CRITICA A LA OBRA “ENTRE ELLA Y YO”

Un mundo de preguntas, de ansiedades, de búsquedas personales, de miedos y de amor. Una pareja, conviviente hace unos años, espera esos cinco minutos necesarios para que un test de embarazo ante un “atraso” determine si la vida de ambos será susceptible de modificarse por completo o no.Un lapso de tiempo suficiente para desarrollar lo que cada uno de ellos vive tanto junto al otro como por separado.

Contada a través de “pequeños sketches”, rompiendo la “cuarta pared” a través de monólogos que por momentos recuerdan al “stand up” y en un formato similar al televisivo en “Entre ella y yo” se van sucediendo las situaciones más absurdas y delirantes producto de las fantasías y temores que generan la posibilidad de ser padres en el mundo actual.

Porque el tiempo es subjetivo y así como cinco minutos pueden pasar volando también pueden convertirse en un abismo por el que nunca terminamos de caer. De eso entiende perfectamente este equipo creativo formado por la dramaturgia de Pablo Mir, la dirección actoral de Diego Reinhold y las actuaciones de Soledad García y de Sebastián Presta.

En cuanto a los actores, ambos poseen excelentes cualidades para la comedia, son histriónicos, pero con la versatilidad necesaria para tocar las notas justas al momento de realizar reflexiones más profundas y sensibles. García y Presta son la dupla perfecta para interpretar a los personajes de Diego y Valeria imaginados en forma desopilante por la pluma de Pablo Mir.

Por su parte, la dirección actoral de Diego Reinhold con su vasta trayectoria en este tipo de comedias les da las “espaldas” necesarias para moverse con una soltura total sobre el escenario. Reinhold saca brillo a sus actores sin desaprovechar ninguna oportunidad que pueda hacerlos lucirse ante un público completamente identificado con cada una de las situaciones que se van concatenando a lo largo del espectáculo.

“Entre ella y yo” es un espectáculo para disfrutar, con un texto inteligente, excelentes actuaciones y una muy buena dirección.

OPINION: MUY BUENA

CRÍTICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Pablo Mir

Actúan: Soledad García, Sebastián Presta

Diseño de escenografía: VeronicaVieyra – Daniel Cedres

Vestidora: AntonellaFucenecco

Operador de luces: David Pelozo

Operador de sonido: Carlos Ferreyra

Musicalizador: Gastón Baremberg

Fotografía: Alejandra López

Diseño gráfico: Uop! Estudio

Prensa: Varas Otero

Producción ejecutiva: Amida Quintana Gómez

Productor asociado: Diego Djeredjian, Marcelo Giglio

Producción general: Luis Penna

Coordinación de producción: Gabriela Blanco

Dirección Actoral: Diego Reinhold

Dirección General: Claudio Ferrari

Duración de la obra: 90 minutos

Teatro: Paseo La Plaza - Av. Corrientes 1660

Funciones: Jueves y Viernes 22:00 hs. - Sábados 22:15 hs.- Domingos 21:00hs.

Precios:

Platea filas 1 a 8 (centrales y laterales): $900

Platea Lateral filas 9 a 12 (laterales): $800

CRITICA A LA OBRA “BROTHERHOOD”

Brotherhood (fraternidad) habla de los vínculos de sangre, de siete hermanos que deben afrontar el deterioro físico de sus padres y que exponen, uno a uno, siete formas distintas de asumirse como hijos.

Hasta ahí, podría parecer un argumento cotidiano. De alguna manera lo es. Sin embargo, tanto la dramaturgia como la dirección de Anahi Ribeiro sobresalen por su originalidad encontrando en ello un valor agregado para el espectáculo.

Por empezar los actores estarán sentados en sillas, uno al lado del otro y de frente al público, prácticamente durante toda la obra. Hablarán entre sí, pero sus rostros mirando a la platea, nos interpelarán obligándonos a tener una mirada activa y empática con sus problemáticas en todo momento. 

Completa la escenografía una pantalla en la que se irán proyectando, bajo la técnica de mapping, información sobre los personajes y sus formas de comunicarse en un formato de lo más innovador dentro del lenguaje teatral.

Es que la tecnología aplicada al teatro, el buen ritmo de las escenas, el uso de la música y los cambios en la iluminación aportan un dinamismo en clave de humor (con buenos momentos dramáticos también) que sirvenparaponer en escena los vínculos entre los hermanos de una forma de lo más acertada.

En cuanto a los actores, se trata de siete personajes muy distintos entre sí, bien interpretados por cada uno de ellos, aunque se destacan en mayor medida los roles femeninos de Julia Funari, María Forni y Bárbara Majnemer.

“Brotherhood” es una obra de lo más original, divertida, pero con profundidad en su argumento, con muy buenas actuaciones y una dirección impecable .

¡No dejen de verla!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Anahi Ribeiro

Actúan: María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Carlos Marsero, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Gerardo Scherman

Mapping: Euge Choque

Diseño de escenografía:Demián Ledesma Becerra

Diseño de luces:Akira Patiño

Diseño 3d:Demián Ledesma Becerra

Fotografía:Akira Patiño

Diseño gráfico:María Forni

Asistencia De Producción:Carla Fontao

Asistencia de dirección: Demián Ledesma Becerra

Prensa: Mariano Casas Di Nardo

Producción ejecutiva:AntonellaSchiavoni

Dirección:Anahi Ribeiro

Duración: 75 minutos

NÜN TEATRO BAR

Juan Ramirez de Velasco 419

Entrada: $ 350,00 - Miércoles - 21:00 hs

CRITICA A LA OBRA “COMO EL CLAVEL DEL AIRE”

Una joven abogada viene en nombre de una corporación, a dar aviso sobre una pronta demolición en pos del progreso, a una anciana que ha vivido allí toda su vida.

Pero, así como los hogares son más que ladrillos, los recuerdos tienen cimientos fuertes y los vínculos vericuetos que a veces no dan muchas explicaciones.

Así, la solitaria mujer que habita en esa casa comenzará a contarle a la más joven el argumento de la novela que está terminando de escribir haciendo aparecer en escena la historia de vida de dos hermanas en plena dictadura cívico militar argentina.

Tendremos entonces al pasado y al presente marcando la trama de “Como el clavel del aire”. Pasado y presente transitando exilios diferentes pero generando cicatrices de igual intensidad. Pasado y presente poniéndonos de cara a situaciones de injusticia y opresión. 

Eloísa Tarruela logra adentrarnos en un ir y venir ficcional muy bien cronometrado desde la dirección. A través de su dramaturgia, invita al público a la reflexión sin perder de vista el humor y apelando a un universo poético que, junto a la música original de Juan Matías Tarruela, encuentra en la nostalgia su mejor tonalidad.

Contada de una forma muy cinematográfica, el vestuario y la escenografía de Soledad Gaspari, logra resolver adecuadamente los dos mundos escénicos: la casa de la anciana y la de las hermanas.

En cuanto a las actuaciones, se observan interpretaciones de gran compromiso por parte de todo el elenco destacándose Julia Azar por su sensibilidad y verdad escénica en cada una de sus palabras.

“Como el clavel del aire” es una metáfora al poder del amor por sobrevivir ante la oscuridad, porque pese a la hostilidad del mundo siempre habrá flores buscando el sol y siempre habrá abrazos que nos hagan sentir vivos.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Eloísa Tarruella

Actúan: Julia Azar, Brenda Bianchimano, Brenda Bonotto, SebastianDartayete, Brenda Fabregat

Vestuario: Soledad Gaspari

Escenografía: Soledad Gaspari

Maquillaje: Micaela RüdtMinardi

Diseño de luces: Patricia Batlle

Música original: Juan Matías Tarruella

Fotografía: Trigo Gerardi, Valeria Sigal

Diseño gráfico: Julio Bambill

Entrenamiento vocal: Florencia Albarracín

Asistencia De Producción: Pedro Insúa, Verónica Zacayan

Asistencia de dirección: Victoria De Angelis

Prensa: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Domènica Producción Teatral

Producción general: Eloísa Tarruella

Dirección: Eloísa Tarruella

CRITICA A LA OBRA TEATRAL “LA CULPA”

“La culpa” del dramaturgo David Mametfue estrenada en el año 2015 bajo el título “Thepenitent” en el teatro off de Broadway. Este año, podemos disfrutarla en Buenos Aires, en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación.

La trama gira en torno a un psiquiatra (Diego De Paula) quien debe declarar en un juicio a favor de uno de sus pacientes acusado de haber matado a diez personas en un desgarrador episodio. Sin embargo, y aludiendo al secreto profesional, el analista se negará rotundamente a emitir declaraciones.

Este hecho, y los continuos debates internos a los que se enfrentará, lo afectará en lo personal desgastando la relación con su esposa (Adriana Salonia) y con su abogado (Martín Urbaneja); pero también en lo profesional al tener que resistir los embates del abogado de su paciente (Gabo Correa), al poder mediático, al aparato judicial y a instituciones profesionales de renombre.

El aclamado director Hugo Urquijo, quien además es médico psiquiatra y psicoanalista, se convierte en la persona ideal para llevar adelante la puesta en escena de este espectáculo.

Las escenas se suceden todas bajo un mismo cuadrado delimitado sobre el escenario.

El mobiliario se mantiene y será la pantalla audiovisual la que terminará de configurar la escenografía muy bien resuelta por Sebastián Sabas y Toma Virtual (Liliana Romero y  Norman Ruiz)

Con muy buen ritmo y claridad en las escenas por parte de la Dirección se abrirá el juego a los límites de la ética profesional, la culpa, el qué dirán y los entramados del poder.

Las interpretaciones de los actores son convincentes, cada uno de ellos desarrolla su actuación con el calibre justo, aunque logra destacarse Adriana Salonia dados los matices que maneja en su actuación.

“La culpa” es un espectáculo que lleva a la reflexión y que seguramente impondrá un debate posterior a la función entre muchos de sus espectadores. Un texto interesante, con una dirección más que acertada y excelentes actuaciones.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: David Mamet

Traducción: Adriana Salonia

Actúan: Gabo Correa, Diego de Paula, Adriana Salonia, Martín Urbaneja

Diseño de vestuario: Carolina Marafioti

Diseño de escenografía: Sebastián Sabas

Diseño de luces: Horacio Novelle, Hugo Urquijo

Diseño Audiovisual: Toma Virtual, Liliana Romero, Norman Ruiz

Redes Sociales: Isidoro Sorkin

Fotografía: Gabriel Machado

Diseño gráfico: Nacho Marmarides

Asistencia de dirección: Eliana Sanchez

Prensa: Duche&Zarate

Producción general: Adriana Salonia

Dirección: Hugo Urquijo

Duración: 65 minutos

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543

Entrada: $ 450,00 - Viernes y Sábados - 22:15 hs

-Hasta el 30/11/2019

CRÍTICA A LA OBRA “AQUÍ CANTO GARDEL”

Con motivo del noventa aniversario del Teatro 25 de Mayo, su directora artística, Monina Bonelli, encargó a Mariano Saba (dramaturgia) y Nelson Valente (dirección), un espectáculo que hablara de un hecho paradigmático para el barrio de Villa Urquiza y este teatro: la última actuación que Carlos Gardel dio en nuestro país antes de iniciar la gira que desencadenaría en su trágico final.

Sí, Carlos Gardel cantó en lo que hoy es el Centro Cultural 25 de Mayo el 10 de septiembre de 1933. Y, este hecho, servirá de puente entre la ficción y la realidad evocando al pasado en un presente cargado de nostalgia.

Sin lugar a dudas el espectáculo es un logrado musical a cargo de Roberto Carnaghi, Omar Calicchio, Laura Silva, Alfredo Allende, Ana Rodríguezy Guido BottoFiora. Además, cuenta con la participación en vivo de la Orquesta del Tango de la Ciudad y las composiciones musicales de Néstor Marconi y Juan Carlos Cuacci.

Debo confesar que, cada tanto, me gusta quitar mi vista del escenario y recorrer al público con la mirada. Qué lindo es cuando lo que observo son caras con sonrisas y ojos cargados de emoción. Y la platea, en este caso, puede que sea un espectáculo aparte. Porque si bien las edades de los espectadores son variadas, puede que muchos de ellos tengan recuerdos palpables e historias que giren en torno al tango mucho más cercanas a las que tengo yo.

Sea como sea, hay una sensibilidad mágica que flota entre los presentes. La música de tango es ejecutada con una orquesta magistral. Las voces de Laura Silva y Omar Calicchio se desafían una a otra en un deleite que no es sólo para los oídos sino también para la vista. Hace lo suyo también el vestuario, absolutamente cuidado. También el uso del espacio, en el que Nelson Valente, supo aprovechar el teatro todo: pasillos, palcos y butacas de la platea son utilizados como lugares en donde los actores interpretan distintos momentos de la obra.

No voy a adelantar mucho más. Mejor, ¡los invito a verla!

CRÍTICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia:Mariano Saba

Actúan:Alfredo Allende, Guido BottoFiora, Omar Calicchio, Roberto Carnaghi, Ana Rodriguez,Laura Silva

Peinados:Miguel Granado

Estilismo:Federico Castellón Arrieta

Maquillaje:Magui Guillén

Diseño de vestuario:GenevievePetitpierre

Diseño de luces:Gonzalo Córdova

Música:Orquesta Del Tango De Buenos Aires

Fotografía:Lau Castro

Fx:Sebastián Semba

Asesoramiento coreográfico:ManucoFirmani

Asistencia De Producción:Mara Raicevic

Asistencia de dirección:Mara Raicevic

Producción Cc25:Aldana Illán, Analía Thiele

Producción ejecutiva:Zoilo Garcés

Dirección musical:Juan Carlos Cuacci, Néstor Marconi

Dirección general:Nelson Valente

Compositor:Juan Carlos Cuacci, Néstor Marconi

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO

Av Triunvirato 4444

Entrada: $ 400,00 / $ 350,00

Jueves, Viernes y Sábado - 20:30 hs

CRÍTICA A LA OBRA “OJALÁ LAS PAREDES GRITARAN”

Una de las características de los textos clásicos es que son universales. Se trata de historias que trascienden las épocas porque sus problemáticas siguen vigentes en todas las sociedades.

En esta línea, se puede decir que “Hamlet”, de William Shakespeare, pica en punta. Versiones y versiones se han realizado sobre esta obra del gran dramaturgo inglés. Por eso, atreverse a trabajar sobre este texto siempre presenta fuertes desafíos.

No le temió a ello, Paola Lusardi, quien en su doble rol como dramaturga y directora realiza una original actualización y re contextualización del clásico shakesperiano.

El príncipe Hamlet se presenta entonces como un adolescente rebelde y atormentado. Un niño de “familia bien” que no le perdona a su madre haberse casado con su tío Claudio, a quien culpa por la muerte de su padre. Hamlet tiene un amigo, Horacio, que sin necesidad de hablar se muestra como compañero de juerga y testigo irrefutable de todo lo que sucede. También aparecen Ofelia (la eterna enamorada de Hamlet) y su padre Polonio (en su rol de amigo/asesor/socio de los negocios de la familia).

En cuanto a la historia, ya no sucede en un castillo sino en una casa con jardín y escaleras a plantas superiores. Por su parte, un asado familiar será la excusa para ofrecer a Hamlet el puesto vacante en la empresa familiar.

Música electrónica, solos de rap, lenguaje actual y vestuario contemporáneo. Una mansión muy bien resuelta con estructura de andamios, desde la escenografía, y una elección musical que terminan de generar el espacio en el que se desarrolla la historia. Los textos por momentos frenéticos, casi performáticos, se escupen ante un público ubicado sobre el escenario, que también habita esa casa como un observador silencioso pero activo.

Sin dudas la creatividad que tiene la puesta viene acompañada del excelente trabajo que realizan los actores en sus interpretaciones. Cada uno de ellos, se aferra a alguna de las características de los personajes clásicos pero le suman una impronta completamente personal y contemporánea.

“Ojalá las pareces gritaran” es una experiencia teatral poco convencional pero valiosa por los riesgos que asume. Quizá no todo el mundo pueda reconocer una a una las líneas argumentales del texto original. Pero está claro que la esencia de Hamlet está presente y que su relectura es sumamente interesante.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Paola Lusardi

Actúan:Santiago Cortina, Martín Orlando Gallo, Augusto Ghirardelli, Mariana Mayoraz, JulianPonce Campos, AntonellaQuerzoli

Diseño de escenografía:Gonzalo CordobaEstevez

Diseño de luces:David Seldes

Música: Ignacio Cantisano, Mateo Schreiterer

Fotografía: Julieta Rodríguez

Diseño gráfico:Francisca Rojas

Asistencia de iluminación: Francisco Varela

Asistencia De Producción: Jennifer Aguirre Woytkowski

Asistencia de dirección: Francisco Barceló

Prensa: Marisol Cambre

Producción gráfica:Romina Juejati

Producción ejecutiva: Carla Carrieri

Producción Internacional: Débora Staiff

Colaboración en dramaturgia:AndresGranier, Leila Martínez

Diseño de movimientos:Marina Cachan

Dirección:Paola Lusardi

Duración: 105 minutos

TEATRO METROPOLITAN SURA

Av. Corrientes 134

Entrada: $ 600,00

Martes - 20:30 hs

CRITICA A LA OBRA “VIENTRE, EL HUECO DEL QUE VENIMOS”

“Vientre” comienza en la calle. Con una procesión que en pleno llanto nos indica el camino a la sala. Al sentarnos en nuestras butacas comprendemos que nuestro lugar en este cementerio de ficción no será ser cómplices de echar tierra a las desigualdades vividas históricamente por las mujeres sino todo lo contrario, desenterrar esos asuntos y hacerlos parte de un grito colectivo.

Marcos Arano y Gabriel Graves, desde una dramaturgia voraz, nos invitan a repensar nuestras identidades, a desnaturalizar opresiones perpetuadas desde el comienzo de la humanidad y a repensar el concepto de sociedades igualitarias no solamente desde el plano discursivo sino desde la acción. Así, una serie de cuadros se van sucediendo para dar lugar a las mujeres de la Historia (pasando por Eva Perón, Camila O’Gorman, Alicia Moreau de Justo y Julieta Lanteri, por nombrar algunas) y muchas de sus luchas colectivas (la huelga de las escobas, las rabonas de los ejércitos de la independencia, las putas de San Julián, entre otras).

A su vez Marcos Arano, desde un exquisito y complejo trabajo de Dirección, aborda la actuación desde un cruce de géneros en donde el teatro comunitario, el clown, el musical, y sobre todo el teatro político, están presentes para denunciar las luchas de las mujeres latinoamericanas. Para ello es clave el uso del humor, la farsa y la parodia como elementos que mitigan la dureza de un relato que no deja de interpelarnos a cada paso.

El colectivo de actores, por su parte, se luce en su conjunto. La dinámica coral eleva la expresividad de los cuerpos, el uso de máscaras y de muñecos en escena, la música y el canto en vivo; y el acertado trabajo de escenografía e iluminación generan un efecto magnético que hace que no se pierda la atención ni el hilo de lo que está sucediendo en ningún momento de las casi dos horas que dura el espectáculo.

“Vientre” comienza en la calle y termina en ella, porque habla de luchas que están más vivas que nunca, de espacios que todavía deben ser ganados y de cosas obvias, que por más que nos pesen, aún deben ser explicadas.

OPINIÓN: EXCELENTE

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Marcos Arano, Gabriel Graves

Actúan: Manuela Bottale, Lala Buceviciene, Florencia Catenaccio, Alejandro Jorge Dubal, Rodrigo Frascara, Viviana Lastiri, Carolina Maldonado, Manuel Oucinde, Maria Victoria Pescara, Luciana Ramos, Rocío Rodríguez Paz, Paola Sanabria, Marcelo Sapoznik, Milena Shifres, Luna Ventura

Cantantes: Eugenia Encina, Liliana Isaguirre

Músicos: Olivia Daiez, Bruno Leichman, Gina Locatelli, Franco Lopez Lameiro, Aída Stamponi, Agustín Vanucci

Vestuario: Jazmín Savignac

Escenografía: Marcelo Valiente

Diseño de maquillaje: Sofía De Brea

Diseño de arte: Romina Salerno

Diseño de objetos: Paola Sanabria

Diseño de luces: Alejandro Velásquez

Realización de máscaras: Andrea Picon, NicolasRouraPicon

Música original: IanShifres

Utilero: Ileana Valejos

Asistencia de dirección: Julia Pinedo, Carolina Portnoy

Prensa: Más Prensa, Analia Cobas, Cecilia Dellatorre

Producción ejecutiva: Viviana Lastiri

Coreografía: GabiGoldberg

Dirección musical: Bruno Leichman, IanShifres

Co-producción: Fundación CycArte .industrias Culturales

Dirección: Marcos Arano

Duración: 80 minutos

LA CARPINTERÍA

Jean Jaures 858

Entrada: $ 400,00 - Domingo - 20:00 hs - Hasta el 20/10/2019

Entrada: $ 400,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “HIDALGO”

Durante el mes de octubre, el espectáculo “Hidalgo” desembarca en el Centro Cultural 25 de Mayo. Así, esta obra que tuvo muchísimo éxito en pasadas temporadas del teatro independiente, se suma a la lista de títulos que, mes a mes, va incorporando este importante espacio cultural del barrio de Villa Urquiza.

A nivel argumental la propuesta es simple: Una agente inmobiliaria debe mostrar un departamento de elite a potenciales inquilinos extranjeros. Sin embargo, al llegar, descubre que las personas autorizadas para ocuparlo hasta el momento del arrendamiento viven prácticamente en la indigencia. Se genera entonces, una situación de tensión en el que al comienzo prima el hecho de “cerrar la venta” pero que luego va mutando en una preocupación casi maternal por parte de la empleada haciaeseadolescente prácticamente huérfano que vive entre verduras, un par de trastos viejos, un colchón más que raído y una única muda de ropa; y que, desmotivado ante la vida, está a punto de repetir por segunda vez el último año del colegio secundario a no ser que logre terminar un trabajo práctico sobre la vida de Bartolomé Hidalgo (considerado un pionero de la poesía gauchesca).

Lo que no es simple es el vínculo que empezará a generarse entre ellos o las preguntas que comenzarán a hacerse y que los pondrá en contacto directo con sus miedos y frustraciones.

Y si hay quienes saben de “historias pequeñas” y “grandes obras” ellas son las hermanas Marull, que vuelven a probar su fórmula de trabajar juntas (María, en la dramaturgia y dirección; Paula en la actuación) saliendo absolutamente airosas ante los resultados alcanzados.

La puesta es dinámica, el texto tiene humor pero también apela a una reflexión profunda, el ritmo es acertado y los personajes están muy bien delineados a partir de sus deseos y contradicciones. Es sin dudas un acertado trabajo de María Marull.

Claro que las criaturas compuestas por Paula Marull y Agustín Daulte, con sus más que logrados contrapuntos, también le otorgan a la pieza una riqueza adicional. Energías que al comienzo podían verse como dos caras de una misma moneda pero que, hacia el final, mostraránmás similitudes que diferencias.

Seres queribles, oprimidos, con ganas de soñar y ávidos de afecto.

Porque a veces no son las cosas que tenemos sino la compañía para disfrutar de ellas, un aliento en el momento justo o el impulso de quienes se preocupan por nuestro futuro.

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Dramaturgia:María Marull

Actúan:Agustín Daulte, Paula Marull

Músicos:Julián Rodríguez Rona

Vestuario:Jam Monti

Escenografía:Jose Escobar

Iluminación:Matías Sendón

Fotografía:Sebastián Arpesella

Diseño gráfico:Mercedes Moltedo

Asistencia de dirección:Santiago Rodríguez Durán

Prensa: Octavia Comunicación

Dirección:María Marull

Duración: 65 minutos

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO

Av Triunvirato

Sábado - 21:00 hs - Del 05/10/2019 al 26/10/2019

CRITICA A LA OBRA “LA ENAMORADA”

Santiago Loza escribió este unipersonal hace una década y, este año, bajo la mirada de Guillermo Cacace, el texto se volvió piel en el cuerpo de Julieta Venegas.

Del proceso de ensayos aparecieron las canciones, que comparten autoría entre Loza y Venegas, y un modo de contar pequeñas anécdotas de vida que vienen acompañadas de proyecciones a cargo de Gisela Cukier y Johanna Wilhelm completando la escenografía con una sutileza única.

Así, vemos a Julieta Venegas en un escenario mínimo, con un vestido rosa, su instrumento musical en tonos verde-celestes y un marco del mismo color que contiene la pantalla que sirve de soporte a los relatos que esta pequeña mujer vendrá a regalarnos durante los 60 minutos que dura el espectáculo.

Anécdotas, recuerdos, reflexiones que aparecen en forma aparentemente aleatoria pero que nos tocan desde el humor y la ternura bajo la marca registrada de Santiago Loza. Los temas se van hilando unos con otros a partir de la picardía y el ángel que Julieta, que en su nueva etapa actoral, logra una perfecta comunión con su público. De hecho, basta sólo con girar unos segundos nuestra mirada hacia la platea y percibir las sonrisas de la gente y sus miradas cómplices. Julieta Venegas dice que no es actriz, pero se gana a los espectadores y los lleva hacia una y otra historia con una sensibilidad magistral.

Y aquí, se nota claramentela guía de Cacace, no solamente desde la dirección actoral sino también como responsable del ritmo en el decir, de la búsqueda de la verdad en la palabra, de la fusión entre lo plástico y lo poético y de la mirada global del espectáculo.

Loza, Venegas y Cacace logran un producto exquisito, que nos hipnotiza desde el minuto uno y nos deja con ganas de seguir escuchando por horas lo que tienen por decirnos. Porque a veces no se necesitan grandes ideas ni actrices de lo más experimentadas. En más de una oportunidad podemos decir que menos es más. Esta ocasión es una de ellas. Y si no, ¡compruébenlo ustedes mismos!

CRITICA: CAROLINA AVIGLIANO

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Loza

Intérprete: Julieta Venegas

Diseño de vestuario: BetianaTemkin

Diseño De Proyección:Gisela Cukier, Johanna Wilhelm

Diseño de escenografía: Johanna Wilhelm

Diseño de luces: Matías Sendón

Canciones:Santiago Loza, Julieta Venegas

Música original:Julieta Venegas

Sonido:  Mariano Luna

Intervención Artística:Andrés Molina

Fotografía: Sol Levinas

Fotografía De Escena: Francisco Castro Pizzo

Diseño gráfico:Leandro Ibarra

Asistencia de escenografía:Martina Nosetto

Asistencia de dirección:GaboBaigorria

Prensa:Varas & Otero

Producción ejecutiva:Romina Ciera

Dirección de Producción:Romina Chepe

Dirección:Guillermo Cacace

Duración: 60 minutos

TEATRO EL PICADERO

Pasaje Santos Discepolo 1857 - Caba

Entrada: $ 800,00 - Jueves - 21:45 hs - Hasta el 30/11/2019

Entrada: $ 800,00 - Viernes - 22:00 hs - Hasta el 30/11/2019