ENTREVISTA LITERARIA A LA ACTRIZ BRENDA DONADIO

LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona. 

BD: La realidad es que muchos libros que leí me gustaron mucho, pero no siento todavía que haya uno que me haya constituido como persona. Muchas veces leo y me identifico con algún personaje, pero todavía no mucho más.

 LLTV: ¿Último libro que leíste?

 BD: Me gusta mucho leer, y actualmente para la facultad estoy leyendo muchas obras de teatro. Recién esta tarde terminé le leer “Tío Vania” de Anton Pavlovich Chejov.

 LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

 BD: Un libro que me marcó mucho fue y sigue siendo El Pincipito. Fue un regalo que me hicieron y lo leí con suma dedicación y me sumergí tanto, que le encontré muchos significados y sobre todo porque fue escrito para el niño que una persona adulta fue en algún momento y eso me pareció sumamente interesante y que jamás debemos olvidar. De hecho se lo recomendé a mi hermano y suelo hacerlo con muchas personas. Para mí es un libro clave.

    LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?

BD: Suelo escribir mucho, aunque también dependiendo de mi tiempo. No suele ser lo primordial en mi vida, pero si un cable a tierra necesario en momentos en los cuales me suceden cosas que necesito bajar a tierra. Si bien no escribo en primera persona como en un diario personal, si se ven reflejados muchos pensamientos propios.

 LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?

BD: Me gustaría invitar a tomar un café a la Maga de “Rayuela”, escrita por Julio Cortázar, solo por el hecho de hablar un poco del amor y filosofar sobre eso y de porqué nos negamos muchas veces a ese sentimiento.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro te gustaría representar en un escenario?

BD: Y en este caso también voy a elegir a la “Maga”.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?

BD: La realidad es que me gustaría ir yo a comer con el sombrerero loco y la Liebre de Marzo de Alicia en el país de las maravillas, porque me parecen personajes sumamente divertidos y absurdos que te hacen pasarla bien sin duda.

    LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?

 BD: Por suerte no tuve la experiencia de que un libro me defraudara, a lo sumo que sucedan cosas en él, que me entristezcan o me molesten, porque no me lo espere, pero eso suele suceder hasta cuando ves una película y muere un personaje que no te lo esperabas.

LLTV: ¿Tenes escritores que puedan llamarse referentes para vos?

 BD: No sé si los llamaría referentes, lo que si tengo escritores que me gustan mucho como escriben, uno de ellos es Chejov y su técnica del uso del monologo en los personajes. Los monólogos no suelen gustarme, pero los de él suelen atraerme mucho. Otro es Shakespeare. Debo decir que no es mi preferido, pero admiro mucho su manera de escribir. Es en lo personal una lectura sumamente difícil en la cual tengo que estar compenetrada porque sino suelo perderme en la lectura. A pesar de eso creo que es un gran escritor con el cual tengo esa contradicción.

 LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?

 BD: Me sorprende mucho la falta de conciencia a la hora de cuidar el ambiente. Suelo ser muy cuidadosa con todos los recursos naturales y me suelen enfadar las personas que no lo hacen.

LLTV: Estas representando “La Que Nunca Estuvo”. ¿Qué se puede contar de tu papel?

BD: Estoy realmente conforme con el crecimiento que tuve en el mismo, ya que es un papel totalmente distinto a mi persona. Mi personaje se llama Vera, y es una persona que cambió mucho a lo largo de los años y que en ese “aquí y ahora” de la reunión que estamos representando en la obra, demuestra ser un tanto agresiva y “machona”. No puedo contar mucho más porque debelaría cierta característica que tiene, que está bueno descubrirlo ahí mismo.

LLTV: ¿Cuánto hay del papel que interpretas, que puedas asociar a la propia Brenda Donadío?

 BD: La realidad, es que mucho no lo puedo asociar conmigo, porque como ya dije, es muy diferente a mí. Lo que puedo llegar a relacionar es lo relajada que es Vera en una reunión con amigas, y lo relajada que soy yo también a la hora de estar reunida con ellas.

 LLTV: ¿Proyectos laborales, si se puede contar, para el resto del 2015?

 BD: Tengo un proyecto al cual me invitaron a participar y que estoy muy encantada de hacer y que lo único que puedo decir es que también consiste en una obra de teatro. Aparte de todo eso transitar con mucho amor y muchas ganas mi tercer año de facultad en la Licenciatura en Actuación.

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "PESSOA, ESCRITO EN SU NOMBRE" dirigida por Alfredo Martín

Pessoa, escrito en su nombre – Dir.: Alfredo Martín

Corre 1935. En alguna taberna del más allá, un maestro tuberculoso irrita con sus decires a desentendidos bebedores. Otro, de humor mendaz, tira colillas por una ventana. Un médico se burla de pueriles aventuras con remembranzas helénicas. Aburridos del discurso, se disponen a perderse, no sin antes mirarse fijamente. Cada uno se lleva un trozo del mapa, con sus propias coordenadas, unidos por su lado incompleto. Una tarde de noviembre, la sociedad de estos poetas inicia un viaje eterno.

En 1888 nace en Lisboa Fernando Antonio Nogueira Pessoa, hijo de Joaquim de Seabra Pessoa y María Madalena Pinheiro Nogueira. A los cinco años perderá a su padre, y poco después asistirá a las segundas nupcias de su madre. La vida lo traslada a Durban, en Sudáfrica, donde inicia sus estudios primarios. Su educación sajona perpetuará en él un deleite por las letras inglesas, lo que empuja a este joven a recorrer el camino de la creación literaria. Luego de graduarse con honores en cada instituto al que accedió, retorna a su ciudad natal en 1905. Gracias a su manejo del idioma inglés, se incorpora a la función pública como corresponsal extranjero, además de dedicar su tiempo al periodismo y a la traducción de obras inglesas al portugués. La vida lo encontrará con Ofelia Queiróz, una joven menor que él, con quien mantendrá una escueta relación, interrumpida por las extravagancias del poeta. A raíz de un cálculo biliar, consecuencia de su excesiva ingesta de alcohol, muere el 30 de Noviembre de 1935.

Pessoa, escritor sin parangón en la historia de Portugal, amante de las letras inglesas, poeta introspectivo, aislado, controversial, nos legó una extensa obra en su corta vida. En su mayoría, fue editada de manera póstuma, salvo sus obras de poemas y sonetos en inglés, y el poema Mensagem. Uno de los elementos que ha cosechado mayor curiosidad respecto a su estilo, corresponde a sus personajes fantásticos, denominados heterónimos. De sus setenta y dos heterónimos (aproximadamente), son cuatro los de renombre en su obra: un misterioso poeta filósofo llamado Alberto Caeiro; Álvaro de Campos, un ingeniero nihilista; el doctor Ricardo Reis; y el escritor Bernardo Soares.

Cada uno con sus particularidades, los heterónimos funcionan como piezas del repertorio fantástico de Pessoa. Encarnan una mirada sobre el quehacer poético y reflejan diferentes aprehensiones sobre la vida. Éstos dialogan entre sí, y hasta polemizan con Pessoa. Por fuera de su manipulación ficcional, el poeta les da vida a estos personajes en su vida pública e íntima. En alguna ocasión, durante su intercambio epistolar con Ofelia, la joven le hace saber que odia a Álvaro de Campos, debido a que éste heterónimo (un ingeniero homosexual nihilista) la rechaza de manera vehemente (Pessoa llegó a firmar cartas con el nombre de dicho heterónimo). Sin excederse del marco de esta reseña, es preciso destacar que Pessoa, atomizado en personajes ficticios (que hablan por sí mismos, y que tienen fecha de natalicio y muerte), disimuló el asilamiento desde niño utilizando estas creaciones, quizás para morigerar el encuentro con una nueva familia. Desde pequeño, sus heterónimos fortalecieron un auto-diálogo, que poco a poco fue tamizado y pulido con intenciones poéticas.  La “realidad”, doblemente ficcionalizada, se aísla en el vivir de estas almas fantásticas, cada una con sus propios dilemas. Alberto Caeiro, a quien Pessoa lo apoda “el maestro”, es un campesino sin instrucción formal, pero con una sólida capacidad reflexiva y poética, que pregona una suerte de paganismo refractáreo a la metafísica. Muerto joven por tuberculosis, es uno de los heterónimos que abultan su legado poético. Otro caso es el de Ricardo Reis, médico, el cual se exilia en Brasil por cuestiones políticas. Él es un conservador nato que reivindica ideales de antaño, que intuye la razón en la proporción y la disciplina; y que recita versos clásicos de Homero y de Píndaro.

Otra curiosidad es el afán de Pessoa por la astrología y las organizaciones iniciáticas. En ocasiones defendió públicamente a los Rosacruces y la masonería, tomando distancia de la institución católica. A su vez, conoció al renombrado ocultista Aleister Crowley, con quien mantuvo una estrecha relación.

Esta breve introducción nos permite acercarnos a la propuesta del dramaturgo Alfredo Martín. Pessoa significa en portugués “persona”. Un sujeto inicia su aventura en la vida encadenado a un pivote: un nombre. Él es persona, alguien…algo que se eyecta de sus palabras. Pessoa es una pluralidad de seres con rostro y lengua propia. Así toman vida los heterónimos, que a él subsisten.

La magistral pieza nos involucra en los diálogos que el poeta mantiene con sus personajes. Pessoa, minusválido por su precaria salud, se encuentra bajo el cuidado de Isabel, una joven enfermera. En su habitación desfilarán los seres significativos en su vida: el poético Caeiro, el nihilista y reflexivo De Campos, Ofelia y el horaciano Reis. La obra le da cuerpo a estos personajes, a estos pensamientos desdoblados del poeta, al punto de ser ajenos, autónomos…

Pessoa, escrito en su nombre es una apuesta sublime, que transporta las vicisitudes de estos seres a nuestra piel gracias a un elenco excelente que nos roba la atención a lo largo de toda la obra.

Los nombres de Pessoa son varios. Quizás para el poeta la palabra “vivir” haya sido particularmente amplia y diversa. Muerto, aún tiene como elegir para contarnos su historia.  

Pessoa, escrito en su nombre se presenta los Viernes 22:30 hs en Teatro Andamio 90, Paraná 660 CABA

Ficha técnica:

Elenco: Marcelo Bucossi (Fernando Pessoa)

                Dolores Pérez Demaría (Isabel)

                Leonel Dolara (Álvaro de Campos)

                Mariano Scovenna ( Alberto Caeiro)

                Daniel Begino (Ricardo Reis)

                Lorena Szekely (Ofelia Queiróz)

Escenografía e iluminación: Gonzalo Córdova / Asistente de escenografía: Isabel Gual / Diseño de sonido: Mariano Schneier / Vestuario: Jessica Menéndez / Fotografía: Sol Atta / Diseño gráfico: Gustavo Reverdito / Prensa: Silvina Pizarro / Asistente de Dirección: Cinthia Demarco / Dramaturgia y dirección: Alfredo Martín       

Crítica realizada por Guido Facile

ENTREVISTA LITERARIA A LA ACTRIZ FRANCINA ADEFF

LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona. 

FA: Tengo varios libros para nombrar que me han gustado mucho, pero,  siento que no los puedo elegir como los mas importantes y mucho menos que me hayan constituido como persona.

Hace poco leí ¨Tres Luces¨ de Claire Keegan, me encantó, está escrito en primera persona, bajo la mirada de una nena. Además del valor que le da la autora al silencio, como participe de un pacto de lealtad y amor, este libro despierta a nuestro niño interior, ese que a veces tenemos olvidado.

Todo niño es un artista porque cree ciegamente en su  talento, no tiene miedo a equivocarse. El problema aparece cuando crece, le enseñan que el error existe y hay que avergonzarse de él.

Yo, como artista, cuido mi niña interior.

LLTV: ¿Último libro que leíste?

 FA: Estoy leyendo Caballo de Fuego de Florencia Bonelli.

 LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

 FA: ¨Romeo y Julieta¨,  la primera obra que analicé en mis clases de teatro.  Recuerdo que fue hace cuatro años y si bien la había leído anteriormente, esa vez para mí fue la primera.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?

FA: Escribía mucho de chiquita, cuando tenía unos diez años, en mi vieja computadora de escritorio. En ese entonces no había Internet en casa y solo se podía jugar con el Paint o al Tetris. Como a veces me aburría de hacer siempre lo mismo, urgando en la compu un día descubrí el Word, ese programa que usaban mucho mis papas y en el que empecé a escribir historias; las tengo guardadas todavía, la mayoría eran de suspenso.

Ahora escribo para mis ejercicios de teatro, cada comportamiento (personaje) tiene su propia historia.

 LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café,  por qué?

FA: A la niña del libro ¨Tres Luces¨, porque a mi nena interior le gustaría hablar con ella.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro te gustaría representar en un escenario?

FA: A Julieta Capuleto.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?

FA: Nuevamente a la nena de Tres Luces, porque sé que jugaríamos todo el tiempo.

    LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?

 FA: Por suerte no me ha pasado. Hubo libros que me gustaron mas que otros o que me costaron mas que otros, pero que me defraudaron por ahora no.

LLTV: ¿Tenes escritores que puedan llamarse referentes para vos?

FA: Me falta leer muchísimo para elegir alguno como referente, pero sin dudas Cortazar, Edgar Allan Poe y Borges, entre otros, son referentes para todos.

 LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?

 FA: Muchas cosas, pero la primera que se me vino a la mente es la CREATIVIDAD.

LLTV: Estas representando “La Que Nunca Estuvo”. ¿Qué se puede contar de tu papel?

FA: Mi papel es el de Martina, la dueña de casa donde se desarrolla el reencuentro entre un grupo de amigas que no se ven desde la secundaria. Si bien pasaron cinco años, Martina sigue creyendo que es la líder del grupo, vive dando ordenes y no acepta que se las den a ella. No es mala persona, solo un poco superficial. No se cansa de repetir lo perfecta que es su vida, pero en el fondo se siente vacía y sabe perfectamente que de perfecta no tiene nada.

Martina no creció, sigue siendo esa nena mandona que va a la secundaria, que tiene un grupo de amigas que la siguen, sin un proyecto de vida serio y mantenida por sus padres.

Martina se va dando cuenta a lo largo de la obra que las demás cambiaron, que están transitando un nuevo camino, que están creciendo. Ella no quiere cambiar, quiere seguir siendo esa nena que alguna vez fue, pero lo va a ocultar, no se lo va a decir a nadie, nunca. Ella cree que tiene una vida PERFECTA.

LLTV: ¿En cuánto se identifica Francina Adeff, con el personaje que te toca representar?

 FA: Me encariñe muchísimo con Martina, me costo bastante representarlo porque lo veo muy alejado de lo que realmente soy. En realidad no de lo que soy sino de la ¨imagen¨, por decirlo de alguna forma, que uno proyecta en los demás. Una persona esta compuesta por muchas caras, dentro de uno hay un asesino, un pacífico, un sumiso, un rebelde, un alegre, un deprimido, un aventurero , un retraído, un superficial, un naturalista, y todos los aspectos que te imagines, y elegimos uno para mostrarnos al mundo, capaz la cara que mas nos gusta, pero en realidad somos un poco todas esas caras. En fin, eso me paso con Martina, me costo descubrir esa cara mía, sacarla, aceptarla y mostrarla al público.

 LLTV: ¿Proyectos laborales, si se puede contar, para el resto del 2015?

 FA: Muy contenta les respondo que si los hay. No me quiero apresurar a contar, pero por las propuestas que me llegaron y por proyectos propios creo que este año va a ser intenso, un año de mucho aprendizaje para mi.

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "LA QUE NUNCA ESTUVO" de MAURO YAKIMIUK

"Ese grupo de mujeres ya adultas que creen conocerse, pero no... cinco personajes depresivos con alteraciones histéricas que creen poseerlo todo, pero es otra la realidad. La represión, la mentira y el "choque" entre ellas juegan el rol más importante en la obra. 

   Excelente gesticulación y movimiento de los cuerpos en escena. Las acciones no se detienen ni se quiebran en ningún instante. Escenografía con colores vivos y resaltadores, cuando, en realidad, detrás de esa reunión se oculta algo "tan muerto" y oscuro. Es la mayor contradicción. 

   Una tercera desconocida se oculta entre las cuatro restantes tratando de llegar a través de su expresión e ironía a lo más oscuro e increíble en el desenlace.   

   Luces verdes y claras tenues, pero que remarcan la existencia en la escena de cada una de ellas sin ocultar nada. Pero lo más importante de todo es aquello que ellas ocultan, que quieren negarse a sí mismas. Que más allá del tiempo transcurrido del hecho desastroso que ha pasado en su adolescencia, jamás podrá olvidarse a pesar de su negación sobre dosificada interna y externa de cada personaje. No lo logran, en sus confesiones, se detona el desastre y el horror de lo ocurrido. La tensión "apura" la certeza de lo que ya se hizo, de lo que no se podrá volver atrás, de lo que jamás tendrá una solución. Y lo que es inquebrantable, lo que ya no se puede alterar. 

    Excelente paradoja cuando se emplean frases o expresiones que contradicen la realidad.

  ¿Por qué el ser humano es tan cruel y efímero siendo consciente del dolor que está provocando?."

Ficha técnico artística:

Elenco: Fiorella Di Carlo, Francina Adeff, Brenda Donadío, Marina Rocha, Julieta Grimaldo

Autoría y Dirección: Mauro Yakimiuk

Asistencia de Dirección: Nicolás Fabbro

Producción General: Laura Méndez

Fotografía: Pamela Santangelo

Escenografía: Mariana Ramírez Roa

Realización Escenográfica: Mariana Ramírez Roa, Gabriela Luna, Carlos Zabala

Todos los viernes a las 22:30 hs en el Teatro La Tertulia, Gallo 826, Capital Federal.

Mail de la obra: laquenuncaestuvo@gmail.com

Crítica realizada por Florencia Campetelli

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "EXTORSIÓN, TRAICIÓN Y ASESINATO EN EL HOTEL PIAZZOLLA" DE JUAN PABLO BARRIOS

"Son cinco personajes con diferentes historias, fantasías y morbos, carentes de amor. 

   Escenografía: Una cama central, es el único objeto necesario y sin limitaciones para dar a entender la sexualidad y perversión de cada personaje. 

   La gesticulación de cada uno es increíble, el manejo de las manos, sus sensaciones, sentimientos y acciones. Éstas son cotidianas y a la vez persuasivas y metafóricas. Los personajes no se detienen jamás. Siempre hay "un algo" ocurriendo. Las luces se tornan rojas y claras tenues.

  Las frases claves y más sensibles de cada personaje:
  Angélica:"Nunca se ganaba, nunca se perdía. Esa era la causa de la felicidad". 

  Luis Ignacio: "Todos quieren ganar plata. El mundo se muere por el dinero y el sexo".

   Jorge:"Me hubiese gustado que haya venido a refugiarse en mí, que pueda aconsejarla".

    Clarisa:"Quisiera estar con vos toda la vida y no conocerte nunca".

    Nancy:"Estuve una vez con él, lo amo y no lo puedo negar. Yo sólo quiero estudiar Teatro".  

     Éstas cinco frases caracterizan a cada uno y a medida que pasa el tiempo nos dan a entender cómo y de qué manera cada uno lleva a cuestas el dolor intrínseco y los poderes mundiales. 

  Perfectas acciones, ni exageradas, ni manipuladas ni pobres de conocimiento teatral y dramático. Los monólogos de cada personaje son espontáneos, naturales y cada un lapso de media hora. Todos muestran su lado débil, nato y perfecto al mismo tiempo sin necesidad de esconder la certeza, y la morbosidad que los lleva adelante para no dejar de accionar.  

   Otro punto interesante: El suicidio y el homicidio. Uno de los cinco personajes lo habla con naturalidad y belleza de sí mismo y con la filosofía de conocer sin haberlo vivido, sólo intentarlo...¿Acaso tal vez los cinco necesitan concretar algunas de éstas dos vivencias para sentirse aliviados?

   Excelente interpretación, creación y sobresaltos a partir del dolor, carencia de sentido de la vida y falta de interés al camino que deseen elegir y cómo hacerlo con la necesidad de lastimar al otro para lograrlo. ¿Qué hacer cuando todo está perdido y ya no hay vuelta atrás?".

Ficha técnica:

Elenco: Yanina Martino- Victoria Fernández Alonso- Luciana Grande- Pablo Martínez- Juan Ignacio Esteban

Vestuario: María Emilia Serrano

Diseño de luces: Mariano San Martín

Diseño gráfico: Bárbara Delfino

Fotografía: Maxi Bort

Escenografía: Pedro Piana

Música Original: Federico Marquestó

Prensa: Laura Castillo

Asistencia de dirección: Carolina Finoli Gondra

Dramaturgia y dirección: Juan Pablo Barrios

Crítica: Florencia Campetelli

CRÍTICA TEATRAL A LA OBRA "SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO"

Sueño de una noche de verano, adaptación de Mariana Moschetto y Agustín Chenaut, nos trae una representación minimalista de una de las más afamadas obras de Shakespeare, situada en tiempos contemporáneos. Es una obra enérgica en la que la iluminación juega un papel importante ya que es, gracias a tonos radiantes donde abundan rojos y verdes, la creadora del ambiente escénico, cuya superficie está desprovista de objetos.  

Las escenas se desarrollan en cuadros que le dan una energía renovadora a cada momento y una experiencia vertiginosa para el espectador. El sonido, música original de Gustavo Zabala, nos da temporalidad con las melodías de bandoneones, guitarras y teclados; y nos encuadra en la vorágine en la que están envueltos los personajes en cada circunstancia amorosa.

La obra es una comedia muy entretenida en la que nos vemos cautivados por la corporalidad de cada uno de los personajes que componen ese dichoso elenco. Muy entretenida y sumamente recomendable. La obra sube a escena los días sábados a las 18 horas en El Método Kairós (El Salvador 4530).

Ficha Técnica:

Dirección: Agustín Chenaut y Mariana Moschetto.

Intérpretes: Andrea Allende, Sofia Black Kali, Agustin Chenaut, Agustina Donantueno, Maria Rosa Messina, Milton Mey, Santiago Montevidoni, Antonela Moschetto, Silvana Pierani, Juan Tate y Lucas Villar.

Diseño de Vestuario: Andrea Allende.

Música Original: Gustavo Zabala.

Fotografía: Nacho Lunadei.

Diseño Gráfico: Martin Catalano, eme70.

Prensa & Difusión: Hola! Prensa & Difusión - www.holaprensaydifusion.blogspot.com.ar

Teatro: El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A. – Argentina.

Funciones: Sábados a las 18hs.

Reservas: 4831-9663. Costo entrada: $100. https://www.facebook.com/ElMetodoKairos /

Duración: 100 minutos

Estreno: 4 de abril.

Finalización: 27 de junio.

Crítica realizada por Danilo Zárate Pacheco

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "AMORAR" dirigida por ELOÍSA TARRUELLA

Amorar – Dir.: Eloísa Tarruella

“Es una canción que nos acerca

Tú me amabas y yo te amaba

Vivíamos juntos

Tú, que me amabas, y yo, que te amaba…

Pero la vida separa a aquellos que se aman

Silenciosamente sin hacer ruido

Y el mar borra sobre la arena

El paso de los amantes que se separan.”

Las hojas muertas. 

Jacques Prevert

El mundo es un laberinto, donde infinitas casualidades tuercen lo fortuito en instantes absolutos. El amor tiene esa costumbre arrogante de increpar las contingencias y hacerse dueño de “causas”: todos los momentos pasados, por más que sean nimios, llevan a ese único puerto.

En un pequeño solar de este intrincado laberinto, se aproximan dos seres, Ulises y Julia. Él, un ser hecho de palabras y cicatrices; ella una joven estudiante de contaduría. Unión particular de seres disímiles: la joven de familia, predecible, se topa con un bohemio literato mayor que ella. A veces el amor hace nido en las letras…quizás sea un artificio, o un designio, o un defecto. Ellos se funden en el gusto por la poesía, por esa magia espontánea que tienen los susurros de piezas de Pizarnik o Prevert.

Un psicoanalista francés afirmaba que amar, es dar lo que no se tiene, a alguien que no lo es. Soy algo, un soplido, un reloj de arena… pero una mera existencia basta, para que yo, único de mi, sea tú… en tu rostro, en tu pelo, en tu impredecible forma de reflejarte. Hago los malabares que nunca aprendí, para ese tú, que en su pequeñez es gigante, que en su simpleza es infinito. Así viven Julia Ruiz y Ulises los desvaríos saludables de un amor, pleno de versos sin horarios.

La obra de Eloísa Tarruella, cuenta con monólogos y diálogos que refuerzan la interacción con el público, además de ofrecer un relato íntimo de lo que atraviesa cada personaje. Con una excelente performance, ambos actores generan una comicidad muy sutil, sin mermar en lo emotivo de la trama. La pieza, que se presenta durante el mes de Abril y Mayo, es una exquisita apuesta  de una joven dramaturga que tiene mucho por contarnos.

Amorar relata la deconstrucción de un amor, desde su inicio hasta el final. Una historia sensible, cercana, sin ínfulas épicas, diáfana…Es una comedia romántica que divierte y emociona, donde una despedida es tan simple como una llegada. Pero en el medio, el vértigo.

Amorar se presenta los Sábados 20:30 hs en Teatro Pan y Arte, Boedo 876 CABA.

Ficha técnica

Elenco: Eloísa Tarruella (Julia Ruiz)

                Julio Bambill (Ulises)

Operación de luces: Victor Chacón / Diseño gráfico: Julio Bambill / Fotografía: Martín Gerardi / Coauch de baile: Victoria Acevedo / Música original: Juan Matías Tarruella, Florencia Albarracín / Diseño de sonido: Luis Corti, Adriano Mantova / Diseño de vestuario y maquillaje: Rosanna Cristaldo / Asesora Escenográfica: Mercedes Pérez Sabbi /Diseño de Iluminación: Patricia Batlle / Entrenamiento actoral: Ludmila Rapaport / Asistencia de dirección: Julieta Puleo / Asistencia de Producción: Manuel Clifton / Dramaturgia y Dirección: Eloísa Tarruella

Crítica realizada por Guido Facile

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "SÍNTOMA" de GUILLERMO SALZ

El sábado pasado fuimos a ver “Síntoma” una propuesta creada por Guillermo Salz y dirección de Daniel Zaballa, protagonizada por Hugo Dezillio, Gustavo Oliver y Viviana Suraniti. Esta obra nos transporta a una sesión de terapia. Todo lo que no se dice. El cuerpo de un hombre que vibra, una convulsión constante. Un histeriqueo con la muerte que mira desde un costado, imposible que se termine lo que nunca fue.

La piel, la disociación constante del decir y sentir, el miedo crónico por ser uno mismo, de enfrentarse al espejo de la cruda realidad, la necesidad de arrancarse el dolor de la piel, el cartón numérico y la escala amnésica hasta el cinco ¿de quién es? ¿como se llega a la verdad? La única salida parece ser la muerte pero el vaso de agua purifica como si fuera agua bendita. La mentira se estrella como las gotas contra el piso. La verdad se asoma tímida por una rendija.

Síntoma es la historia de un hijo de padres desaparecidos, que busca, sin saberlo del todo, las huellas de su identidad. La mentira que desgarra y hace que el cuerpo vibre. Una historia de vida que estalla en mil pedazos para dar luz a la verdad que da esplendor después de estar enceguecida por tanto tiempo. Dando esperanza.

Un hombre en terapia y una familia astillada, sin identidad aparente, rota y quebrada por los engaños. Muestra la historia perdida y oculta de una sociedad que estando desgarrada se vuelve resiliente, se adapta y sobrevive. Una historia que te eriza la piel, una verdad tan escondida que te parte el alma.

El espectáculo fue Ganador del Concurso de Teatroxlaidentidad (Edición 2014), con un jurado integrado por: Gilda Bona, Luis Cano, Claudio Da Passano, Teresa Gatto, Mauricio Kartun, Román Podolsky, Sergio Rower y Martín Salazar.

Brillante las actuaciones y una musicalización genial acorde a los momentos y los textos.

“Síntoma es una pieza que nace a partir del deseo de recorrer los efectos sociales que, una y otra vez, se multiplican ante la apropiación de bebés y el cambio de su identidad. Pasados los años, ese crimen horroroso no puede sino tener sus ‘daños colaterales’ en el cuerpo social y recrea nuevas víctimas: los hijos de los apropiados, las familias que ellos forman, las familias que encuentran y las que dejan atrás. El recorrido de un ser que ya no puede dejar de bucear en su propia historia, a pesar del dolor y los obstáculos que su propia psiquis le pone por delante”, comenta Guillermo Salz

Ficha Técnica:

Hugo Dezillio (Doctor),

Gustavo Oliver (Leonardo)

Viviana Suraniti (Eva).

Asistente de Dirección: Maite Salz

Diseño de Iluminación: Fabián Molina Candela

Fotografía: Ariana Caruso

Producción Ejecutiva: Guillermo Salz;

Dirección: Daniel Zaballa
Prensa: Silvina Pizarro

Podés disfrutar de ésta obra todos los sábados a las 21 hs hs. en el Teatro El Crisol, ubicado en Scalabrini de Ortiz 657, Capital Federal // Entrada $100.- (Est. y Jub. $80)

Crítica por Ro Martinez

Edición: Dan Meilinger  

CRÍTICA A LA OBRA "HABLAR A LAS PAREDES" DIRECTOR DARDO DOZO

Un eco llena los pasillos silenciosos de una casa. Dos hermanos y una tía. De a poco las palabras se sueltan, se hacen diálogo, cuestionan…Falta un sujeto en escena: es el padre de ambos, que ha fenecido. Pero su palabra aún está, de forma tácita, marcando las horas de dicho hogar.

Félix y Felisa, los hermanos arrastran la voz del recuerdo junto a la beoda Tía Margarita. Se permiten una remembranza de su padre…y también las críticas. El difunto dejó un casillero, así todo cobra otra movilidad. En el transcurso del homenaje, la casa es invadida por vecinos aquerenciados con la familia: una pareja, Marianela y Antonio, y la desopilante Rosa.

A pesar de la incomodidad sacramental, las interacciones de los personajes se convierten de sosegadas tertulias a caos de humor y risa. Los vecinos, de muy buen gusto sabrán hacer de un día lúgubre, algo aún más dantesco: Antonio, con sus comentarios mórbidos que escapan a la prudencia que el día merece; Marianela, sensual y provocativa, dirige sus miradas hacia Félix; y Rosa, divertida, contagia con sus juegos una mínima cuota de júbilo en tanto ceremonial.

Los vinos se descorchan, horas pasan con recuerdos, álbumes infantiles y la atención esporádica dirigida a una madre convaleciente oculta en su habitación. Un final inesperado retuerce la trama y asombra a la familia.

La obra de Dozo alterna un humor excelente con la delicadeza de los diálogos que surgen en esta situación trágica. Las historias familiares, la desidia y una constante crítica a una supuesta “superficialidad” le dan una pista para que el humor, muy bien logrado por estos personajes, se luzca con esplendor. Una comicidad bien sustentada siempre cuenta con un telón de fondo amargo, reflexivo e irónico desde donde pueda erigirse.

En Hablar a las paredes, el difunto aún persiste invisible…en el discurso, en los modos de los sujetos de esta familia. Seres que tienen ese techo que les pesa, y que hará el fastidio del meditabundo Félix.

Así, la vida de estos hermanos, transita dentro de una caja, donde las paredes aún se imponen a viva voz.

Hablar a las paredes se presenta los Viernes 20:30hs. En Teatro La Tertulia, Gallo 826 CABA.

Ficha técnica:

Elenco:  Félix: Pablo Moseinco / Juan Stuto

                 Margarita: Vikki Barquiza

                Felisa: Celeste Valenzuela / Pamela Delía

                Marianela: Melisa Fernández / Agustina Liebehenz

                Antonio: Mario Campodónico / Rodrigo Ariel Leonardo

                Rosa: Mariel Albó / Ana Laura Reichenbach

Diseño espacial, de escenografía e iluminación: Héctor Calmet / Diseño de Vestuario: Alejandra Espector / Asistentes de Vestuario: Cecilia Gómez, Romina González y Camila Jaramillo / Realización torta: María Cristina Pieri / Música original bolero “Decir te quiero”: Vikki Barquiza, letra: Dardo Dozo / Técnico de grabación, mezcla y mastering: aftermixdown / Diseño y realización de video: Stephanie Krzywinski, Gabriel Davia para Vindicator / Fotografía: Ricardo Valenzuela y Giampaolo Samá /Diseño Gráfico: Mariel Sanz / Prensa y difusión: TP Tommy Pashkus Agencia / Producción ejecutiva: Claudia Kricun / Asistentes de Dirección: Mariana Mussó y Magalí Roja / Dramaturgia y Dirección general: Dardo Dozo

Crítica realizada por Guido Facile