CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "LA GUERRA PERDIDA"

Este espectáculo dirigido por Clemar Murphy tiene como protagonista a dos actores muy versátiles, con mucha dedicación y esfuerzo nos adentraran en la complejidad de las relaciones amorosas. Ellos nos revelan de manera creativa que la guerra de los sexos solo está en nuestra mente. Que somos seres incompletos buscando nuestra otra mitad en el mundo que nos rodea. Pero qué hacer si lo encontrase lo reconocerías a primera vista o debería pasar por segunda vez. Esa es la incógnita de esta propuesta.

Que estamos tan acostumbrados a ver nuestra propia nariz  y no podemos ver más allá.

Las actuaciones impecables con mucha química entre los actores, revelan una fuerte complicidad y mucho trabajo arduo. El diseño escénico muy admirable con el vestuario se lleva todas las miradas. Pero lo más atrayente del espectáculo son los efectos de sonido, que realzan la producción logrando en el espectador la sensación de estar en medio de una tormenta o un día cubierto.

Un entretenimiento para disfrutar con amigos, familia o simplemente para pasar un buen rato los invito a participar de este suceso, que propone que el desconocimiento del ser solo produce grietas entre los géneros.

LA GUERRA PERDIDA de Clemar S. Murphy una dulce Comedia romántica con tintes de dramas. Traída por la Irrota Producciones y presentada todos los sábados a las 20 HS de junio y julio en el TEATRO TALLER DEL ÁNGEL- Mario Bravo 1239 de nuestra ciudad. Las entradas se pueden adquirir por alternativateatral.com o en el mismo teatro.

Ficha técnica:

Intérpretes: Patricia Murphy – Gastón Troglia

Dramaturgia, puesta en escena y dirección: Clemar Murphy

Producción general: La Irrota Producciones

Producción ejecutiva: Patricia Murphy

Asistencia de dirección: María Fraire

Diseño de luces: Gabiel Rivero

Diseño gráfico: Facundo Arilli

Fotografía: Demián Santander

Andrea Feiguin - Comunicación y prensa

 Crítica: Adrián Ferreyra

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "CAPULLITO DE ALHELI"

CAPULLITO DE ALHELI de Patricia Suárez  una comedia con tintes dramáticos, producido por la compañía EntrenArte y presentada todos los domingos 20:00 hs en el KORINTHIO TEATRO Mario Bravo 437 reservas: 2044-2400.

Dirigida por Leticia Iglesias, tienen como protagonistas a dos actores muy versátiles, que nos llevan de la alegría al llanto y nos ponen a pensar sobre el amor a través de los años.

Con cierta picardía nos relata las idas y vueltas de una pareja que le pasaron los años, los sueños, las frustraciones. Una pomposa actriz que ve el ocaso de su vida y su carrera. Mezclada con sus amoríos, triunfos, desaciertos y éxitos.

Se junta con un director de teatro frustrado con un aprecio a la bebida, cansado de su existencia. Los dos nos dejan ver que el amor puede crecer o menguar a través del tiempo. Pero el hilo de plata que los unió no se puede cortar tan fácilmente.

Las actuaciones invitan al disfrute, produciendo en el espectador los sentimientos de júbilo o lamento al mismo tiempo. Mostrando la química entre ellos. Los cambios de vestuario impactantes nos atrapan dentro de la historia y su desenlace. El diseño escénico y los efectos de sonidos impecables, siempre a tiempo realzando la producción.

Una propuesta diferente para una salida familiar o con amigos. Los invito a disfrutar de esta producción  presentada  todos los domingos 20:00 hs en el KORINTHIO TEATRO Mario Bravo 437 reservas: 2044-2400.

De Patricia Suárez
Actúan: Carolina Suarez y Pablo Walter
Dirección Leticia Iglesias
Producción: Entrenarte
KORINTHIO TEATRO: Mario Bravo 437, CABA
Funciones: Domingos 20 hs (Junio y Julio)
Localidades: $ 200

Crítica: Adrián Ferreyra

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "TAQUITOS EN EL BARRO"

Autor-Director: Rubén Mosquera.

La noche, el tango, el juego  y un andén se fusionan para dar lugar a un escenario perfecto donde dos personas comparten sus vidas durante unas horas que serán eternas.

 Ella, joven tanguera, deja caer su cuerpo devastado en un banco mientras se encuentra  a la espera de un tren que la salve de aquella miseria. Él, ya mayor, con un bolso, la campera gastada y su pesado andar, se sienta a su lado y con simpatía inicia una conversación que los transportará por senderos infinitos.  Las palabras sabias y precisas del anciano generan sensaciones encontradas en aquella mujer quien solo busca alguien que logre hacerla soñar durante un apasionado baile de tango. Él, acostumbrado a su soledad, recuerda con nostalgia las buenas épocas y sus andanzas.

Las penas, aventuras,  experiencias, deseos y miedos tejen una alianza que la llegada del tren completará. El amor y la búsqueda de un sentido hacia la vida deslizan discusiones, abrazos y danzas.

Con un juego de luces y sonido que acompañan durante toda la obra y sumado a la aparición de varios temas musicales, los actores nos hacen partícipes de sus historias generando tensión y risas en cada momento. Un espectáculo que nos hace pensar la relatividad entre el tiempo y las personas y lo maravilloso de coincidir con un otro a pesar de las diferencias y el contraste que puedan llegar a generar.

Ficha técnico artística:

Dramaturgia:  Rubén Mosquera

Actúan:  José Manuel Espeche, Soledad Seoane

Maquillaje:  Analía Arcas

Diseño de vestuario:  Vanesa Yael Abramovich

Diseño de escenografía:  Vanesa Yael Abramovich

Diseño de luces:  Daniel Zappietro

Sonido:  Ricardo Roldán

Fotografía:  Cecilia Dornell

Diseño gráfico:  Jimena Moabro

Asesoramiento coreográfico:  Pamela Pucheta, Tina Rozados

Asistencia de vestuario:  Federica Ansede

Asistencia de dirección:  Irina Abril Juárez Sibello

Prensa:  Kasspress, Laura Mathieu

Producción:  Melisa Fernandez

Dirección:  Rubén Mosquera

Duración: 65 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

LA LUNARES
Humahuaca 4027 Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4867 3105
Web: http://www.lalunares.com.ar
Entrada: $ 150,00 / $ 120,00 - Lunes - 21:30 hs - Hasta el 17/07/2017 

Crítica: María Victoria Giacoia.

CRÍTICAS A LAS OBRAS TEATRALES "NADA DEL AMOR ME PRODUCE ENVIDIA" Y "CÓMO VUELVO"

Una obra de arte. Imposible hablar de ellas.

Camufladas como si fueran preguntas, se pronuncian respuestas en estas obras.

Como ofrendas conclusiones valiosas sobre la vida y sobre la historia.

Un homenaje a nuestra identidad nacional. Una caricia maternal y triste que el arte da a la política. Dos obras como caras de una misma moneda. Una moneda antigua inédita que podría estar en un museo de grandes valores nacionales. Pero un museo de activaciones conceptuales.

En el inmenso silencio posterior han llegado a mí, en forma de estampida, en forma de alud, ideas cargadísimas de sentido que despertaron mi espíritu revolucionario y nacional. He llorado al salir a la calle, era más evidente el contraste de lo que le esta pasando, hoy, a nuestro país.

Excelentísimo gusto para delinear una postura ultra crítica sobre el valor que se le da a los roles de la mujer en la sociedad. ¿Cuál es la cuna de costumbres y cultura?

Una postura ultra blanda también, y sugerente, para que  pueda caber en todos  y cada uno, con sus mañas, la posibilidad de volver a preguntarnos sobre la mujer y también volver a preguntarnos sobre la Argentina. País inmenso, complejo, lleno de diversidad y potencialmente rico.

Volví a sentir el respeto que siempre ,y una vez mas, siento por esta tierra.

 Una obra  de arte que revisa en nuestra memoria, nuestro inconsciente colectivo, nuestro sentido común. ¿Cuándo? ¿En qué momento se hizo tan gruesa nuestra tolerancia a fuerza de abusos y normalizaciones?…. Es difícil hablar porque es complejo el tratamiento conceptual que estas obras proponen para pensar un país. Ya que retoma desde los archivos, contando desde historias de vida. Es una obra de arte cuyo  contenido trasciende amablemente los límites del arte para meterse dentro de los márgenes de un discurso político.

Un teatro completamente profesional. Una clase magistral de dirección y actuación, iluminación que construye finamente  efectos especiales sutiles,  coreografías perfectas. Meticulosidad, dedicación kantianas. Un recorrido compacto absolutamente marcado paso por paso, palabra por palabra. Segundo a segundo de obra, el goce de actuar. El goce de pronunciar. El goce de dirigir. El goce de hacer teatro.

Montándonos en las historias de dos mujeres argentinas distintas y/o parecidas, como si fueran vagones de un tren, vamos viendo fragmentos de la realidad íntima de la historia de un país, a su vez, la intimidad real del mundo femenino, dialogando con el mundo.

Todo lo que se omite. Todo lo que se deja ver.

Despertamos de este aturdimiento complaciente y consensuado y elegimos asumir la responsabilidad de abrir los ojos a la hiper-conciencia que estas obras nos ofrecen y los oídos a las dulces melodías que embellecen las dos obras.-

“Nada del Amor me produce envidia”

Actriz: María Merlino

Texto: Santiago Loza

Dirección y puesta en escena: Diego Lerman

Producción: Flor de un día

Producción en gira: Luz Algranti

Asistente de producción: Julián Gómez

Música: Sandra Baylac

Escenografía: Flor de un Día

Vestuario: Valentina Bari

Asistente de vestuario: Lili Piekar

Realización de vestuario: Carmen Montecalvo

Iluminación: Fernanda Balcells

Fotografía: María Sureda

Diseño gráfico: Malena Castanón

Prensa y difusión: Caro Alfonso

Funciones: sábados 19 hs.

Duración: 60 minutos.

Santos 4040

Santos Dumont 4040, CABA

(a media cuadra de Av. Corrientes y a 2 cuadras de la estación Dorrego, Línea B)

“¿Cómo Vuelvo?”

Actriz: María Merlino

Cuentos: Hebe Uhart

Adaptación teatral: María Merlino

Dirección y puesta en escena: Diego Lerman

Producción: Flor de un día

Co-Productores: Campo Cine

Producción en gira: Luz Algranti

Música y banda sonora: Carmen Baliero

Iluminación: Iván Gierasinchuk y Miranda de Souza

Vestuario: Valentina Bari

Realización de vestuario: Carmen Montecalvo

Asistente de vestuario: Lili Piekar

Peinado: Jorge Palacios

Escenografía: Diego Lerman

Fotografías de escena: Hernán Reig

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente de producción: Josefina Galeano

Ayudantes de producción: Federico Quintana y Sonia Riobo

Video: Diego Lerman - Ivan Gierasinchuk

Fotografías en exterior: Diego Lerman - Ivan Gierasinchuk

Post producción de video: Josefina Castillo Carrillo

Coordinación de post producción: Carolina Juskoff

Funciones: sábados 20.30 hs. DESDE EL 20 DE MAYO 

Duración: 60 minutos

Santos 4040

Santos Dumont 4040, CABA

Crítica: Vera Carnevale 

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "TERESA ESTÁ LIEBRE"

Estamos invitados a tomar el té... el té con teresa, en su mundo, su universo, y viajamos hacia ella, como en un sueño que poco a poco nos ha absorbido, la luz, las texturas, su intimidad, un universo caótico y desordenado, mágico, curiosear en la locura, o en los vaivenes emocionales del mundo interior de esta bella y frágil criatura, de a ratos liebre, de a ratos niña eterna, que vive en un mundo de grandes, pero se refugia en sus creencias y los muros que su mente ha creado para generarle seguridad.

Bella Teresa, libre liebre, frágil Teresa, fuerte liebre, duda Teresa, pero liebre no duda, liebre es, y como si fuese su animal de poder, liebre la eleva por sobre lo mundano, y conejo la alienta desde algún lugar ya muy lejano y oscuro, al que Teresa no puede ir, Teresa sufre, la sufre, la echa de menos, Teresa nos cuenta de conejo y de ella, Teresa nos invita a tomar el té con ella.

Dan ganas de abrazarla, de cuidarla, de quedarnos ahí escuchándola un poco más... así se le va pasando de a poco el dolor de su alma.

Teresa esta Liebre es sumamente hermosa, artística, visual, la escenografía es una prolongación de su caos interior, cada detalle, cada adorno, cada mueble, las cosas desordenadas y ordenadas a la vez, todo está y es en los detalles.

Nada seríamos sin la luz que nos muestra y nos oculta, la iluminación también lo es todo, esos dos grandes detalles, manejados de una forma maestra, nos trasladan al mágico submundo de Teresa, nos recrea un espacio intimista  y privado.  No podría imaginar la obra sin esa manejo de la luz, la luz abraza y acompaña, muestra lo necesario y nos deja ahí, como espiando el té de Teresa, de a ratos la acompañamos, y de a ratos solo la contemplamos desde lejos.

Y nos invita dulce y salvajemente a retirarnos.... porque Teresa es dulce y salvaje, frágil y fuerte, Teresa es extrema y nos regaló un paseo por su alma.

Actúan: Florencia Naftulewicz y Fernanda Rodríguez

Sonido en vivo: Mariano Asseff

Diseño de escenografía: Teresa está Liebre, Jackie Ferreira y Jair Bellante

Realización escenográfica: Jackie Ferreira y Jair Bellante

Diseño y realización de iluminación: Leandro Crocco

Diseño de sonido y diseño gráfico: Mariano Asseff

Fotografía: Agostina Gladiali

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia: Luca Capobianco

Dramaturgia: Jimena Gonzalez y Florencia Naftulewicz

Dirección: Pilar Boyle y Sharon Luscher

  

ESTRENO: JUEVES 18 DE MAYO 21 HS.

Funciones: jueves 21 hs.

Duración: 65 minutos.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655

www.elcamarindelasmusas.com

Crítica: Noe Ragaglia

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "ADELA ESTÁ CAZANDO PATOS"

Una obra tremenda. A la hora de la siesta.

Moderna y atrevida. Denuncia tras denuncia sobre la hipocresía social vamos entrando en  el relato sobre una familia adinerada y poderosa. Contundentes y sobrios, pero explícitos, manifiestos sobre libertad de género. Ruptura de los lenguajes teatrales  tradicionales. Inclusión de modos coloquiales y urbanos. Inclusión de ritmos y cadencias  de la actualidad en el lenguaje teatral.

Verborragia, velocidad, emocionalidad al palo. Un policial psyco-trans-sensible interesado en romper la arcaica y caduca convención sobre lo normal y atreviéndose a hablar sobre nuestra oscuridad humana. ¿Qué pasa cuando no somos amados como un ser humano “normal” necesita? ¿Cuál es el resultado de esas faltas de amor identificado en nuevos estereotipos sociales…la sexualidad…la confianza…la culpa. Un volver a tirar las cartas de los valores morales y éticos. Un  deseo de mirar ahí donde hay vicio, donde hay traición, donde hay confusión.

Toda la obra se desarrolla en un contexto veraniego. Una  quinta en una provincia argentina, lazos familiares ambiguos, musical glam. Hay una actualización en esta obra en relación a los temas sociales que se abordan. Es una obra que decide ubicarse en lo pueda llamarse vanguardia. Hay rebeldía por hartazgo y necesidad de hablar de lo que parece obvio y sigue siendo un tabú. Hay una elección de hacerse cargo de la desprolijidad emocional en las relaciones humanas  y la peligrosidad de la falta de tratos amorosos. Una puesta y una estética con unidad y coherencia. La historia danza el atrevido abordaje de dialogar con la muerte o el abordaje de la muerte que dialoga con la obra. Colocando la muerte en un lugar concreto desde donde lo  abstracto es la bondad.

Adela está cazando patos

Domingos a las 16 en Espacio Callejon.

Adela- Barbara Massó

Magdalena- Paula Schiavon

Olivia- Yanina Gruden

Ulises- Diego Benedetto

El Chakal- Hector Bordoni

Francisco- Julian Chertkoff

Pupuni- Luis de Almeida

  

Iluminación: Sebastian Francia

Escenografía: Grupo Capicúa

Música en vivo: Gonzalo Pastrana

Vestuario: Federico Castellón Arrieta

Foto: Lau Castro

Diseño Grafico: Nicolas Deshusse

Producción: Nico Capeluto

Asistencia de dirección: Maxi Muti

Dramaturgia y Dirección: Maruja Bustamante

Crítica: Vera Carnevale 

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EL DIARIO DE ANNA FRANK"

Una obra con gran carga emotiva, no solo por la historia que hace poner la piel de gallina sino por las actuaciones tan prolijas y respetuosas.

Cabe destacar que  a veces al interpretar obras de gran contenido histórico y sensible suele solemnizar ciertas actuaciones, éste no es el caso ya que los actores se destacan por atravesar esta historia con sus cuerpos, sus sensaciones y emociones. Tienen un complemento exquisito, donde se equilibran desde las energías hasta las emociones.

La obra El Diario de Anna Frank, basada en el famoso libro, cuenta la historia de esta niña  judía interpretada por Ángela Torres, que por la invasión nazi en Holanda, ella junto a su familia permanecerán 2 años escondidos en una oficina. En el diario que le regalo su padre, ella escribe y cuenta las cosas que pasaran en el mientras tanto de ese refugio.

A pesar de la triste historia, la obra está compuesta por varios momentos donde reina el humor, la inocencia de esta niña, sus experiencias mientras va creciendo en este encierro junto a otras 8 personas. Vale destacar la simpatía que transmiten los momentos donde Anna está en una de sus inquietas actitudes, que llevan al público a sonreír varias veces por tanta dulzura.

Un vestuario ideal, con la escenografía increíble que llevan a estar en ese momento sin que falte nada, con un trabajo de trasfondo que sobresale. Vale destacar la gran adaptación con la excelente dirección de Helena Titek.

Con grandes actores que sobresalen sus interpretaciones, llenándonos de imágenes, de risas, llantos y sobre todo reflexión ante lo que nos muestran con sus sublimes actuaciones. Con gran conexión entre ellos, siendo realmente una familia como muestra la obra.

El Diario de Anna Frank se presenta de jueves a domingo en el teatro 25 De Mayo, Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA.

Ficha Técnica: 

Elenco (por orden de aparición): Angela Torres (Anna Frank), Marcos Montes (Otto Frank), Valeria Lorca (Edith Frank), Agustina Cabo (Margot Frank), Carolina Solari (Miep Gies), Francisco Bereney (Peter Van Daan), Marcos Woinsky (Sr. Kraler), Silvina Quintanilla (Sra Van Daan), Diego Hodara (Sr. Van Daan), Alejandro Viola (Sr. Dussel).

Autor: Frances Goordrich y Albert Hackett

Nueva adaptación: Wendy Kesselman

Versión: Fernando Masllorens y Federico González Del Pino

Dirección: Helena Tritek

Crítica: Leandro Giottonini

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EL FRASCO"

La venganza, el acto de vengarse, no puede prescindir de un elemento vital para su ejecución. Un elemento que es, al mismo tiempo, madre del acto vengativo, su alimento diario y el hilo conductor de toda acción: EL RENCOR. Y si ese rencor ha estado macerándose, (como todo buen veneno) durante largos años, entonces la venganza será tan intensa como explosiva. Y si le sumamos un evidente desequilibrio mental al mentor de la venganza, entonces las palabras para definir tal situación son casi imposibles de encontrar.

EL FRASCO propone todo eso y redobla la apuesta, atreviéndose a agregar situaciones humorísticas y algunos diálogos de banal cotidianidad dentro de un marco de tensión continua que mantiene una densidad ambiental perturbadora durante todo el transcurso de la obra.

Lo que al principio parece una simple reunión de ex compañeros de una banda delictiva de a poco va transformándose en una noche de locura, dolor, odio, confesiones y muerte, todo bajo la dirección del anfitrión de la velada, quién sólo desea una cosa: recuperar los momentos perdidos de su vida, momentos aniquilados por el tiempo debido a su estadía en prisión.

Algunos pocos desajustes actorales propios de un estreno (no así en los juegos de luces y en la música en vivo, que han sido gratamente precisos) no han llegado a opacar ésta obra que ofrece un planteamiento interesante pero que obviamente necesita una maduración como cualquier obra que conlleve, como EL FRASCO, tanto texto, diálogos frecuentes y encimados entre cinco personajes y tantas alteraciones en los ánimos y en las sensibilidades de los mismos. 

Ficha técnica

Dramaturgia: Bruno González
Actúan: Lucas Aldasoro, Matías Asenjo, Julián Mengido, Mauro Rey, Lucas Sulpizi.
Músicos: Uriel Arcángel Crosta, Gerónimo Luis González.
Diseño de Espacio: Betania Rabino
Diseño de luces: José Ignacio Ponce Aragón
Fotografía: Daniela Castelo
Asistencia de dirección: Cristian Trigueros
Arreglos musicales: Uriel Arcángel Crosta, Gerónimo Luis González
Cata de vino: Amantes del vino
Producción: Juan Pablo Rabino
Prensa: Octavia Comunicación
Dirección: Bruno González

Crítica: El Cronista Ajeno 

CRÍTICA DE LA OBRA TEATRAL "OTOÑO"

Una Anciana ya casi abandonada y desolada en un geriátrico está sentada  pensando que será un Domingo más, triste y aburrido sin ninguna peripecia en su vida, ni golpe de suerte. 

Todo acontece hasta que llega su sobrina de lejos y se produce un encuentro cariñoso lleno de amor y alegría. Juntas comienzan a recordar aventuras de la tía y su sobrina está ansiosa por saber más de historias y anécdotas de su compinche de toda la vida. El personaje que encarna Dora Sajevicas es de una anciana con mucho espíritu libre, que en las páginas de su vida se ha enamorado, ha amado y también ha sabido renunciar al amor con mucha altura en el que cada relato esta compuesto por un característica una única de la actriz.  

El personaje de la sobrina que encarna Lorena Cammar denota a una joven  reservada que viendo todas la aventuras de su tía quiere romper el cascaron y salir a amar y a disfrutar de la vida. Quiere llegar a tener la edad de su tía y poder contar esos mismos relatos o al menos saber que vivir ha valido la pena. 

En ambas actrices se pudo notar una gran conexión desde el principio hasta el final de la obra. Se encontraban muy conectadas con el espacio y con una energía distinta para cada texto, cada mirada y cada sonrisa. 

El director ha sabido manejar el espacio, los momentos de tensión y el famoso "Tira y Afloje" de cada situación, ya que al público se lo veía completamente atento y reaccionando a cada estimulo. 

Es una obra de teatro en la que te emocionas, te reís y por momentos te hace enojar, una obra en la que te das cuenta que vivir tiene sentido. 

Ficha Artístico técnica

Autor y director: Marcelo Ruiz

Actúan: Dora Sajevicas y Lorena Cammar / Puesta en escena: Laura Nevole / Vestuario y escenografía: Dani Draiye / Diseño de luces: Milton Moreira Muzio / Técnico de luces:  Agustín Intile Noble / Fotografía: Pablo Insaurralde / Producción: Lorena Astudillo / Asistente de producción: Natalia Roma/ 

Prensa y Difusión: Franco & Simkin

Critica: María Cecilia Duran

KORINTHIO TEATRO
Mario Bravo 437
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 2044-2400
Web: http://www.korinthioteatro.com.ar
Entrada: $ 200,00 - Viernes - 21:00 hs - Del 09/06/2017 al 30/06/2017