martes, 20 de marzo de 2018

ENTREVISTA LITERARIA AL ACTOR JORGE DIEZ


LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
JD:. El lobo estepario (Herman Hesse), Nadie Nada Nunca (Juan José Saer) Rayuela. (Julio Cortázar), te agrego Cien años de soledad de García Márquez, El Aleph de Jorge Luis Borges. Cuentos claros, Antonio de Benedetto, La vida breve de Juan Carlos Onetti. etc, etc,

LLTV: ¿Último libro que leíste?
JD: Urania (Le Clezió).

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
JD: Muchos. El lobo estepario en parte por las puertas esas que se le abren a Harry Haller. Teatro mágico: Sólo para locos.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?
JD: Antes era únicamente cuando algo me estaba pidiendo salir y pasar a ser palabra. Ahora escribo muchas veces como una disciplina, aunque no me considero un escritor ni un dramaturgo de profesión.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
JD: Hercule Savinien de Cyrano de Bergerac. Lo invitaría para hablar con alguien que fue de carne y hueso y al mismo tiempo de fantasía. Vivió y luego fue héroe de una novela. Le preguntaría cómo hizo para ser heroico en el anverso y en el reverso. Entre otros tantos que invitaría.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro te hubiera gustado representar en un escenario?
JD:. Jean-Baptiste Grenouille, el asesino de la novela El perfume del alemán Patrick Süskind. El tipo que tiene la capacidad de descifrar el evanescente reino de los olores. También al doctor Díaz Grey u otro personaje existencialista del imaginario de Juan Carlos Onetti. Para poner personajes diferentes, casi opuestos en algún sentido, y poder jugar con esas emociones. Ambos tocan algo de lo anodino, lo múltiple, lo reconocido, lo horroroso, lo trágico y lo cómico a pesar suyo.



LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesto a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
JD: A muchos pero te pongo al Oliveira de Rayuela porque creo que estaría, de alguna manera, hablando con Cortázar a quien tanto quiero. Y por supuesto la Elisa de Nadie, Nada Nunca de Saer, pero ya con otras intenciones, otras formas de divertirme, tomando algo y disfrutando del sexo con esa mujer desnuda y tomando limonada en una tarde de calor.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
JD: Unos cuantos. Alguno de García Márquez después de leer Cien años de soledad, por ejemplo.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
JD: Las ganas de seguir.

LLTV: Estamos al tanto de que estas montando una serie de obras de teatro, para llevarlas a las escuelas o sindicatos, o centros culturales con la idea de que el teatro llegue a mas lugares. ¿Nos podes contar un poco de que se trata?
JD: Dirijo hace años un grupo que fundé por el 2006 aproximadamente, llamado Planta Baja Teatro, con el fin de llevar el teatro a lugares en donde no siempre se ve y disfruta del mismo. Escuelas de niveles primario, secundario terciario. Sindicatos. Lugares en los que si se lleva teatro se les da casi siempre una oferta pensando que eso es lo que corresponde de acuerdo a la edad y teniendo en cuenta determinados autores, etc. Entonces decidí adaptar cuentos y novelas además de obras de la dramaturgia, sobre todo utilizando autores de la literatura argentina y latinoamericana, en general. Así surgieron obras como Meninas, versión de Final del juego de Julio Cortázar o La mujer que mira el mar, versión libre de El túnel de Ernesto Sábato. Versiones de textos de Horacio Quiroga, de Di Benedetto, etc. Algunos ya funcionando y otros todavía ensayándose. Y así también surgieron obras propias con temáticas como las que trata El tropezón, baile del avestruz que cuenta lo que una niña (descendiente de pueblos originarios) construye en su cabecita y lo vuelve acción al ser sospechada por la autoridad del colegio de haber lastimado a Sarmiento, el gato de la escuela. Esta obra fue declarada de interés cultural en 2016 y se representó merced a un mecenazgo en seis funciones en las salas Haroldo Conti y La comedia de manera gratuita para cientos de chicos, con debate posterior. Lo que hacemos con el grupo de teatro Planta Baja Teatro nos permite ganar nuestro sustento con lo que hacemos, pero además nos da la posibilidad de establecer preguntas a los chicos y jóvenes, y luego de dialogar sobre esas cuestiones tanto con ellos como con los docentes. Hacemos también obras como Decir sí de Griselda Gambaro, etc.

LLTV: ¿Otros proyectos en carpeta, que se puedan contar?
JD: En la actualidad y como casi siempre tengo varios proyectos en acción, porque no espero a que me llame nadie, como si me ocurrió a veces en el pasado. Genero casi todo lo que hago. Estoy iniciando ensayos como actor de una obra de Antoni Schaffer que se llama Sleute en inglés y en español algo así como La huella o Contrapunto. Son dos hombres que se encuentran porqué el más joven se acuesta con la mujer del mayor, que es un escritor de novelas negras (policiales) y el otro tiene peluquerías. Las clases sociales, la inteligencia, la estrategia, los celos, la envidia, etc. Todo eso en un juego constante. Se hizo dos veces en película. Y luego estoy ensayando, como director y autor acá, una obra inspirada en El Principito de Saint Éxupery pero llevada a algo más nuestro. Es un viajante de comercio (de esos que había antes) que sufre un accidente en una rutas desértica yendo hacia Comodoro Rivadavia y se despierta en un taller mecánico muy especial.

jueves, 15 de marzo de 2018

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "LA BESTIA INVISIBLE"





¿adónde van las palabras que no se quedaron?
¿adónde van las miradas que un día partieron?
¿acaso flotan eternas, como prisioneras de un ventarrón?
¿o se acurrucan, entre las rendijas, buscando calor?
¿acaso ruedan sobre los cristales, cual gotas de lluvia que quieren pasar?
¿acaso nunca vuelven a ser algo?
¿acaso se van?
¿y a dónde van?

                                                                                     Silvio Rodriguez
           


            La sala se encuentra en penumbras, al ingresar el público podemos ver detrás de una puerta de vidrio ubicada en el escenario actores bailando como si fuera la última vez que lo hacen, transmiten tanta energía con sus movimientos, su cuerpo y su ritmo que todos los espectadores quieren bailar.
            Sucede un apagón y los actores intimidantes con su mirada, observaban sin disimulo cada movimiento del público. Actores encarnando personas, se hacían preguntas existenciales, preguntas sin respuesta, preguntas sumamente enigmáticas que al público le hacían reflexionar.
            Eran seres de luz que habían venido a este mundo, sin la mínima intención de sufrir y el mundo los ha hecho sufrir, eran seres que cada uno encerraba una fuerza suprema en su interior, eran seres que no olvidaban, que recordaban, eran seres memoriosos, eran seres humanos; que se preguntaban acerca del pasado, de paso del tiempo, acerca de sus ancestros. ¿Acaso podemos recordar cosas que jamás hemos vivido? ¿Acaso podemos recordar cosas que no sabemos? Esta obra gira en torno a la memoria, y me recuerda mucho a la canción de una persona más que celebre como Silvio Rodríguez, ¿Adónde van los recuerdos? ¿Adónde van las palabras que no se quedaron?
            Unas actuaciones con mucha sinceridad y verdad de todos los actores, ellos contaban desde un lugar real que verdaderamente llegaba al público, la dirección de Nayla Pose que supo distribuir con tal armonía el cuerpo de cada actor y que lo supo moldear para cada actuación; y una frase final que produjo remate de la obra "QUIERO VOLVER A CASA". Una obra que te sacude con sus interrogantes y te tranquiliza con el silencio. QUIERO VOLVER A CASA.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Nayla Pose
Texto: Emmanuelle Cardon, Florencia Halbide, Germán Leza, Paola Lusardi, Federico Manzioni, Loló Muñoz, Julián Ponce Campos, Nayla Pose, Nahuel Saa, Mariano Saba, Lucia Szlak, Marian Vieyra
Actúan: Emmanuelle Cardon, Florencia Halbide, Germán Leza, Paola Lusardi, Federico Manzioni, Loló Muñoz, Julián Ponce Campos, Nahuel Saa, Lucia Szlak, Marian Vieyra
Diseño gráfico: Lucia Szlak
Prensa: Nahuel Saa
Dirección: Nayla Pose

Duración: 70 minutos
EL BRÍO - ESPACIO DE INVESTIGACIÓN TEATRAL
Av Alvarez Thomas 1582 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 1531622032
Entrada: $ 180,00 / $ 150,00 - Sábado - 22:00 hs - Del 17/03/2018 al 25/08/2018

Crítica: María Cecilia Durán

sábado, 3 de marzo de 2018

CRÍTICA A LA OBRA DULCE PÁJARO DE LA JUVENTUD





La forma en que es mostrado el paso del tiempo hace que ninguna mirada sea esperanzadora y optimista en cuanto esto, es por esto mismo que sorprende lo bien adaptada que esta la obra y la nostalgia que se puede transmitir en ella. Sin solemnidades en la interpretación de los textos, se puede observar la forma auténtica que hacen sus actuaciones estos interpretes en cuanto a lo que dicen.

Esta obra contiene unas tensiones familiares y amorosas que no se puede dejar de estar atento, ya desde el texto que pertenece al afamado autor Tennessee Williams trayéndonos la historia situada en el sur de Estados Unidos, mas precisamente en St. Cloud recreando los intentos del joven Chance de reconquistar el amor de su amor pasado, de adolescente, inconcluso, ilimitado de Heavenly. Ésta, hija del futuro gobernador está sumisa a las órdenes de la familia, quienes no quieren tenerlo cerca de ella. Por eso, la tensión que se genera tiene que ver con esos intentos, y las limitaciones que le ponen en el camino.



Vale destacar la interpretación de la señora Alexandra del Lago, una mujer actriz que fue a ese hotel, donde ocurre toda la acción, junto a Chance. Es esta mujer la que lleva adelante esa desesperanzada vida ya que por el paso del tiempo comienza a sentirse menos exitosa que en su época de juventud. Es por eso que en este punto de su vida hace que su angustia llegue su punto más profundo… o si no fuese así estaría muy cerca. Su forma de expresarse y de llevar adelante su nostalgia hace de un personaje que conmueve, desde sus comicidades hasta los momentos en que siente que no tiene nada más en la vida.

Una escenografía excelente, muy bien elaborada. Sobre todo, desde la iluminación se recrea varios momentos del día sin necesidad de mover mas de dos objetos. Totalmente logrados los tiempos donde transcurren los hechos. Unos cambios escénicos que sorprenden. Es por esto que esta obra no tiene ningún bache en acciones lo que permite al espectador estar atento a cada situación en el transcurso de la misma.

Dulce Pájaro de la Juventud se presenta de jueves a domingo a las 20.30 hs en el Centro Cultural 25 de Mayo, Av. Triunvirato 4444, CABA.

Funciones: jueves a domingo, 20:30 h.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, sala principal (
Av. Triunvirato 4444, CABA)
Entrada: $300 | Jueves: día popular.
Reservas: 4524-7997
Duración: 90 min

Ficha técnica
Elenco: Beatriz Spelzini, Sergio Surraco, Carlos Kaspar, Malena Figo, Victorio D'Alessandro, Pablo Mariuzzi, Maby Salerno, Pablo Flores Maini, Gabriel Ares, Sebastián Dartayette.
Pianista: Pablo Viotti.
Música Original: Axel Kryeger
Letra canción original: Gonzalo Demaría
Diseño de escenografía: Daniel Feijoo
Diseño de vestuario: Mini Zuccheri
Colaboración en vestuario: Paula Molina
Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco
Asistencia de iluminación: Facundo David
Diseño de peinados: Ricardo Fasán
Diseño de maquillaje: Elisa D'Agustini
Fotografía: Mili Morsella
Prensa: OctaviaComunicación
Producción ejecutiva: Sol Vannelli / Verónica Dragui
Asistencia de dirección: Mauro J. Pérez / Lucía Cicchitti.
Dirección y puesta en escena: Oscar Barney Finn
 
Crítica: Leandro Giottonini

jueves, 11 de enero de 2018

ENTREVISTA LITERARIA A LA ACTRIZ EUGENIA ALONSO



LLTV: Los tres libros más importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.
EA: He leído muchos libros que no sé si me constituyeron como persona, pero sí que me impresionaron en mi infancia y adolescencia: Fábulas , El Principito (A. De Saint-Exupery), Cuentos de amor, locura y muerte ( H. Quiroga), Cien Años de Soledad ( Garcia Marquéz), A Sangre Fría ( T. Capote)

LLTV: ¿Último libro que leíste?
EA: Estoy leyendo Siete Casas Vacías ( S. Schweblin) y Las Cosas que Perdimos en el fuego ( M. Enríquez).

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
EA: 1984 (G. Orwell) por su visión futurista sobre cuestiones político-sociales; un visionario. Zama ( A. Di Benedetto). Me gustan los libros hablan sobre el hombre como presa de una máquina social y su capacidad de libertad interior. Crimen y Castigo (F. Dostoievski) por la capacidad de introducir al lector en la mentalidad afiebrada de su personaje y universalizar cuestiones relacionadas con la dualidad humana.

 LLTV: ¿En qué circunstancias escribís, si es que ejerces la escritura?
EA: Escribí algunos relatos durante viajes, como diarios de ruta con acontecimientos y cuestiones sensitivas. También escribí algunos textos teatrales en creación conjunta con Gaby Ferrero para nuestro grupo Ácido Carmín y otros en solitario que aún no han visto la luz

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?
EA: A alguno de los personajes de los  cuentos de Silvina Ocampo, tal vez un café con leche a los niños de La Naranja Maravillosa (cuentos).

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?
EA: Sin dudas invitaría a cenar a Don Quijote, nada mejor que un buen contador de historias desopilantes.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?
EA: Creo que los libros cuyas versiones cinematográficas vi primero: La Insoportable levedad del ser ( M. Kundera)

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?
EA: La capacidad de autodestrucción.

LLTV: El 24 de enero estrenan “Olvidémonos de ser turistas” nada menos que en Barcelona. ¿Qué expectativas tenés?
EA: Las mejores; por el maravilloso proceso de ensayos, con un equipo artístico y técnico de gran entrega, y porque sobretodo admiro la dramaturgia de Josep M. Miró, quien escribió el texto especialmente para este equipo y la dirección de Gabriela Izcovich; creo que será una mixtura muy potente , sumada a la particularidad de mezclar actores argentinos y españoles.

LLTV: Inevitable preguntarte cómo ves el teatro argentino en virtud del momento económico que vivimos. Desde tu visión como actriz como fue el 2017 y como vez que se proyecta para el 2018.
EA: Es un tema complejo. Yo pienso que las crisis económicas y sociales siempre actúan negativamente sobre la vida  de las personas, ya que les produce un estado de zozobra muy fuerte. Es necesario tomar estos procesos para resistir y poner de manifiesto la creatividad, la opinión y reflexión sobre estas cuestiones q afectan a la sociedad. Es en el teatro o en el cine donde yo encuentro espacios profundos de expresión para encontrarse con el otro (el público) y con uno/a mismo/a (actor/actriz). Creo en una sociedad que trabaja en equipo por el bienestar de sus individuos. El 2017 no fue un año fácil, sino todo lo contrario. Espero que el 2018 traiga muchas cosas buenas. En realidad mi sueño de venir a Barcelona a ensayar esta obra y con este equipo artístico me da toda la energía para proyectar un año donde Olvidémonos de ser Turistas, sea la obra que abra puertas en varios sitios en mi país, que es mucho más que Buenos Aires y otros del continente. Para empezar Barcelona y Madrid ya abrieron sus puertas.

LLTV: ¿Qué otros proyectos tenés para el 2018, que se puedan contar?

EA: Tengo una propuesta para  el Teatro San Martín, para integrar elenco con una obra que dirigirá Helena Tritek: La reunificación de las dos Coreas , de Joel Pommerat. 

martes, 26 de diciembre de 2017

ENTREVISTA A LA CANTANTE SOFÍA BELÉN MACCARONE




LLTV: Los tres libros más importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona. 
SBM: Bueno, en principio debo decir que no soy una gran lectora. Me gusta mucho leer, pero por lo general, en mi tiempo libre, siempre prefiero hacer música, o en su defecto, escucharla. Sim embargo, si tengo que elegir tres libros, creo que serían: toda la saga de “Harry Potter”, que en realidad son siete, pero son personajes que crecieron conmigo, sus protagonistas iban teniendo la misma edad que yo a medida que la historia avanzaba, así que sin dudas, son los más importantes. “Mi planta de naranja lima”, también es un libro que me marcó. Lo leí cuando era muy chica, y logré con él dejar salir mis emociones: fue el primer libro con el cual lloré. Y por último, elegiría el libro “Las voces de desierto”, de Marlo Morgan: me atrapó por completo, tal vez por toda la aventura que narra, que coincide con mis ganas eternas de aventurarme a nuevas experiencias.
LLTV: ¿Último libro que leíste?
 SBM: “Terapia” de Sebastian Fitzek
 LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?
 SBM: Lo que más me gusta leer, son novelas. O libros que de alguna manera narren una historia, no importa el género. Sin embargo, el libro que marcó mi vida para siempre no tiene nada que ver con esto. “El secreto”, de Rhonda Byrne, libro que explica y transmite el funcionamiento de la ley de la atracción, marcó un camino, una filosofía de vida para mí.
LLTV: ¿En qué circunstancias componés?
SBM: Suelo componer en mi casa, principalmente. Aunque lo primero que escribo son las letras; es decir, primero escribo una historia, frases o versos en base a lo que quiero contar, que en general se trata de alguna experiencia propia. Y eso se puede dar en cualquier momento y lugar: en medio de una charla, en el colectivo, caminando. Una vez que tengo narrada una idea, y me parece que ya tomó cierta forma concreta, cierto sentido, me cuelgo la guitarra y empiezo a convertir en melodías las palabras.


 LLTV: ¿Qué música va a escuchar quien quiera conocerte como artista?
 SBM: La influencia más significativa en mi música, es la folclórica. Pero, desde ya, no es la única: en mi disco hay canciones de varios géneros, desde una chacarera, hasta una bossa nova, una balada, o un flamenco. Creo que es un disco muy versátil, y que es fácil que guste a todo tipo de personas. A los jóvenes, por sus melodías pop, y a los no tan jóvenes por las raíces folclóricas.
LLTV: ¿Qué material compone tu repertorio, temas propios y covers?
 SBM: Si, exacto. El disco se compone de nueve canciones propias y dos versiones. Una de ellas es “Barro Tal vez, del Flaco Spinetta, y la otra es “Zamba Para No morir”, de Hamlet Lima Quintana. En los conciertos, suelo agregar algunos covers más; canciones conocidas, o del repertorio popular, para que todos puedan disfrutarlo: los que conocen mis canciones, y los que no. Creo que es la mejor manera de que vayan conociendo mi música, de una manera más amena, porque es muy difícil asimilar muchas canciones nuevas, todas juntas.
LLTV: Dónde se puede comprar tu material y dónde se te puede escuchar
 SBM: Mi disco “Desde El Sur”, está disponible en todas las plataformas digitales: Spotify, Itunes, Google play, etc.
LLTV: ¿Cuáles son los proyectos para el 2018?

SBM: En principio, voy a estar cerrando el año el 30 de diciembre en el Centro Cultural No Me Olvides, en Lomas de Zamora, a las 20.30 hs. Luego, voy a ir a la ciudad de Cosquín, a tocar en sus peñas. Hay una movida folclórica muy fuerte allí, así es que es una excelente manera de difundir mi material. Y cuando regrese, seguramente tenga más fechas en festivales, que aporten a la difusión.

martes, 14 de noviembre de 2017

CRITICA A LA OBRA TEATRAL EL REGRESO. DE BRIAN FRIEL DIRECCION: AGUSTIN ALEZZO





Una familia atravesada por un suceso trágico, está destinada a repetirlo una y otra vez, para finalmente comprender lo que sucedió.

Desde un clima cálido y desolado, con notables marcas de abandono y de un pasado inminente, nos hacen participe de un regreso, de una historia de amor, odio, verdades y mentiras; pasiones ocultas y problemas familiares, donde cada uno de los miembros de esta, reviven recuerdos de momentos vividos mediante una representación guiada de su propia vida, realizada por un personaje/director/didascália a partir de un libro, donde está impresa la historia familiar y tiene la potestad absoluta sobre esta, siendo totalmente obviados los hechos que sucedan y estén fuera de él. Este, cumple con el papel de libro de la vida, con un destino que está marcado y no se puede cambiar; de igual forma se establece la imposibilidad de saber que algo malo sucederá y no poder hacer nada para evitarlo.

Una propuesta diferente, fresca y audaz. Una obra dentro de otra obra, dirigida por una didascália que desde el estar y no estar en escena toma cuerpo. Cambios de ritmos por personajes que irrumpen y rompen lo cotidiano, crean una atmosfera dramática y cómica por momentos; actuaciones con gran proyección y realismo, les permite a los personajes atravesar por diferentes estados, momentos y sensaciones que los hace viajar en el recorrido de la obra y de paso, logran trasmitir y generar imágenes al espectador a través de un texto completo en su construcción y de gran sonoridad. Las relaciones y vínculos que se establecen, entrelazan al espectador y hace posible seguir el hilo total de la historia.




ELENCO

Carlos Kaspar (El señor)
Bernardo Forteza (Padre Tom)
Stefania Koessl (Anna)
Claudio Amato (Charlie)
Sol Fassi (Tina)
Lorena Saizar (Helen)
Magela Zanotta (Myriam)
Alejandro Fain (Frank)
Federico Tombetti (sean)

Asistencia de Dirección: Edgardo Millan
Diseño de Escenografía: Marta Albertinazzi
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Diseño de iluminación: Felix Chango Monti
Diseño de Vestuario: Analia Morales
Músicos: The Oxers + The Border Reivers
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Arte y Diseño Gráfico: Pablo Bologna
Traducción de Texto: Agustin Alezzo
Realización Escenográfica: Juan Edgardo Reynoso
Fotografía: Ignacio Lunadei
Diseño de Maquillaje y Peinado: Sabrina San Gil
Vestidor: Osvaldo Gilio
Producción Ejecutiva: Ezequiel Procopio
Producción Artística: Sebas Rojas


Prensa: Octavia Comunicación

Crítica: Alejandra Moreno

Dirección: Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA
Funciones: Jueves a Domingos, 20:30 hs.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.



miércoles, 8 de noviembre de 2017

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "BUFARRA"




Silvio, que acaba de salir de prisión, llega a Podestá a visitar a su amigo de la infancia, Vicente, y a su hijo Ángel. Un asado que se cocina “de verdad” en el transcurso de la obra es la excusa para el encuentro que da inicio a esta interesante experiencia teatral.

Con dramaturgia y dirección de Eugenio Soto, “Bufarra” sucede al aire libre, en el patio del Espacio Polonia, los domingos a las 21 hs.

Vicente asa carne en una parrilla mientras espera a su amigo y compañero de militancia, Silvio, que acaba de salir de la cárcel por ser acusado de bufarra. La mujer de Vicente no está de acuerdo con el encuentro por ese motivo y además porque la pareja tiene un hijo adoptivo menor de edad. Este punto abre el juego a las distintas situaciones que se plantean en la obra.

Con actuaciones potentes de un gran elenco, cada personaje transita los distintos matices y tensiones que se ponen en juego a través de gestos bien marcados, calidad vocal,  palabras contundentes y sutilezas. La construcción de los personajes está muy bien lograda y acorde al estereotipo de identidades que se plantea en la obra, una visita con conductas ambivalentes, una familia de clase media con vínculos inestables y un hijo adoptivo que sufre bullying en el colegio por su gordura. Con ese planteo y un impecable procedimiento de situaciones encadenadas, el director logra abordar con excelencia temas como el deseo, la pedofilia, la venganza, el amor, la identidad. Eugenio Soto utiliza la empatía de los personajes para tocar contundentemente estos temas.

El diseño del espacio escénico invita al espectador a ser casi participe e involucrarse emocionalmente con cada situación. Crea el ambiente adecuado y aporta al accionar de cada uno de los personajes.

“Bufarra” es una obra que nos hace viajar a través de cada personaje, nos envuelve y nos lleva a reflexionar y cuestionar de forma constante temas fuertes de la sociedad.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Eugenio Soto
Actúan: Leilén Araudo, Facundo Cardosi, Leo Espíndola, Martín Mir, Darío Pianelli
Diseño de vestuario: Lucía Scarselletta
Espacio escénico: Félix Padrón
Diseño de luces: Félix Padrón
Fotografía: Mariano Martínez, Juan Francisco Reato, Franco Vaca Braylan
Diseño gráfico: Juan Francisco Reato
Asistencia de dirección: Mara Beger, Nerina Carunchio
Prensa: CorreyDile Prensa
Producción ejecutiva: La Jangada Producciones
Dirección: Eugenio Soto


Crítica: Fabiana Mureide

CRÍTICA A LA OBRA "EL AMANTE DE LOS CABALLOS"




Una obra que supo transformar en un hecho teatral los textos de Tess Gallagher, viuda del conocido escritor Raymond Carver. “El amante de los caballos” es un monólogo poético protagonizado por Anna Scannapieco, adaptado y dirigido por Lisandro Penelas, miembros de La compañía Moscú Teatro. Las funciones se realizan los sábados, en Camargo 506, a las 20:30 hs.

Una hija transita la enfermedad y muerte de su padre, a la vez que recuerda la historia de su abuelo y de su familia. En este trayecto reconoce que la une a sus antepasados.

La actuación de Ana Scannapieco resulta sumamente atrayente. Logra cautivar al espectador con su destreza corporal. Juega a ser un caballo, pero no lo es, lo evoca a través del cuerpo.  La actriz genera momentos de complicidad con el público mediante la mirada, los gestos, los susurros y la expresividad vocal con la que atraviesa los distintos matices que hacen a la muerte, la enfermedad, las adicciones, la locura, la infancia y otros temas abordados en la obra. La excelente articulación y el volumen de la voz resulta una pieza clave del relato. Con todas estas herramientas, Scannapieco nos brinda momentos de humor absurdo, tiernos y emotivos. La capacidad creativa del director potencia y enriquece todas estas herramientas con las que logra fluidez y embellece la obra.

La escenografía con objetos que remiten al establo junto con la iluminación tenue y el vestuario, crean un espacio íntimo y un ambiente adecuado y verosímil para el desarrollo de la trama. Los acordes del chámame contribuyen a la puesta en escena.

La obra, luego de una hora, finaliza en el punto exacto en que el espectador se encuentra profundamente conmovido y sumergido en el relato. “El amante de los caballos” es una puesta de extremada belleza poética, llena de imágenes y de sutiles movimientos actorales.
  
Ficha técnico artística:

Sobre textos de: Tess Gallagher
Adaptación: Lisandro Penelas
Actúan: Ana Scannapieco
Vestuario: Gonzalo Cordoba Estevez
Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Diseño de luces: Soledad Ianni
Música original: Hernán Crespo
Fotografía: Ariel González Amer
Diseño gráfico: Martín Speroni
Asesoramiento coreográfico: Sabrina Camino
Asistencia de dirección: Julieta Timossi, Ricardo Vallarino
Prensa: Luciana Zylberberg
Producción ejecutiva: Cecilia Santos
Dirección: Lisandro Penelas

Crítica: Fabiana Mureide