo aprovechar el teatro todo: pasillos, palcos y butacas de la platea son utilizados como lugares en donde los actores interpretan distintos momentos de la obra.

No voy a adelantar mucho más. Mejor, ¡los invito a verla!

CRÍTICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia:Mariano Saba

Actúan:Alfredo Allende, Guido BottoFiora, Omar Calicchio, Roberto Carnaghi, Ana Rodriguez,Laura Silva

Peinados:Miguel Granado

Estilismo:Federico Castellón Arrieta

Maquillaje:Magui Guillén

Diseño de vestuario:GenevievePetitpierre

Diseño de luces:Gonzalo Córdova

Música:Orquesta Del Tango De Buenos Aires

Fotografía:Lau Castro

Fx:Sebastián Semba

Asesoramiento coreográfico:ManucoFirmani

Asistencia De Producción:Mara Raicevic

Asistencia de dirección:Mara Raicevic

Producción Cc25:Aldana Illán, Analía Thiele

Producción ejecutiva:Zoilo Garcés

Dirección musical:Juan Carlos Cuacci, Néstor Marconi

Dirección general:Nelson Valente

Compositor:Juan Carlos Cuacci, Néstor Marconi

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO

Av Triunvirato 4444

Entrada: $ 400,00 / $ 350,00

Jueves, Viernes y Sábado - 20:30 hs

CRÍTICA A LA OBRA “OJALÁ LAS PAREDES GRITARAN”

Una de las características de los textos clásicos es que son universales. Se trata de historias que trascienden las épocas porque sus problemáticas siguen vigentes en todas las sociedades.

En esta línea, se puede decir que “Hamlet”, de William Shakespeare, pica en punta. Versiones y versiones se han realizado sobre esta obra del gran dramaturgo inglés. Por eso, atreverse a trabajar sobre este texto siempre presenta fuertes desafíos.

No le temió a ello, Paola Lusardi, quien en su doble rol como dramaturga y directora realiza una original actualización y re contextualización del clásico shakesperiano.

El príncipe Hamlet se presenta entonces como un adolescente rebelde y atormentado. Un niño de “familia bien” que no le perdona a su madre haberse casado con su tío Claudio, a quien culpa por la muerte de su padre. Hamlet tiene un amigo, Horacio, que sin necesidad de hablar se muestra como compañero de juerga y testigo irrefutable de todo lo que sucede. También aparecen Ofelia (la eterna enamorada de Hamlet) y su padre Polonio (en su rol de amigo/asesor/socio de los negocios de la familia).

En cuanto a la historia, ya no sucede en un castillo sino en una casa con jardín y escaleras a plantas superiores. Por su parte, un asado familiar será la excusa para ofrecer a Hamlet el puesto vacante en la empresa familiar.

Música electrónica, solos de rap, lenguaje actual y vestuario contemporáneo. Una mansión muy bien resuelta con estructura de andamios, desde la escenografía, y una elección musical que terminan de generar el espacio en el que se desarrolla la historia. Los textos por momentos frenéticos, casi performáticos, se escupen ante un público ubicado sobre el escenario, que también habita esa casa como un observador silencioso pero activo.

Sin dudas la creatividad que tiene la puesta viene acompañada del excelente trabajo que realizan los actores en sus interpretaciones. Cada uno de ellos, se aferra a alguna de las características de los personajes clásicos pero le suman una impronta completamente personal y contemporánea.

“Ojalá las pareces gritaran” es una experiencia teatral poco convencional pero valiosa por los riesgos que asume. Quizá no todo el mundo pueda reconocer una a una las líneas argumentales del texto original. Pero está claro que la esencia de Hamlet está presente y que su relectura es sumamente interesante.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Paola Lusardi

Actúan:Santiago Cortina, Martín Orlando Gallo, Augusto Ghirardelli, Mariana Mayoraz, JulianPonce Campos, AntonellaQuerzoli

Diseño de escenografía:Gonzalo CordobaEstevez

Diseño de luces:David Seldes

Música: Ignacio Cantisano, Mateo Schreiterer

Fotografía: Julieta Rodríguez

Diseño gráfico:Francisca Rojas

Asistencia de iluminación: Francisco Varela

Asistencia De Producción: Jennifer Aguirre Woytkowski

Asistencia de dirección: Francisco Barceló

Prensa: Marisol Cambre

Producción gráfica:Romina Juejati

Producción ejecutiva: Carla Carrieri

Producción Internacional: Débora Staiff

Colaboración en dramaturgia:AndresGranier, Leila Martínez

Diseño de movimientos:Marina Cachan

Dirección:Paola Lusardi

Duración: 105 minutos

TEATRO METROPOLITAN SURA

Av. Corrientes 134

Entrada: $ 600,00

Martes - 20:30 hs

CRITICA A LA OBRA “VIENTRE, EL HUECO DEL QUE VENIMOS”

“Vientre” comienza en la calle. Con una procesión que en pleno llanto nos indica el camino a la sala. Al sentarnos en nuestras butacas comprendemos que nuestro lugar en este cementerio de ficción no será ser cómplices de echar tierra a las desigualdades vividas históricamente por las mujeres sino todo lo contrario, desenterrar esos asuntos y hacerlos parte de un grito colectivo.

Marcos Arano y Gabriel Graves, desde una dramaturgia voraz, nos invitan a repensar nuestras identidades, a desnaturalizar opresiones perpetuadas desde el comienzo de la humanidad y a repensar el concepto de sociedades igualitarias no solamente desde el plano discursivo sino desde la acción. Así, una serie de cuadros se van sucediendo para dar lugar a las mujeres de la Historia (pasando por Eva Perón, Camila O’Gorman, Alicia Moreau de Justo y Julieta Lanteri, por nombrar algunas) y muchas de sus luchas colectivas (la huelga de las escobas, las rabonas de los ejércitos de la independencia, las putas de San Julián, entre otras).

A su vez Marcos Arano, desde un exquisito y complejo trabajo de Dirección, aborda la actuación desde un cruce de géneros en donde el teatro comunitario, el clown, el musical, y sobre todo el teatro político, están presentes para denunciar las luchas de las mujeres latinoamericanas. Para ello es clave el uso del humor, la farsa y la parodia como elementos que mitigan la dureza de un relato que no deja de interpelarnos a cada paso.

El colectivo de actores, por su parte, se luce en su conjunto. La dinámica coral eleva la expresividad de los cuerpos, el uso de máscaras y de muñecos en escena, la música y el canto en vivo; y el acertado trabajo de escenografía e iluminación generan un efecto magnético que hace que no se pierda la atención ni el hilo de lo que está sucediendo en ningún momento de las casi dos horas que dura el espectáculo.

“Vientre” comienza en la calle y termina en ella, porque habla de luchas que están más vivas que nunca, de espacios que todavía deben ser ganados y de cosas obvias, que por más que nos pesen, aún deben ser explicadas.

OPINIÓN: EXCELENTE

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Marcos Arano, Gabriel Graves

Actúan: Manuela Bottale, Lala Buceviciene, Florencia Catenaccio, Alejandro Jorge Dubal, Rodrigo Frascara, Viviana Lastiri, Carolina Maldonado, Manuel Oucinde, Maria Victoria Pescara, Luciana Ramos, Rocío Rodríguez Paz, Paola Sanabria, Marcelo Sapoznik, Milena Shifres, Luna Ventura

Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre

Músicos: Olivia Daiez, Bruno Leichman, Gina Locatelli, Franco Lopez Lameiro, Aída Stamponi, Agustín Vanucci

Vestuario: Jazmín Savignac

Escenografía: Marcelo Valiente

Diseño de maquillaje: Sofía De Brea

Diseño de arte: Romina Salerno

Diseño de objetos: Paola Sanabria

Diseño de luces: Alejandro Velásquez

Realización de máscaras: Andrea Picon, NicolasRouraPicon

Música original: IanShifres

Utilero: Ileana Valejos

Asistencia de dirección: Julia Pinedo, Carolina Portnoy

Prensa: Más Prensa, Analia Cobas, Cecilia Dellatorre

Producción ejecutiva: Viviana Lastiri

Coreografía: GabiGoldberg

Dirección musical: Bruno Leichman, IanShifres

Co-producción: Fundación CycArte .industrias Culturales

Dirección: Marcos Arano

Duración: 80 minutos

LA CARPINTERÍA

Jean Jaures 858

Entrada: $ 400,00 - Domingo - 20:00 hs - Hasta el 20/10/2019

Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “HIDALGO”

Durante el mes de octubre, el espectáculo “Hidalgo” desembarca en el Centro Cultural 25 de Mayo. Así, esta obra que tuvo muchísimo éxito en pasadas temporadas del teatro independiente, se suma a la lista de títulos que, mes a mes, va incorporando este importante espacio cultural del barrio de Villa Urquiza.

A nivel argumental la propuesta es simple: Una agente inmobiliaria debe mostrar un departamento de elite a potenciales inquilinos extranjeros. Sin embargo, al llegar, descubre que las personas autorizadas para ocuparlo hasta el momento del arrendamiento viven prácticamente en la indigencia. Se genera entonces, una situación de tensión en el que al comienzo prima el hecho de “cerrar la venta” pero que luego va mutando en una preocupación casi maternal por parte de la empleada haciaeseadolescente prácticamente huérfano que vive entre verduras, un par de trastos viejos, un colchón más que raído y una única muda de ropa; y que, desmotivado ante la vida, está a punto de repetir por segunda vez el último año del colegio secundario a no ser que logre terminar un trabajo práctico sobre la vida de Bartolomé Hidalgo (considerado un pionero de la poesía gauchesca).

Lo que no es simple es el vínculo que empezará a generarse entre ellos o las preguntas que comenzarán a hacerse y que los pondrá en contacto directo con sus miedos y frustraciones.

Y si hay quienes saben de “historias pequeñas” y “grandes obras” ellas son las hermanas Marull, que vuelven a probar su fórmula de trabajar juntas (María, en la dramaturgia y dirección; Paula en la actuación) saliendo absolutamente airosas ante los resultados alcanzados.

La puesta es dinámica, el texto tiene humor pero también apela a una reflexión profunda, el ritmo es acertado y los personajes están muy bien delineados a partir de sus deseos y contradicciones. Es sin dudas un acertado trabajo de María Marull.

Claro que las criaturas compuestas por Paula Marull y Agustín Daulte, con sus más que logrados contrapuntos, también le otorgan a la pieza una riqueza adicional. Energías que al comienzo podían verse como dos caras de una misma moneda pero que, hacia el final, mostraránmás similitudes que diferencias.

Seres queribles, oprimidos, con ganas de soñar y ávidos de afecto.

Porque a veces no son las cosas que tenemos sino la compañía para disfrutar de ellas, un aliento en el momento justo o el impulso de quienes se preocupan por nuestro futuro.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia:María Marull

Actúan:Agustín Daulte, Paula Marull

Músicos:Julián Rodríguez Rona

Vestuario:Jam Monti

Escenografía:Jose Escobar

Iluminación:Matías Sendón

Fotografía:Sebastián Arpesella

Diseño gráfico:Mercedes Moltedo

Asistencia de dirección:Santiago Rodríguez Durán

Prensa: Octavia Comunicación

Dirección:María Marull

Duración: 65 minutos

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO

Av Triunvirato

Sábado - 21:00 hs - Del 05/10/2019 al 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “LA ENAMORADA”

Santiago Loza escribió este unipersonal hace una década y, este año, bajo la mirada de Guillermo Cacace, el texto se volvió piel en el cuerpo de Julieta Venegas.

Del proceso de ensayos aparecieron las canciones, que comparten autoría entre Loza y Venegas, y un modo de contar pequeñas anécdotas de vida que vienen acompañadas de proyecciones a cargo de Gisela Cukier y Johanna Wilhelm completando la escenografía con una sutileza única.

Así, vemos a Julieta Venegas en un escenario mínimo, con un vestido rosa, su instrumento musical en tonos verde-celestes y un marco del mismo color que contiene la pantalla que sirve de soporte a los relatos que esta pequeña mujer vendrá a regalarnos durante los 60 minutos que dura el espectáculo.

Anécdotas, recuerdos, reflexiones que aparecen en forma aparentemente aleatoria pero que nos tocan desde el humor y la ternura bajo la marca registrada de Santiago Loza. Los temas se van hilando unos con otros a partir de la picardía y el ángel que Julieta, que en su nueva etapa actoral, logra una perfecta comunión con su público. De hecho, basta sólo con girar unos segundos nuestra mirada hacia la platea y percibir las sonrisas de la gente y sus miradas cómplices. Julieta Venegas dice que no es actriz, pero se gana a los espectadores y los lleva hacia una y otra historia con una sensibilidad magistral.

Y aquí, se nota claramentela guía de Cacace, no solamente desde la dirección actoral sino también como responsable del ritmo en el decir, de la búsqueda de la verdad en la palabra, de la fusión entre lo plástico y lo poético y de la mirada global del espectáculo.

Loza, Venegas y Cacace logran un producto exquisito, que nos hipnotiza desde el minuto uno y nos deja con ganas de seguir escuchando por horas lo que tienen por decirnos. Porque a veces no se necesitan grandes ideas ni actrices de lo más experimentadas. En más de una oportunidad podemos decir que menos es más. Esta ocasión es una de ellas. Y si no, ¡compruébenlo ustedes mismos!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Loza

Intérprete: Julieta Venegas

Diseño de vestuario: BetianaTemkin

Diseño De Proyección:Gisela Cukier, Johanna Wilhelm

Diseño de escenografía: Johanna Wilhelm

Diseño de luces: Matías Sendón

Canciones:Santiago Loza, Julieta Venegas

Música original:Julieta Venegas

Sonido:  Mariano Luna

Intervención Artística:Andrés Molina

Fotografía: Sol Levinas

Fotografía De Escena: Francisco Castro Pizzo

Diseño gráfico:Leandro Ibarra

Asistencia de escenografía:Martina Nosetto

Asistencia de dirección:GaboBaigorria

Prensa:Varas & Otero

Producción ejecutiva:Romina Ciera

Dirección de Producción:Romina Chepe

Dirección:Guillermo Cacace

Duración: 60 minutos

TEATRO EL PICADERO

Pasaje Santos Discepolo 1857 - Caba

Entrada: $ 800,00 - Jueves - 21:45 hs - Hasta el 30/11/2019

Entrada: $ 800,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 30/11/2019

CRITICA A LA OBRA “LA SUERTE DE LA FEA”

Ir a ver un espectáculo que se viene realizando hace varias temporadas con excelentes críticas no es fácil. No porque ya esté todo dicho, de hecho nunca leo otras reseñas de obras que me toca cubrir, sino porque a veces las expectativas parten de un piso muy alto y, excelentes productos, se ven luego desdibujados ante la exigencia de nuestra mirada.

Algo de ese temor flotaba por mi cabeza antes que “La suerte de la fea” iniciara una nueva temporada, esta vez, en el Teatro Picadero. Sin embargo, a poco de empezar la función me olvidé por completo de los colegas que me la habían recomendado y de los premios obtenidos.

Me sumergí en las vivencias que Luciana Dulitzky transmitía con extrema sutileza en el escenario. Conecté con ese mundo cruel, de soledad, lleno de injusticia y oscuridad que se abría en los bares de los años 20, en los que Orquestas de Señoritas, atraían a hombres lascivos que iban en busca de mujeres sensuales. Claro que esas mujeres, las figurantas, no eran las verdaderas artífices en la ejecución de las piezas musicales sino unas simuladoras. Porque había otras, las feas, que ocultas entre los telones o los fosos de las orquestas, interpretaban el repertorio. Mujeres llenas de erotismo, con una sensualidad diferente a la de los cánones tradicionales, músicas apasionadas pero con falta de belleza o con demasiados años encima para ser dignas de tocar a la vista de todos y de ser merecedoras de los aplausos por su arte.

De la suerte de estas mujeres, habla Mauricio Kartun. Y con un monólogo con dosis de humor, de melodrama y de situaciones bizarras el gran maestro de la palabra conquista a la platea.

Pero no hay dos sin tres. Y la tercera variante de este producto es la mirada sensible de Paula Ransenberg en la Dirección, que hace que todo en esta obra logre estar en el plano justo: los momentos que transita la obra, los matices de la actuación, la escenografía y el vestuario de Alejadro Mateo (que en ese espacio reducido vuelve aun más inmensa la interpretación de Luciana Dulitzky) y la música en vivo del violinista Federico Berthet.

No importa cuánto se ha dicho de esta obra. A veces los planetas se alinean, y pase lo que pase, los espectáculos nos llenan haciéndonos salir rebosantes de buen teatro. Y esta es, sin dudas, ¡una de esas situaciones!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Actúa: Luciana Dulitzky

Intérpretes: Federico Berthet

Peinados: Granado

Diseño de vestuario: Alejandro Mateo

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Fernanda Balcells

Realización de escenografia: Los Escudero

Realización de vestuario: Lucina Tropini

Música: Federico Berthet

Fotografía: Sofía Montecchiari, Ale Ojeda

Diseño gráfico: Zkysky

Asistencia de dirección: Marcelo E. De León

Prensa: Simkin & Franco

Dirección: Paula Ransenberg

Duración: 50 minutos

Domigos 16:30 hs

Teatro Picadero - Enrique Santos Discépolo 1857 (CABA)

CRITICA A LA OBRA “MACBETH”

“Macbeth”, uno de los títulos más emblemáticos de William Shakespeare, llega a la cartelera porteña bajo la dirección conjunta de Daniel Casablanca y Andrés Sahade.

La universalidad del dramaturgo más importante de todos los tiempos es indiscutible.

Shakespeare representó esta obra por primera vez en 1606. En ese entonces, la sociedad londinense seguía las elucubraciones que Macbeth y su esposa realizaban para alcanzar el poder y sostenerlo.Hoy en día, esa compleja trama de ambición, pasión, culpas y traiciones pueden verse reflejadas en muchos aspectos de la política contemporánea.

Casablanca y Sahade toman los ejes centrales de la dramaturgia del autor inglés y ponen en escena una versión descontracturada, que resalta la comicidad, y cuyos tintes clownescos, borran por completo la solemnidad con la que muchas veces se representanlas obras de Shakespeare.

La música en vivo de Pablo Bronzini, las proyecciones de arte efímero de Alejandro Bustos que completan la escenografía y el vestuario a cargo de Analía Cristina Morales se combinan armoniosamente generando una atmósfera oscura que nos va envolviendo entre las garras del poder.

Pero no se puede hablar de esta obra sin mencionar los talentosos actores que la llevan a cabo. Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade y Eleonora Valdez conforman un equipo actoral de lo más preciso, con gran ductilidad para componer más de un personaje y una versatilidad corporal propia de la escuela de Casablanca y Sahade que nutren la puesta de un dinamismo exquisito.

El resultado es una puesta acertada que logra, con una mirada ágil y divertida, reflexionar respecto a la ambición política y sus consecuencias.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Versión: Andrés Sahade

Traducción: Andrés Sahade

Actúan: Charly Arzulian, Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Pablo Bronzini, Andrés Sahade, Eleonora Valdez

Mapping:Franco Gregoris

Vestuario: Analía Cristina Morales

Escenografía: Analía Cristina Morales

Diseño de luces:CaioSenicato

Música original: Pablo Bronzini

Proyecciones: Alejandro Bustos

Diseño gráfico: Matías Grasset

Asistencia de dirección: Luciana Lippi

Prensa:Varas & Otero

Puesta en escena: Andrés Sahade

Dirección: Daniel Casablanca, Andrés Sahade

EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO

El Salvador 4530 - Capital Federal

Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:30 hs - Hasta el 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “ASI DE SIMPLE (NO ALCANZA CON QUERERSE)”

“Así de Simple”, trata de una pareja en los diferentes estadios de su relación, con sus puntos fuertes y débiles, con su alegría y nostalgia, con sus situaciones de éxtasis y de bronca, con sus mundos internos y su resonancia ante los elementos externos que rodean ese vínculo.

La cronología de las situaciones no es lineal sino que va y viene en el tiempo y, a partir de “flashbacks”, vamos reconstruyendo la historia de amor de Clara y Joaquín. Así, este recurso con tintes cinematográficos le da un muy buen dinamismo al relato. Sin embargo, lo más novedoso y el gran acierto de la dramaturgia de Ignacio Bresso y Sofía González Gil es contar una obra de dos personajes con seis actores que conviven permanentemente en el escenario.

¿Pero cuál es el truco? Y ahí está el condimento que sirve a esta puesta, porque en cada uno de nosotros, conviven múltiples facetas, rasgos de personalidad que por momentos nos hacen seguir nuestro lado más impulsivo y emocional, que pelean con nuestro lado racional y que, muchas veces, nos tironean hacia una u otra postura aún sin estar demasiado seguros de las decisiones que tomamos.

La obra tiene entonces a la pareja central y a las voces internas de cada uno de ellos.  Las “Claras” y los “Joaquines” utilizan siempre los mismos vestuarios, no dando lugar a dudas acerca del recurso que se propone desde la dirección.

Vale destacar el aire juvenil que logra el diseño de escenografía de Lula Rojo yGaston Segalini, la atmósfera musical de las composiciones de Francisco Ruiz Barlett y el diseño de luces de Manuel González Gil.

En cuanto a las actuaciones puede decirse que se trata de un grupo compacto, que parece conocerse mucho arriba del escenario y que disfruta como si fuese el primer día de esta quinta temporada de funciones.

Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri y Ailin Zaninovich son Clara y Joaquín; y cada uno de ellos, aporta los ingredientes necesarios para mostrarnos una cara distinta del personaje que interpretan en conjunto.

Dejo para el final la labor de Sofía González Gil porque, en su primera dirección, no sólo sale airosa del desafío, sino que logra una pieza exquisita, una comedia en la que todos podemos sentirnos identificados en mayor o menor medida y que da un respiro desde el humor para cortar la rutina semanal con un miércoles de buen teatro.

El amor, ¿es así de simple? Claro que no. Está lleno de vericuetos. Como le pasa a Clara. Como le pasa a Joaquín. Como nos pasa a todos.

OPINION: MUY BUENA

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Ignacio Bresso, Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich

Diseño de escenografía: Lula Rojo, Gaston Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Realización de escenografia: Lula Rojo, Gaston Segalini

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Guido Wainstein

Diseño gráfico: Malena Papanicolau

Asistencia de dirección: Manuela González Gil, Juan Gabriel Yacar

Prensa:Varas & Otero

Producción: Loli Crivocapich

Coreografía: Carolina Pujal

Dirección: Sofía González Gil

TEATRO EL PICADERO

Pasaje Santos Discepolo 1857 - Capital Federal

Miércoles - 21:00 hs - Hasta el 04/12/2019

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "“ROJOS GLOBOS ROJOS”

¿Qué es el teatro? Esa pregunta recorre esta obra desde el principio al fin. Es un universo plagado de sensaciones y sentimientos. Nos remite a pensar por nuestro amor al tablado.

Esa es la esencia de “Rojos globos rojos”; esa es la hipótesis de esta obra. Es amor por el teatro, es amor por la dramaturgia, es amor por la puesta en escena, es amor por la dirección, es sensatez y sentimientos. Te indaga y te lleva a pensar a los relatos originarios. Son los cuentos de tu abuela, que entre la leche templada, te regala un universo que otros escribieron y los hace tuyos.

Eso es lo que sucede en esta obra. Todo un homenaje al teatro. Es una obra necesaria para sus amantes clandestinos. Aquellos que no son espectadores asiduos de este arte, no los defraudará. Es un acto de amor.

El argumento no importa; lo que necesitas saber es que Christian Forteza, su director, toma la dramaturgia de Eduardo “Tato” Pavlovsky y se apropia de la misma.

¿Es necesario que hablemos de “Tato”? No. Fue uno de esos escritores que retrataron la época oscura donde la democracia era una palabra vacía de contenido. La intención de esta crítica no es escribir sobre su vida,  sino acercarte a cómo Christian reformula el universo de este escritor. “Tato” nos pide que el pasado no es olvido. Christian recupera esa idea.

 El pasado nos indaga y nos lleva a pensar que no tenemos que recaer en nuestros horrores. ¿Pero “Rojos globos rojos” es una obra política? Sí, lo es. En ella anclan todas las demás obras de arte. El teatro es arte. El arte te cuestiona y eso es político. Forteza lo logra, transmite su amor por la dirección y crea un universo que no querés que termine. Y es en ese acto de amor, es donde la obra te indaga.

Tres actores en busca de autor, ellos son Jorge Lorenzo, Lorena Penón y Gabriela Perera, se sacan chispas en el escenario y entran en el juego que les propone Christian. Los ves sudar la camiseta y ese sudor te carcome los huesos. Lorenzo te regala su histrionismo y eso es la actuación. Las mujeres no se quedan atrás. Ellas parecen marionetas manejadas por Forteza y la poca gestualidad que poseen, te transporta al teatro chino. Todos intercalan sus parlamentos y todo encaja, son engranajes en este homenaje.

Los acompaña un escenario desprovisto de decoración, con una música que traslada a emociones que son los acompañantes solitarios en esta historia de amor.

“Rojos, globos rojos”, un obra necesaria que cobra vigencia en la noche porteña. Es sincera y en ella está la historia de “Tato” y la sensibilidad de Forteza. Todo un homenaje de los pies a la cabeza. Al salir del teatro, caminé por la calle Corrientes y en mi cabeza sólo había imágenes de mi niñez que nunca olvidaré. 

Protagonizada por: Jorge Lorenzo, Lorena Penon y Gabriela Perera. Vestuario: Mario Pera. Música original: Elena Avena. Fotografía: Sebastian Ochoa. Diseño de Luces: Horacio Novelle.  Asistencia de dirección: Magalí Mussi

Adaptación, dirección y puesta en escena: Christian Forteza.

Centro Cultural de la Cooperación. Av Corrientes 1543 (CABA)

Entradas: $300 Sábados 20.30hs.

Crítica: José Marina