ENTREVISTA LITERARIA A LA CANTANTE BELÉN MENDIETA

LLTV: Los tres libros mas importantes que hayas leído o que mayormente te constituyeron como persona.

BM: “Por encima de las nubes” de Jonathan Bach, “Cara a cara” de Gabriel Rolón,Cuentos de la selva (es de los primeros libros que leí y amo profundamente).

LLTV: ¿Último libro que leíste?

BM: “Don quijote de la Mancha”, es un libro que nos dieron en el cole para preparar un trabajo práctico, lo terminé de leer hace dos días y me cautivó.

LLTV: ¿Qué libro te marcó algo para siempre y por qué?

BM: El libro que me marco y dejó algo para siempre en mi fue Cara a cara de G. Rolón. Me hizo trazar un paralelo en sus historias personales y mi propia vida.

LLTV: ¿En qué circunstancias escribís?

BM:. Escribo en muchos momentos, mi necesidad  no tiene que ver con mis ánimos, cuando ocurre, ocurre. Comparto lo que dice Alejandro Dolina, no es bueno escribir dominado  por un sentimiento, creo que no me sirve escribir cuando estoy triste…..lo bueno es escribir recordando una tristeza.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a tomar un café, y por qué?

BM: Me gustaría tomar un café con Gabriel Rolón, lo he conocido y hemos tenido una breve pero increíble charla. Si bien no es un personaje, el protagoniza y se pone al  frente en muchas historias de sus libros.

LLTV: ¿A qué personaje de qué libro invitarías a comer en tu casa dispuesta a divertirte y pasar un buen momento, y por qué?

BM: Elegiría para salir y divertirme a Tom Sawyer. Es un personaje muy divertido y pícaro. Leí ese libro cuando tenía aproximadamente la misma edad del personaje y siempre tuve esa fantasía con el libro, quería participar de las aventuras de Tom.

LLTV: ¿Recordás qué libro te generó muchísima expectativa y te defraudó en la misma o mayor proporción?

BM: El exorcista, me gusta mucho el género de terror. La película es genial y me genero una expectativa que el libro no colmó.

LLTV: ¿Qué cosa es lo que más te sorprende de la humanidad?

BM: El amor, me he dado cuenta que hay muchísimos tipos de amores, mi profesión me hizo conocer un amor muy fuerte, es el cariño que la gente me da. No lo encuentro en ninguna otra parte, es loquísimo que te paren para pedirte un saludo o una foto. Me parece uno de los cariños más sinceros

LLTV: ¿Como vivís estar proyectando tu tercer disco a los 17 años?

BM: Por suerte ya lo estoy presentando. Es una alegría inmensa poder cantar y plasmarlo en un disco. Es una experiencia distinta al show en vivo, pero tiene su encanto pre-producirlo, instrumentarlo, arreglarlo, mezclarlo etc, etc. Pero cuando lo veo dentro del celofán por primera vez, me explota el corazón de alegría!!!!

LLTV: ¿Te sorprendió tener cinco nominaciones en los Premio Carlos Gardel 2016?

BM:. Siiiiii, me sorprendió mucho.

LLTV: ¿Cómo resultó la experiencia de cantar junto a los Carabajal?

BM: Por suerte pude conocer y cantar  junto a muchos artistas, de toda la familia Carabajal he recibido muchos consejos y apoyo, lo bueno es que los grandes como ellos lo hacen desinteresadamente.

LLTV: ¿Desde tu primer disco “Ojitos de Mistol” hasta el tercero “Serán los caminos”, cómo crees que fue tu evolución, en que aspectos sentís que fuiste desarrollando?

BM: En todos los aspectos, fundamentalmente en lo profesional, he decidido que quiero que la música este siempre en mi vida, yo la elegí y ella me eligió a mí. Cuando era más chica y no me decidía bien qué camino seguir, tuve una charla con mi productor y amigo Luis Madozzo. Yo quería ser profesora de teatro, y no estaba decidida qué camino seguir. Entonces Luis me preguntó si yo podría vivir sin ser profe de teatro….le contesté que sí. Luego me preguntó si podría vivir sin cantar…..en ese momento me di cuenta que era imposible no cantar más.

LLTV: Cuáles son los planes para lo que queda de este año y qué cosas estás proyectando para el próximo

BM: Por lo pronto el próximo 2 de julio cierro mi gira por Capital y el Gran Buenos Aires presentando mi tercer disco “Serán los caminos” grabando DVD. Es en el Multiespacio De la Universidad de General Sarmiento.Luego mudamos la gira al norte Argentino y la idea es poder cerrar el año en  un teatro de la calle Corrientes.Para el próximo año estamos planeando grabar nuestro  cuarto disco con una formación y repertorio influenciado por ritmos latinos, de jazz rock y pop.

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "GILDA" DE FLOR BERTHOLD

Gilda es una celebración en sí misma, hace foco en el ángel que vivía en ella, nos cuenta , sin caer en el melodrama, su historia, sus obstáculos, su amor. 

Por sobre todas las cosas su amor a la música, a su arte, a sus hijos, sus miedos y conflictos internos; al enfrentarse la mujer, madre, esposa, con la artista, que luchaba desde lo más profundo de su ser con salir a la luz.

Y el arte prevaleció por sobre los miedos y los convenios sociales.

Seguramente ella nunca pensó como querría ser recordada, pero la fuerza de su pasión fue más fuerte que cualquier miedo.

Gran acierto el de Florencia Berthold al plantear la obra desde la alegría, la fiesta, no hacer foco en algo dramático; pasar sutilmente por asuntos de su vida personal, sin ahondar en detalles innecesarios.

Porque el real protagonista de Gilda es Su Arte, su pasión, su sueño, sus letras... donde se puede ver detalladamente cada cosa que le pasaba, sus amores, sus desilusiones, alegrías y su fe. 

Berthold es autora y actriz principal de Gilda, le pone el cuerpo y la voz, hasta fundirse en ella.  Nos cuenta brevemente como fue su vertiginosa carrera, la obra es ligera, amable, no aburre en ningún momento, todo lo contrario, uno está ahí, queriendo saber un poco mas de ese ser angelado que fue Gilda, y para los que no conocíamos mucho de su vida, es un muy correcto resumen de su  paso por el mundo de la cumbia.

Llegamos al desenlace trágico, que ya todos sabemos, pero no por eso se opaca en espíritu festivo, se la despide como seguramente ella hubiera querido, con música.

Y así, su arte prevalece por sobre cualquier otro recuerdo que la roce.

Teatro Buenos Aires – Rodriguez Peña 411.

Funciones: Viernes 21 h.

Entrada Gral. $200.

GILDA

Autoría: Flor Berthold

Versión libre de “Gilda, la abanderada de la bailanta”  De Alejandro Margulis

ELENCO

Flor Berthold

Nicolás Espinosa

Fernando Sayago

Martín Lavini

 Patricio Romero

EQUIPO TÉCNICO

Vestuario: Julio Cesar Fernández y Matias Begni

Escenografía y diseño gráfico: Queli Berthold

Fotos Gilda: Gonzalo Cortés

Maquillaje: Ana Leiva

Peluquería: Granado Artista de la cabeza

Producción: Ezequiel Montenegro

Asistencia de dirección: Julián Pinto

Dirección: Iván Espeche

Teatro Buenos Aires. Rodriguez Peña 411. Reservas al 5236-3000


VIERNES 21 h.

Comprá tu entrada en: https://www.plateanet.com/Obras/gilda

 Acreditaciones y Contacto de prensa:

Ezequiel Montenegro

Cel. 15 3565 8497

gildalaobra@gmail.com

https://www.facebook.com/gildalaobra

CRÍTICA: Noe Ragaglia

CRÍTICA TEATRAL DE LA OBRA "ANAÏS" de ELOÍSA TARRUELLA

PH: Federico Vallejos

Anaïs – Dir. Eloísa Tarruella

Inspirada en la vida de la escritora Anaïs Nin

Cuando la Tierra gira, mis piernas se abren a la lava emergente y mi cerebro se congela en el Ártico —o viceversa—, pero debo girar, y mis piernas siempre se abrirán, incluso en la región del sol de medianoche, porque no espero a la noche —no puedo esperar a la noche—, no quiero perder ni un solo ritmo de su curso, ni un solo laudo de su ritmo.

Anaïs Nin. Extracto de “Incesto. Diario Amoroso”

Dejo mis ropas. Te muestro mi alma. Te incorporo en mi aliento, con mis ritmos, con mis manos. Perdido de las cosas de este mundo, te espero en un café, o al teléfono, o me consuelo con la pluma y el papel tratando de dar forma a esto.

Quizás estar loco sea una de las formas del amor. Siempre se encuentra al final de un largo extravío. Implica deambular con las horas a cuestas, pensar dónde estás tú, donde estoy yo…en una especie de silogismo saturado de humo y miradas por la ventana. Me embriago, porque esta soledad es una sed interminable. Así, condenado, te veré en cada objeto, en cada cuerpo.

PH: Trigo Gerardi

Las letras intempestivas le dan razones para vivir a esta joven señora, amante…mujer. Su marido, Hugo, es la compañía sin sobresaltos… ni ruin, ni servil. Es un hombre de números. Tal vez su vida sosegada, plena de rutina y bohemia típica parisina la agotan. Pero no sólo es falsa comodidad…es una inquietud más salvaje.

Anaïs escribe su diario y así comienza un rompecabezas al que siempre le falta una pieza…una perdida en la lontananza de su niñez incompleta. Algo del cuerpo urge hacía el vacío y colma los interrogantes.

PH: Trigo Gerardi

El encuentro enceguecedor con Henry Miller cambia su destino. Él es un ser que imprime en papel cada detalle que las pasiones le han deparado. Pero es tal vez su mujer, June, su musa inspiradora de sensualidad y desprecio. Ella es pura, es indócil, es sentir anárquico que pasa de la amenaza al sexo tan sólo en un instante. 

La admiración por las letras y la atracción no tardan en fundirse entre ellos…los tres. La palabra deja de ser mediadora en sus encuentros. El beso, el esperarse, el ocultarse, hacen la cara sincera de sus trampas.

PH: Trigo Gerardi

Anaïs es una nueva pieza de Eloísa Tarruella, inspirada en la tumultuosa vida de la escritora francesa. Como era de esperar, la obra posee una intensidad magnífica. Nos mueve desde el humor suspicaz hasta la tensión del erotismo y la violencia. Y no sólo por su impecable dirección, sino por estos actores excelentes cuya performance nos lleva a sudar la frente en cada escena. De forma precisa nos regalan una imagen de las entrañas de ese París literario y desprejuiciado.

Midiendo la pena de no tenerse cada segundo, estos amantes han naufragado los mares de las letras. Ninguno tiene rumbo sin aquél. Sus destinos están cautivos en el eco de otra voz.

Anaïs se presenta los Sábados  20 hs en Teatro Pan y Arte, Boedo 876 CABA.

Ficha técnica

Elenco:

Florencia Berthold  (Anaïs Nin)

Ariel Nuñez  (Henry Miller)

Florencia Naftulewicz (June)

Santiago Pedrero (Hugo)

Producción general: Eloísa Tarruella / Asistente de producción: Meri Lucewicz / Asistente de Dirección: Martina Simeoni / Ayudante de producción: Manuel Clifton / Diseño de luces: Patricia Batlle / Escenografía: Valeria Lía Martínez / Vestuario: Soledad Gaspari /Realización paneles: Martín Fernanández y Lautaro De Vera / Música  original: Florencia Albarracín y Juan Matías Tarruella “Láudano en canciones” / Estudio grabación voz off: Iván Espeche / Operador luces: Víctor Chacón / Fotografía fija: Trigo- Gerardi / Foto de back: Federico Vallejos, Patricia Batlle, Meri Lucewicz / Diseño audiovisual y Post de imagen: Patricia Batlle / Animaciones: Gabriel Mosetto /Asistente Iluminación (Audiovisual): Martín Chetti / Maquillaje: Meri Lucewicz / Peinados: Andre Bejarano / Coach de baile flamenco: Eva Iglesias de “Late flamenco” / Diseño gráfico: Matías Lucewicz / Prensa y difusión:  Corre y Dile / Dramaturgia y dirección: Eloísa Tarruella.

Crítica: Guido Facile

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LA CASA ROSMER" INTERVENCIÓN IBSEN EN QUERIDA ELENA

Entrar a Querida Elena es entrar a un lugar mágico...

Al principio, solos a la luz de las velas, un licor, una televisión desde donde nos habla de su obra, y frases sueltas en papeles, que podemos elegir  al azar...

Dice Ibsen…”Un verdadero espíritu de rebeldía es aquel que busca la felicidad en esta vida.¨  Si él buscaba la felicidad, no lo sabemos, pero sí sabemos que estaba dotado de un gran espíritu rebelde que buscaba decir, contar , mostrar, mas allá de lo bien visto, gritar verdades y secretos , que rompió con las estructuras y fue juzgado y señalado por eso mismo. Dio luz y abrió camino a una nueva forma de decir.

La casa Rosmer es ir hacia atrás... ya no estamos acá, estamos dentro de sus personajes, de sus vidas y pasiones, no hay escenario formal, los actores se nos pasan por delante, nos cruzan, nos atropella su energía, nos trasladamos en el tiempo, y por un instante estamos en Noruega, sentimos el frío, la desolación y la soledad  de sus almas, el dolor, el amor desencontrado, la locura, la pasión, la muerte...

Es una obra, que no tiene estructura formal de obra, mas bien, es un conjunto de instalaciones encadenadas, que se materializan en Querida Elena, y en sus rincones. 

Magia en estado puro, personajes vestidos de época, nos salpican párrafos y fragmentos de La Casa Rosmer, los vemos sufrir, huir, amarse, odiarse, jugar, gritar... y se entremezcla la ficción con el frío real de una noche de invierno en Buenos Aires, y estamos ahí, en un patio, somos arrastrados por esa química que se forma entre lo irreal y nuestra corporeidad, que de a ratos se nos hace sueño, y pareciese que solo nos dedicamos a trasladarnos en el tiempo y espiar tragedias de antaño.

¨Perderlo todo es ganarlo todo, porque no se posee eternamente más que lo que se ha perdido.¨  Nos dice Ibsen entre tantas cosas que nos ha legado... lo poseemos eternamente entre la magia de sus letras... y se convierte en lo sublime sin tiempo, como todo Arte en estado puro.

Equipo de Querida Elena en Realización Integral

Dirección de Arte: Eduardo Spindola

Dirección Técnica: Rodrigo Mujico

Vestuario: Paula Molina

Asesoramiento: María Mensi

Difusión: Correydile Prensa

Producción Ejecutiva: Paola Gómez

Coordinación de Producción: Claudia Díaz

Producción General: Querida Elena

Idea y Dirección General: Mónica Benavidez

Fichas técnico-artísticas de las obras que participan de este Ciclo

(Todos los actores y participantes por orden alfabético)

IBSENIANAS/performance/videoinstalación

Textos: Silvia Goldstein

Actúan: Jorge Albajari, Julia Azar, Alberto Carmona, Nara Carreira, Macarena Fuentes, Guido Grispo, Adriana Karababikian, Darío Serantes

Músico: Adriana Karababikian

Actuación en video: Daniel Krichmar, Vicente Zito Lema

Videos: Silvia Goldstein, Sergio Klanfer

Realización de objetos: María Emilia Marozzi

Asistencia de dirección: Marina Fredes, Florencia Marrochi

Dirección musical: Sergio Klanfer

Concepto, Puesta en escena y Dirección: Silvia Goldstein

ENTREVISTA LITERARIA A LA DIRECTORA, ACTRIZ Y DRAMATURGA, ELOÍSA TARRUELLA

LLTV: ¿Cuándo surge en vos poner Anaïs sobre un escenario?

ET: Cuando tenía 22 años, ahora tengo 33, me habían hablado de una escritora francesa que había abordado el erotismo en sus escritos y que había tenido una vida de aventuras donde también se había animado a explorarlo. Entonces me puse a indagar. Encontré el diario “Henry, su mujer y yo” que hablaba sobre el período donde Anaïs Nin conoce a Henry Miller y a su esposa June. Quedé tan fascinada que continué leyendo los diarios que le siguen. Y pensé: “esto es una obra de teatro”. Para ese entonces yo no había hecho ni una sola obra teatral como autora o directora. Pero sentía que el momento de hacerla iba a llegar… Pasaron más de diez años y aquí estamos…

LLTV: ¿Por qué Anaïs? ¿Qué hay de la literatura de Anaïs que te identifique de tal manera como para llevarlo al teatro?

ET: Creo que Anaïs fue osada en su vida y en su manera de vivir el arte. Una mujer que escribía sobre erotismo y que además se atrevía a vivirlo en 1930…realmente es una pionera. Rompía las reglas completamente. Pienso que su vida fue como una película con todos los ingredientes dramáticos: el abandono de su padre desde niña (dolor que la acompañó toda la vida), sus romances prohibidos, ella como escritora…Sobre su literatura me identifica la ambigüedad y la poesía. Nin tiene esa capacidad de indagar sobre el deseo humano desde lo poético y lo misterioso. Cada detalle lo eleva. Eso también se juega en la puesta en escena de la obra, intenté captar esa esencia.

LLTV: En cuánto tiempo escribiste esta obra. Alguien me dijo por ahí que te salió como un rayo…

ET: (Risas) …Sí. En general tardo bastante en escribir cada pieza…promedio 2 años. Pero “Anaïs” la escribí en un mes. Fue muy loco porque cuando me decidí a hacerla pensé que iba a ser un proceso largo. Cuando me senté a trabajar, volví a releer material, los cuentos, los diarios como para volver a empaparme…y la escribí en 1 mes. Fue como si ya tuviera la obra en mí, en la cabeza, en mis pensamientos desde hace mucho tiempo…Al terminarla se la di a la escritora y docente Beatriz Pustilnik para que me haga una devolución y sus palabras me llenaron de aliento para decidir rápidamente convocar elenco y equipo para montarla.

LLTV: Habrá proyecciones audiovisuales también. ¿Tuviste toda la colaboración que necesitabas o quedaron cosas que no pudiste poner?

ET: Yo le esquivaba a incluir proyecciones en mis obras. Es un poco contradictorio, soy cineasta además de hacer teatro. Pero me parece fundamental que lo audiovisual cuente algo y aporte desde lo narrativo y lo estético. No quería que esté por que sí. Con “Anaïs” las proyecciones estuvieron presentes desde el proceso embrionario de escritura. Las imágenes cuentan el universo onírico, fantasioso y pesadillesco de Anaïs Nin. Eran fundamentales. Para hacerlas tuve el gran apoyo creativo de Patricia Batlle quien hizo el diseño audiovisual y la post-producción, además del diseño de luces de la obra. Con ella pasamos meses de largo trabajo ideando, y de rodaje también. Las proyecciones fueron una semana de rodaje (casi un cortometraje en sí) y trabajó un gran equipo creativo. Creo que puse todo lo que quería, en general en la obra, pude hacer la pieza que soñé hacer, con todo el esfuerzo y la complejidad que eso tiene.

LLTV: ¿Cómo se conformó el elenco?

ET: El personaje de June (esposa de Henry Miller) fue escrito para la actriz Florencia Naftulewicz, si bien no había trabajado con ella antes, fuimos compañeras de teatro en los talleres de Juan Carlos Gené. La fuerza y sensualidad de Florencia  iba justo con lo que imaginaba. A Flor Berthold (Anaïs) la conocía de haberla visto como actriz y directora. Cuando pensé en quién interpretaría a Anaïs, intuí que era ella. Y fue un placer trabajar cada ensayo, es una actriz que propone, trabaja mucho con el cuerpo…Anaïs no podía haber sido otra. A Ariel Nuñez (Henry Miller), lo conocía de ver sus trabajos en cine y siempre tuve ganas de hacer algo en conjunto. Se dio una química creativa inmediata. A Santiago Pedrero (Hugo, marido de Anaïs) lo venía siguiendo en cine y Tv. Un actor que transmite muchísimo con solo una mirada. Hubo conexión entre los cuatro actores desde el comienzo y se fue intensificando a lo largo del proceso de ensayos.

Anaïs - Estreno sábado 4 de junio.

Sábados 20.00 hs

Teatro Pan y Arte

Boedo 876

Entrada: $150 / $130 (Jubilados y Estudiantes)

Reservas: www.alternativateatral.com

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra40111-anais

Acerca de la Directora y Dramaturga:

Eloísa Tarruella

Joven actriz, directora y autora de cine y teatro. Se ha formado como cineasta en la ENERC-INCAA y en el IUNA. En teatro, con Juan Carlos Gené, Verónica Oddó y Berta Goldenberg, entre otros. “Amorar” (2010-11-15) fue su primera obra teatral como directora y dramaturga. Estuvo años en cartel con éxito de público y crítica. “Los amantes del cuarto azul” (2014) su segunda obra protagonizada por Eugenia Tobal, formó parte del Ciclo de Autoras Argentinas en el Teatro Nacional Cervantes. En Cine dirigió el film premiado “Gené, en escena” (2010) sobre la vida del maestro teatral Juan Carlos Gené. “El objeto de mi amor” (2014) film que se estrenó en el Cine Gaumont, fue premiado en el Festival Internacional Latin Arab. Este año dirigirá su tercer film “Bailar la sangre” con el apoyo del INCAA, que será una adaptación del clásico Bodas de Sangre a danza flamenca.

DOSSIER DE FOTOS DE NOE RAGAGLIA "VICIO"

Modelo: Belen Sanchez

Modelo: Belen Sanchez

Vicio de mirar, de espiar, de tocar con los ojos… vicio de contemplar, robar, robar curvas, miradas, gestos, instantes… una ladrona de instantes, que ya no son del otro, ahora son todos míos, y llevan mi firma, mi mirada, mi vicio secreto de la contemplación.

Modelo: Connie

Modelo: Connie

Cuasi acto sexual sin consumación… de los mejores, porque el deseo y las ganas quedan intactas, y se prolongan hasta el infinito, porque no hay mejor sueño que el que se sueña todas las noches, ni mejor futuro que aquel que está por venir…

Paola Zeus y Facundo Bonamico

Modelo: María O

Modelo: María O.

Fotos y texto: Noe Ragaglia

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "LOS CIEGOS"

Manotazos en la oscuridad.

¿Qué es exactamente aquello que llamamos Teatro? Nuestra Ciudad, a pesar de la constante intención de las autoridades porteñas en lograr lo contrario, produce mucho de eso que llamamos Teatro. En cada barrio, en pequeñas o grandes salas, hay un grupo de gente que produce espectáculos de manera independiente y a pesar del mundo. Y la mayoría de las veces, comparando una obra con otra (en este sentido: preguntándole a cada una qué es lo que entiende por Teatro) se vuelve complicado encontrar una zona de contacto, libre de contradicciones. Como si algo de lo que hacemos fuera un misterio por descubrir y nosotros un grupo de ciegos dando manotazos en la oscuridad, intentando conectar con aquello que nos rodea, de lo cual sólo recibimos algunos estímulos, pistas, indicios.

Existen aquellas obras que nos reafirman en nuestra propia comodidad. Que nos cuentan un cuentito que, al salir, nos reconforta con nosotros mismos. Nos hace pensar que estamos bien, que vamos por un buen camino y hasta que somos subsidiarios de una especial sensibilidad por haber participado de semejante convite. Es opinión de este cronista que las mejores obras son aquellas que nos cuestionan en nuestro lugar de espectadores, de ciudadanos bien pensantes. Aquellas que no son tan cómodas de mirar. Al fin de cuentas, para todo lo demás existe Netflix. Es una posición absolutamente personal pero, en este caso, vale expresarla porque la obra que se da todos los Viernes a las 21hs en el precioso espacio Hasta Trilce (Maza 177) es realmente una obra perturbadora.

El texto corresponde a Maurice Maeterlinck (Bélgica 1862 - Francia 1949) y fue estrenado por primera vez en 1891 (más de medio siglo antes que Esperando a Godot). Es un poema dramático que la crítica ubica como canónico del Simbolismo y que suele pensarse como un antecedente de la obra antes citada de S. Beckett. Y, a pesar de que nos separa más de un Siglo y un océano de su creación, posee una misteriosa actualidad que la hace propia, también, de éste siglo que recién comienza.

Son doce ciegos, seis hombres y seis mujeres, que fueron llevados por un sacerdote al bosque. La obra comienza en el preciso momento en el que este grupo descubre que su guía desapareció y que deben valerse por sus propios medios para volver. Mejor es quedarse donde uno está, dice alguno de los ciegos, no sabemos lo que somos por más que nos toquemos con las manos.  Presentada con una verdadera apuesta plástica y coreográfica, la obra hace de ese grupo de ciegos un verdadero coro trágico que busca encontrarse luego de la desaparición de su líder. Resonancias políticas nacionales a parte,  es una verdadera paradoja estar frente a tan exquisita puesta pensando que los mismos personajes no pueden verla.

Ficha Técnica:

Elenco: Agustina Yacachury/ Carlos Vilaseca /Horacio Vay /José Luis De Giano /Juan Manuel Casavelos / Julieta Koop/ Luciano Moreno/ Macarena del Corro/ Miguel Angel Vigna/ Nancy Micheloni /Norma Kania Glozman/ Romina Almirón

Dirección y puesta en escena: Nayi Awada y Tomás Bradley

Asistencia de dirección: Andrea Bouhier

Asesoramiento coreográfico: Ignacio González Cano

Intervención electrónica/ lumínica: Daniel Sánchez

Diseño de escenografía y vestuario: Marcelo Valiente

Realización escenográfica: Maite Corona - Ileana Vallejos - Andrés Bailot.

Realización de vestuario: Magalí Salvatore - Natalia Suárez.

Diseño de texturas y telón: Mae Bermúdez.

Tallas anatómicas: Marcela Alonso.

Diseño de luces e iluminación: Sergio Iriarte

Música: Sebastián Bradley/ Tomás Bradley/ Maximiliano Martínez                          

Sonido: Maximiliano Martínez

Producción general: HASTA TRILCE producciones

Producción ejecutiva: Andrea Bouhier

Crítica: Mariano Rapetti