CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "CUANDO LLUEVE"

¿Novela gráfica? ¿Tragicomedia? ¿Comedia dramática?

“Cuando llueve” de Anthony Black es todo eso y también un dispositivo lúdico muy bien diseñado. Cuenta la historia de dos parejas con sus peculiaridades y sus acuerdos, sus elecciones, y aquello que es tan determinante como la construcción meditada de una decisión: el azar.

Alan es un especialista en estadísticas y es pareja de Inés, una maestra. La otra pareja son Ana, hermana de Alan, escritora indecisa con su vocación y Louis, profesor de filosofía. La obra narra la experiencia individual y las conexiones que se produjeron para y por conocerse, los modos que encuentran estas criaturas para satisfacer sus expectativas vitales y también, las maneras que metabolizan la frustración. En fin: la experiencia de lo humano.

El título de la obra alude a aquello que hacemos cuando los problemas se presentan, cuando el sol en nuestras vidas se esconde y la tormenta impone su presencia. Levantamos nuestro rostro al cielo y puteamos resignados o abrimos el paraguas y … vemos qué y cómo hacemos.

El nivel actoral del elenco es muy bueno y dosifica equilibradamente ternura y encanto, dolor y mesurada alegría, en una propuesta que predispone al ponderado distanciamiento bretchtiano, para que el espectador se conmueva sin perder su capacidad de observación crítica.

La traducción de Rafael Spregelburd permite una narración fluida y armoniosa.

Con la técnica del mapping construyen y deconstruyen los correspondientes espacios escenográficos. Este artilugio técnico requiere una coreografía muy ajustada del movimiento escénico, que el elenco manifiesta con precisión.

La dirección del canadiense Anthony Black  está acorde al desafío estético planteado.

Siempre que llovió, paró.

¿Pero no es lindo cada tanto sentir las gotas de lluvia cayendo sobre el rostro?

Un espectáculo que vale la pena disfrutar como una fresca lluvia estival.

Autor: Anthony Black

Traducción: Rafael Spregelburd

ALAN: Rafael Spregelburd

ANNA: Gloria Carrá

LOUIS: Matthieu Perpoint

INES: Moro Anghileri

Dirección: Anthony Black

Asistente de dirección: Javier Kussrow

Compañía: 2b theatre company

Sonido: Christian Barry

Vestuario: Leesa Hamilton

Producción de Vestuario en Argentina: Macarena García

Diseñador de proyección: Nick Bottomley

Coordinación Técnica: Jimena Vidal

Fotografía: Juan Pardo Goicochea, Nicolás Colledani

Prensa: Duche&Zarate

Community Management: Jesica Converti y Yamila Melgarejo Veliz

Producción: Máximo Maciel Bo

Equipo: Florencia Bracco, Fernando Vallejos

Producción ejecutiva: Sebastián Romero

Producción general: 2b theatre

2b Theatre Company:

Anthony Black and Christian Barry, Co-Directores Artisticos

Colleen MacIsaac, Dirección General

Karen Gross, Producción

Rebecca Desmarais, Producción de Gira

Louisa Adamson, Dirección de Producción

Funciones: Los martes a las 20.30 horas

Localidades: $ 350.- Duración del espectáculo: 70 minutos

Teatro CPM Multiescena – Av. Corrientes 1764 - CABA

Critica: Gustavo Oviedo             

CRÍTICA AL FILM "BAILAR LA SANGRE"

Bailemos amor de mi vida, en un cine, bailemos hasta despuntalar al sol. Simplemente bailemos. A bailar al son de la música flamenca. Ritmo y seducción, hasta que los amantes sean separados por la muerte, un duelo y el desencuentro. ¿Qué culpa tienen los amantes de desearse? Parece que toda, acaso uno tiene que amar para toda la vida. En las sociedades modernas, uno tiene el derecho de rehacer su vida, antaño no. Ahora la vida no es una tragedia, no es como 1931, época que Federico García Lorca escribe su magistral obra dramática “Bodas de sangre”. En toda tragedia sabemos que los protagonistas van a morir de amor, es tan grande el desamor que debatirse a duelo por ese amor es una moneda corriente. Y quien no puede decir que la vida no es una tragedia, uno despliega su osadía para seducir y hay recompensa. Aquí la única recompensa es la muerte, después haber amado. Amar hasta morir a duelo. El destino de la heroína es quedarse sola, por haber pecado y haber tenido un amante.

¿Qué es “Bailar la sangre”? Una película que es un homenaje al teatro, al cine y a la vida. Si bien la obra original es española, es también un homenaje a la cultura rioplatense. A esa cultura de barrio que nos atraviesa. Pero lo creativo no es el drama en sí, sino la forma en que se va tomando conciencia de parte de los actores y actrices con la vida Federico García Lorca y su obra. Un excelente recurso, muy bien utilizado por sus directores, Eloísa Tarruella y Gato Martínez Cantó, que le permite desarrollar la trama con fluidez fílmica. La película destila humildad y aunque uno sabe el final de la obra que se homenajea, ambos directores te toman de la mano para transitar esta tragedia. El final no importa, importa la trama del guion, porque hay entrevistas a prestigiosos intelectuales del teatro. Además te narra cómo los actores se van involucrando con la obra “Bodas de sangre”, para alcanzar el dramatismo que logra Federico en su obra. Saura incursionó con esta tragedia, Eloísa y Gato la superan ampliamente a la versión flamenca de ese otro director de cine censurado. Y es por los recursos utilizados que hemos mencionados. Entre la realidad y el baile se desarrolla esta tragedia. Mientras tanto los personajes van introduciéndose en el mundo de Lorca. Y vaya si lo consiguen, se sacan chispas.

Tres bailarines en busca de un director, acá encontraron dos por falta de uno, Jonathan Acosta, Brenda Binachimano y Gastón Stazzone, son el terceto en cuestión y verlos bailar es un mimo al alma. Para poner dramatismo ponen a una monumental Mimí Ardú, su actuación está basada en el teatro clásico y es un juego de contraste genial.

Filmar, producir una película y solventarla económicamente no es fácil en estos momentos. Y esa osadía de contar una historia está en el film, todo comienza con la ocupación de una fábrica recuperada. Y hacer cine hoy en día se conjuga con la osadía de estos directores que buscan pantalla en la ciudad. 

Salí del cine bailando flamenco y me perdí en esta ciudad que al Gato y a Eloísa los hizo feliz. 

Gran jugada, ya que películas de baile no son moneda corriente por estos lugares.

Ficha técnica

Título: Bailar la sangre

Género: Documental de creación / Danza flamenco

Idioma: Castellano

Argentina – 2019

Formato: DCP Color

Guión y Dirección

Gato Martínez Cantó

Eloísa Tarruella

Elenco (por orden alfabético)

Jonathan Acosta (novio)

Brenda Bianchimano (novia)

Gastón Stazzone (Leonardo)

Con la participación especial de Mimí Ardú (madre)

Producción ejecutiva: Gato Martínez Cantó

Dirección de fotografía: Patricia Batlle

Coreografía: Eva Iglesias

Montaje: Omar Neri

Música original: Flor Albarracín y Juan Matías Tarruella

Asistencia de dirección: Florencia Orce

Vestuario: Soledad Gaspari

Dirección de sonido: Lucho Corti

Ingeniero de sonido: Leonardo Ferraro

Diseño gráfico: Juan Reato

Foto fija: Trigo – Gerardi

Prensa: Ana Quiroga

Crítica: José Marina

Sabado 8, domingo 9, martes 11 y miércoles 12 de junio cine Gaumont 

Sala 1 a las 19:15 hs

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "JUICIO A UNA ZORRA”

Dice la sinopsis de este espectáculo “Para unos, Helena de Esparta. Para otros, Helena de Troya. Para todos, la culpable de desencadenar la guerra más famosa de la historia. Pero... ¿quién escribe la historia?”

Y de eso se trata. De quién escribe la Historia. O de cómo el régimen patriarcal viene sobreviviendo desde los siglos de los siglos. Aunque su puesto empieza a tambalear y su mirada a ser cuestionada, ¡ya era hora!

Así de la mano del unipersonal escrito inteligentemente por Miguel del Arco, escuchamos la Historia, esta vez, contada por Helena. Nos detendremos en “pequeños grandes detalles” que la Historia eligió omitir y que, tanto Corina Fiorillo en la Dirección como Paula Ransenberg en su magistral interpretación, supieron apropiarse a la perfección.

Helena nos interpela, nos invita a su juicio, a que dictemos nuestro veredicto, pero antes, pide que su voz sea escuchada. Por una vez en su vida. Por una vez en la Historia. Porque… ¿Llegó antes a nuestros oídos el rapto de Helena por Teseo y Pirítoo a la edad de 9 años? ¿Y que luego de que ambos “echaran a suerte” quién se la quedaba haya sido Teseo quien la sometió a incontables violaciones? ¿Y que fue forzada a casarse con Menelao, un hombre que la doblaba en edad, a los 14 años?

Por supuesto que no. Pero sí se la ha mostrado, incansablemente, como la adúltera, como la mujer que desencadenó la Guerra de Troya, como la responsable de la humillación del Rey Menelao de Esparta y la arpía que consolidó la aniquilación de los griegos.

Y todo a costa de haber tomado una decisión. La única en su vida: enamorarse, ser feliz, amar a un hombre por sobre todo lo demás. Claro que, para la mujer, aún en los días que corren, “la libertad como la felicidad son sensaciones pasajeras”.

Depende de nosotros, partícipes de esta sociedad, que el juicio de la Historia tome otro rumbo, que el teatro independiente nos siga deleitando con espectáculos como “Juicio a una zorra” en Timbre 4, mantener la llama de la justicia encendida y nuestra sensibilidad a flor de piel para cobijar a los desprotegidos.

Depende de nosotros escuchar y abrigar, o no, a Helena de Troya…

Crítica: Carolina Avigliano

Duración: 60 minutos

TIMBRE 4

México 3554 - Capital Federal

Entrada: $ 380,00 - Viernes - 20:30 hs

Hasta el 26/07/2019

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Miguel Del Arco

Actúan: Paula Ransenberg

Diseño de maquillaje: Norbi González Moreno

Diseño de vestuario: Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño de luces: Ricardo Sica

Realización de escenografia: Tramoyistas

Fotografía: Francisco Castro Pizzo

Asistencia de iluminación: Diego Becker

Asistencia de dirección: María García De Oteyza

Asistencia De Escenas: Matias Marshall

Prensa: Antonela Santecchia

Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak

Dirección: Corina Fiorillo

ENTREVISTA LITERARIA AL PRODUCTOR Y DIRECTOR GATO MARTÍNEZ CANTO

LLTV: ¿Último libro que leíste?

GMC: Previo al estreno de “Bailar la sangre”, releí el Romancero Gitano de Lorca. Estoy leyendo también la poesía de Miguel Hernández. En estos momentos estoy a full con la ¿mal llamada? ¿Bien llamada? Generación del 27. La vigencia de todos ellos, es impresionante. En el castellano me parece que es lo último más disruptivo, sumando a Rubén Dario.

LLTV: ¿Tenés manías en el ejercicio de la lectura?

GMC: En una época tomaba notación marginal. Si no tenía un lápiz en la mano no podía leer… ahora se me están yendo las mañas. También acostumbraba a que me de culpa si no terminaba un libro. Ahora no..

LLTV: ¿Recordás haberle leído a alguien en voz alta alguna vez, haber sostenido una lectura compartida, fuera del marco de lo que son los ensayos teatrales?

GMC: Si, una experiencia maravillosa en un taller sobre lo “fantástico”, brindado por Liliana Bodoc. Fue intensivo, en un fin de semana, y uno de los mejores fines de semana de mi juventud. Me sentí tan feliz.

Aparte, todos los jueves, cuando doy clase en la material “Metodología de la Planificación en Comunicación” (Cátedra Zucchelli – UBA), previo a que arranque la clase propiamente dicha, leo una poesía o invito a leer una poesía. La verdad, es que me repito mucho, es como que tengo probados los poemas que funcionan los jueves, 21 hs. (jajaja). Éste año, cuando arranqué la cursada, me pasó algo muy lindo que es que, sin presentarme, arranqué a leer, y cuando terminé los alumnos pensaron que iba a pasar la gorra. Ahí recién me presenté y arranqué con la clase.

LLTV: Los últimos años fueron difíciles para toda actividad cultural en general. Qué perspectivas tenés  considerando que este es un año electoral.

GMC: Soy un anti neo liberal confeso y profeso. Creo que lo peor que le pasó a nuestro país a nivel político desde la vuelta de la democracia, es el gobierno de Cambiemos. Salvo por los muertos del pueblo, lo considero peor que el gobierno de De La Rúa. Lo complejo es preguntarse por qué llegamos a eso. ¿Qué nos pasó? Vienen unos años muy duros y complejos, donde la batalla será cultural o no será, en parámetros de Gramsci.  Creo que tenemos que militar un cambio de gobierno, y luego militar una mirada histórica. Darnos cuenta, de una vez por todas, que éste país mitrista es el fracaso de la batalla de Pavón.

  

LLTV: Este jueves 30 de mayo se estrenó tu nueva película “Bailar la Sangre”. ¿Con qué se va a encontrar el público?

GMC: Con una adaptación libre de Bodas de Sangre, y una película llena de amor y alegría.

LLTV: Ya habían trabajado juntos con Eloísa Tarruella una película anterior “El Objeto de mi amor” (Casi un testimonio documental). ¿Existen vínculos entre aquél material y esta nueva película?

GMC: Con Eloísa Tarruella, la codirectora, nos conocemos mucho. Hay un método de trabajo y un entendimiento, pero no hay una línea directa. Acá nos entregamos a Lorca de lleno.

LLTV: Fuiste el productor ejecutivo de “El Kiosco” la última película de Pablo Echarri. ¿Qué te dejó esa experiencia?

GMC: Me dejó una alegría inmensa y una película maravillosa, que la gente la reivindica en cada función. También una suerte de maestría al hacer una película de ficción en un contexto completamente adverso para la cultura. Hasta desde el punto de vista económico. Una película tiene un “spam” de creación y desarrollo de aproximadamente 2 años y medio / 3 años. Cuando arrancamos con la película tuvimos un rodaje con una paridad de dólar peso a 18 pesos, y la estrenamos con un dólar a 39 pesos. Con eso planteo todo un escenario para la producción y la industria audiovisual.  

LLTV: ¿Otros proyectos que estes trabajando y se puedan contar?

GMC: En vísperas de dos estrenos más, Espejos Rotos, que voy como productor (Una hermosa película de tango, con dos protagonistas europeos), y Los Indalos, donde retratamos la vida de Aurora Sanchez Nadal, en formato de road movie documental. Aurora tiene a su hermano y a su hijo detenidos y asesinados en el intento de copamiento de la Tablada, en 1989. Su hijo Iván, es un desaparecido en democracia, y sus restos no se encuentran hasta el día de hoy. Estoy también viendo si estreno éste año una película sobre los juegos de rol, o si la estreno en el 2020. Y escribiendo el guión de una adaptación de Yerma, de Lorca también; y mi primer guion de ficción.  

 "Bailar la sangre"

Estreno: 30 de mayo

Funciones: 19 h.

Cine Gaumont Espacio INCAA Km. 0 (Av. Rivadavia 1635, CABA)

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL " SUS OJOS ACUSARON AMOR"

Al mirarte mis ojos acusan amor, más acusan cuando te evoco y de eso se trata esta obra de teatro de aquellos que hemos callado, de esas palabras muertas que no salieron de nuestros labios. mirarte y recordarte, eso es amor. Todos tenemos secretos en el fondo del mar, la verdad de nuestras vidas al otro lo puede llevar a la pena de muerte. Callar no es mentir, es dejar que el otro imagine que uno es feliz, la verdad no mata pero duele. La vida es una gran mentira y todos llevamos una careta para no mostrar al mundo nuestras falencias, nuestros pecados y esos amores que nos despeinan en cada amanecer. Y lo que sugerimos es la partera de la historia, todos somos esos corderos silenciosos, simplemente por piedad al otro, por aquel que lloramos por no serle fieles, la única fidelidad que nos brindamos es con nosotros, al otro nos toca aceptarnos con nuestras elecciones.

Todo comienza con dos jóvenes mirando “Los puentes de Madison”, una gran película de alienación de la felicidad. Meryl y Clint se aman, se desean, y como dice alguna vieja canción los amores cobardes no hacen historia. Y la historia la escribimos nosotros, esas personas que nos animamos a buscarlos e interpelemos en nuestra sexualidad. Podemos ser heterosexuales u homosexuales, es una elección ante el placer, al goce. A eso este director no lo juzga, deja que los personajes sean personas plenas, sexualmente. Lo que le molesta es silencio, como Meryl no se anima vociferar ese amor por el fotógrafo. No es una obra acerca del placer o el displacer sexual, sino sobre el temor de nos ser aceptados. El personaje tiene miedo de enfrentar a su madre, ella también tiene dos diarios íntimos que cuenta su propia percepción del mundo. Lo que no te pienso contar que es lo que piensa de su hijo homosexual, ella lo intuye.

Hay un silencio que nos interroga y nos permite esbozar esa palabra felicidad. Como contrapartida de ese joven homosexual, esta una joven libertaria y a ella le toca contar su primera masturbación, escena muy erótica. Aquí se maneja una hipótesis muy jugada, se iguala a la mujer al varón en la satisfacción sexual. El Director se la juega en esta puesta de escena que es sincera. Y cuando alguien viene con relato sincero es bienvenido.

Pablo Giuliano director y dramaturgo, sabe jugar con el tiempo ficcional y te muestra un momento de la vida que no es bello. Para mostrar esos ojos que lloran tiene actores como Julian Bellaggia, Laura Correa, Julia Funari, Carlos Larranaga, quienes cumplen con altura esos silencios que nos acosan. Me quiero detener en el papel de la madre que conmueve, y uno desde la butaca desea una madre comprensiva como ella.

Una excelente obra para reflexionar.

Crítica: José Marina

Ficha técnico artística

Ficha técnico artística

Dramaturgia:

Paolo Giuliano

Actúan:

Julian Belleggia, Laura Correa, Julia Funari, Carlos Larrañaga

Vestuario:

Cecilia Cotognini

Escenografía:

Cecilia Cotognini

Diseño de luces:

Alejandro Wenner

Musicalización:

Leandro Marquesano, marilina mozzoni, Wilmer Rojas Sanchez

Fotografía:

Eliana Laghi

Diseño gráfico:

Virginia Cordara

Asistencia de dirección:

Virginia Cordara

Producción:

Paolo Giuliano

Dirección:

Paolo Giuliano

VIERNES 19:45 HS PARAJE ARTESON (Palestina 919)

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "A.R.C.A. Simulacro Patagónico"

¿Un mundo mejor es posible? Si está en tus deseos, es posible. Todo es posible, “lo esencial es invisible a los ojos”, lo esencial se palpa, se transpira y deja aureolas. Un mundo utópico es lo que lo que sometemos a este universo de esta obra. Un pueblo perdido, el desierto y la soledad de seres humanos que se animaron a soñar con un futuro mejor. ¿Vos todavía crees que se pude cambiar el mundo? Si, cambialo de acuerdo a tu mirada de las condiciones materiales de esta sociedad. ¿“Cambalache”, te acordás? Todo se iguala y en el tango no hay salida. Nostalgia, no un mundo donde los ideales no caigan por su peso específico. Todo es relativo dijo otro científico, la física nada tiene que ver con los condicionamientos político. Todo es político. Todo lo es, desde la decisión de pintar una pared del color que tenes a mano a salir a comprar un color que te guste. Leer esta versión de la obra es político, seguramente tenes cosas más importante que hacer. No hay nada más placentero que un anónimo te lleve a disgustarte con la realidad y a ese juego me han llamado. ¿realidad o utopía? Ese es el juego que nos propone esta obra, vos decidís de que lado de la mecha te encontrás, Redondos... tal vez.

Todo ocurre en un pueblo perdido, el desierto es su localidad. ¿Un pueblo fantasma? No lo es, tiene identidad política , tiene conciencia de posicionamiento económico y sobre todo es rebeldía. Se revela al poder centralizado, es un estado autónomo. Siguiendo con la idea que manejamos, “todo cae por su peso específico”, y sí cae el muro de Berlín, cae el peso específico del consenso. Ahora todo se regula por el precio del mercado. Y esto esta en esta obra, animate a jugar con tu ideología. Un pueblo en el desierto, tu ombligo del mundo no es un desierto. Es salitre y cactus en la soledad del asfalto. En esta obra a los personajes les han salido espinas, ellos no se resignan a la mercantilización del presente y del pasado. Ellos reclaman por un estado presente y de ahí su autonomía. Luchan por sus ideales, todo es posible mientras no aparezcan esas cuestiones de dominio de las riquezas naturales, ahí no tranzamos. ¿Y quién es el enemigo? La propia civilización. ¿Te suena el F.M.I? Acá cobra importancia, el poder externo que nos domina y vende nuestras pulsiones. Un pueblo perdido y esos deseos de tener identidad. Alegoría a lo que nos pasa, no es causalidad, un país que busca su propio destino. Y este director lo dice a viva voz.

¿Y quién narra esta historia perdida en el mundo? Genialidad de Anibal Gulluni, alguien que está disconforme con el rumbo que hemos tomado. Para esto pone voces a diferentes actores que van prefigurando un mundo feliz, que no es feliz, en política es todo comercio. Anímate a entrar en el universo de “A.R.C.A” y vas a ver a un pueblo con sus sueños e ilusiones. No te va a defraudar, o la vas odiar, indiferencia nunca. Te vas a enterar quién es el enemigo, estos actores te lo narran. Un intento Patagónico.

Crítica: José Marina

Ficha técnica:

Actúan: Flavia Bagdadi (Ifigenia); Pablo Bustamante (Dellepiane); Nicolas Cayol (Payró); Julián Cortina/Fernando De Rosa (Virgilio); Lucas Delgado (Fischer); Luna Jankowski (Eduviges); Facundo Leoni (Parravicini); Paco Pasquette (La Fiera); Cintia Schmukler (El pibe); Julia Spinelli (La Roja).

Diseño de Escenografía: Pía Drugueri

Diseño de Luces: Caio Senicato

Diseño de Vestuario: Maria del Pilar Varela

Música: Damián Ferraro, Aníbal Gulluni

Música en vivo: Damián Ferraro, Gastón Martínez  

Diseño Gráfico: Luna Shapira

Fotografía: Sofía Ferraro; Guadalupe Caro

Prensa: Correydile

Producción Ejecutiva: Lucía Asurey; Paula Uccelli

Asistente de Dirección: Lucía Torres

Dramaturgia: Aníbal Gulluni

Colaboración con dramaturgia: Julián Cortina, Damián Ferraro, Flavia Gresores.

Dirección: Aníbal Gulluni

Duración del espectáculo: 75 minutos

Domingos 17 horas

Teatro Método Kairós. El salvador 4530.

Entradas:  A la gorra

Reservas: 4831-9663