CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL "BACACAY, UN CRIMEN PREMEDITADO"

Los crimines son premeditados nos propone Adrián Blanco en su obra de teatro, parece que sí. Todo es premeditado. La vida es premeditada, hasta la muerte. Todos deberíamos conocer las causas de nuestras muertes, tal vez no sea una cuestión de decadencia del cuerpo. Si a esta afirmación se le suma que el occiso deja propiedades como herencia, nada es causal. Vivir cuesta vida dijo un artista, morir cuesta vida, dijo un desprevenido. Y a ese juego nos llama esta obra, es posible morir en la soledad de una casa de personajes oscuros, si es posible. La muerte nos espera y los que están vivitos y coleando son sospechosos de un presunto asesinato. Vivimos en un mundo donde nos gusta  meternos en la escena de un crimen y sacar conclusiones de quién es el asesino. El director juega con tu morbosidad, es como jugar a  los detectives como cuando eras chico. A esto te lo permite desde el inicio, jugar con tu imaginación y te puedo decir que indaga a tu intelecto, Adrián Blanco te seduce para sacar conclusiones acerca de un asesinato. Y uno va tomando parte de este juego de seducción, acaso no ves por la televisión crímenes y vos vas sacando tus propias conclusiones.

Adrián Blanco no está sólo, tiene un texto firme creado por Gombrowicz que escribió con el seudónimo de Bacacay y esos relatos son  tan sólidos como la obra de teatro. Adrián le saca provecho en su puesta en escena y con pocos elementos te va contando un crimen y su investigación. Es una obra policial, sin policías. La investigación es llevada por un juez de instrucción que va a investigar un asunto de propiedades de un señor y se encuentra que este está muerto. Asume la responsabilidad  de buscar el culpable, pero no se queda en la búsqueda de la verdad, sino este juez tiene que luchar contra sus propios prejuicios de ese juez que buscará imperfecciones en su investigación. Para llegar a la verdad pondrá en jaque a todos los habitantes de esa casa perdida en algún lugar del mundo. Todos somos sospechosos, es lo que nos dice Blanco en su obra, te permite entrar en un universo de personalidades donde todos los personajes tienen un móvil para  realizar el crimen. Este juez se queda observando la cotidianidad de esta familia y va sacando sus conclusiones. Todos tienen una coartada perfecta. ¿Logrará este juez llegar a descubrir el crimen perfecto? A eso me lo callo, para eso tiene que indagar a los habitantes de esta sombría familia. Y esto ocurre en la segunda mitad de la obra y es donde cobra vuelo dramático, descubrir la muerte. No es que la primera parte no sea interesante pero permite entender porque este juez es un observador, se queda sentado en una butaca sin emitir criterio, luego pasa a la acción. Todo es confuso, Blanco te toma de la mano y te invita a un recorrido lleno de sospechas.

¿Cómo es posible que “Bacacay” llegue a ser un policial que te invita a jugar con tu imaginación y vos puedas jugar a ser un detective? No es simple la respuesta, es por la puesta austera de escenografía que te remite entrar en este ámbito sombrío del asesinato. Además cuenta con una iluminación acorde a cada momento dramático. A lo que se suma muy buenas actuaciones de Fito Canelillo, Mario Frías, Gabriela Ramos, Eva Matarazzo, Julieta Raponi y Ariel Haa. Todos cumpliendo su parte e imponiendo su personalidad a estos personajes que están bajo la lupa de ser enjuiciados.

Todo crimen no es premeditado, hay algunos que sí y este es un ejemplo. “Bacacay” parte de un relato sin fisuras y la adaptación al teatro es muy buena, tiene esa oscuridad delrelato que propone Gombrowicz. Además es una obra actual, vos te preguntarás por qué y es donde Blanco cobra fuerza como director con una obra sincera y llena de intrigas. A lo que se suma la ironía del mundo.

Crítica: José Marina

Ficha Artística y Técnica: 

Dramaturgia: Adrián Blanco y Mario Frías; Intérpretes: Fito Yanelli, Mario Frías, Gabriela Ramos, Eva Matarazzo, Julieta Raponi y Ariel Haal; Espacio Sonoro: José Paéz; Diseño de Luces: Sergio Iriarte; Diseño Gráfico: Gabriela Ramos; Vestuario: Milena Amado; Dispositivo Escénico: Adrián Blanco; Realización Escenográfica: Gustavo Coll; Asistencia de Dirección: Silvina Cassou; Producción Ejecutiva: Martina de Pablo; Dirección: Adrián Blanco

Prensa: Silvina Pizarro

Funciones: viernes, 20.30 hs. /Sala: El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034 / Entrada: $350.- (Descuentos a Estudiantes y Jubilados)/ Tel. – Informes: 011 4863-2848

CRÍTICA A LA OBRA TEATRAL CUARTELES DE INVIERNO

                    

No te voy a contar nada nuevo de Osvaldo Soriano, todo está dicho. Pero si te puedo contar como vivencia la obra de este genial escritor, el dramaturgo Daniel Moreno. Y en esta obra Moreno cuenta la historia de dos personajes pertenecientes a la cultura popular, ambos en decadencia. Uno Andrés Galván, un cantor de tangos, y el otro Tony Rocha, un ex campeón de box. La decadencia los encuentra a ambos personajes en Colonia Vela, un pueblo perdido sumergido en la dictadura militar. Uno con conciencia de las atrocidades de la dictadura, el otro sumergido en la ignorancia. Ambos personajes son referentes de lo que sucedía en esa época, algunos eran “subversivos” por pensar diferentes y luchaban por un mundo igualitario. El otro no le importaba la lucha y desaparecidos no era un vocablo que se deslizaba de su boca. Dos paradigmas de personas que vivían en nuestro país, unos con consciencia social, otros sin implicarse en la política de nuestro país. Y en este universo de personajes aparece el representante de la ley de los dictadores y aquellos civiles que les dieron una mano a aquellos que luchaban por un mundo más justo. Colonia Vela es un referente de nuestra etapa de la dictadura, la represión estaba a las órdenes del día. A lo que se suma la ignorancia de algunos de sus habitantes. Colonia una metáfora de país, que habla del exilio interior que vivieron algunas personas, todos representados por personajes en decadencia. Tal vez lo que nos quiere decir Daniel es hablar de la decadencia de una sociedad y de la necesidad que la dictadura decaiga.

El tanguista y el boxeador no se conocían, ellos fueron contratados para entretener al vulgo. La frase pan y circo era la moneda corriente en esa época, cuando un pueblo no tiene libertad se crea el circo romano. Se entabla entre ambos personajes una amistad que es llevada hasta las últimas contingencias. La represión no tarda en aparecer, como le sucede a todo pensador que no se amolda a las reglas de juego. Mientras, el otro estádestinado al fracaso por enfrentarse en el ring al poder. A lo que se suma un amor prohibido. Aparece el poder que es restrictivo y que festeja su lucha contra los subversivos. Y el pueblo ve como aparece un elemento disruptivo que irrumpía en el orden alcanzado. Y aparece el loco que no acompaña las ideas de ese mundo establecido por la fuerza. 

Con pocos elementos escenográficos Daniel te traslada a espacios de ese pueblo, un ring ficticio, unas palabras te trasladan a algún lugar de ese pueblo y todo es real. Aquí el director apela a la imaginación del espectador. Se encuentra afianzado por las buenas actuaciones de Norberto Gonzalo, Néstor Villa, Daniel Toppino, Jorge Noya, Luis Mancini. La iluminación es acertada, y te traslada a los diferentes lugares.

Daniel Moreno juega con Osvaldo Soriano y sale airoso, contando simplemente partes del libro, retractando fielmente a la ideología de ese libro. Uno en la butaca se acuerda de esa época y es necesario narrarla para no caer otra vez en esa etapa donde la censura era moneda corriente. Colonia Vela metáfora de nuestro país, que por lo menos somos muchos que nos abrigamos con ese estilo de vida que es genial y se llama democracia. Y salí del teatro cantando “No llores por mí argentina”, no sé por qué hice esa asociación libre.  

Ficha técnico artística

Adaptación: Daniel Moreno
Actúan: Norberto Gonzalo, Luis Manchini, Jorge Noya, Daniel Toppino, Nestor Villa
Iluminación: Memoriantes
Ambientación Sonora: Memoriantes
Diseño de luces: Daniel Moreno
Diseño sonoro: Daniel Moreno
Fotografía: Camilo Moreno
Arte: Catalina Romero

Asistencia De Producción:
Felicitas Luna
Asistencia de dirección:
Catalina Romero
Puesta en escena:
Daniel Moreno
Dirección general:
Daniel Moreno

NOAVESTRUZ ESPACIO DE CULTURA
Humboldt 1857 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4777-6956
Web: http://www.noavestruz.com.ar
Entrada: $ 300,00 / $ 200,00 - Domingo - 18:15 hs - Hasta el 25/08/2019 

CRITICA A LA OBRA “UNA MAGNIFICA DESOLACION”

El living de una casa. Diferentes muebles y objetos nos ubican en la línea del tiempo. Espiamos la vida cotidiana de una familia de clase media argentina. Transcurren los años ´60.

El espectáculo aún no comenzó y la acertada escenografía de Silvia Bonel y Daniel Feijóo nos sumerge en el universo en el que se desarrollará “Una magnífica desolación”, el último espectáculo estrenado por el director Santiago Doria bajo la pluma de Daniel Dalmaroni.

Un hijo llega a casa de sus padres. Pero no es un momento cualquiera. Se trata del día anterior a que, con el Apolo XI, el hombre ose pisar la luna por primera vez. Tampoco es un hijo cualquiera, porque Johnyes el astronauta suplente, y no debería estar en el barrio de Barracas sino en Cabo Kennedy dispuesto a entrar en acción en caso que a algunode los tres titulares de la misión, Armstrong,Aldrin Jr. y Collins, tenga algún contratiempo.

A partir de aquí, la sucesión de situaciones absurdas y desopilantes no tendrán marcha atrás. Daniel Dalmaroni nos regala una pieza inteligente, con muchísimas referencias históricas de aquí y de allá, porque aparecen Kennedy y Onganía, Nixon y el Cordobazo, Marilyn Monroe y Perón en el exilio, Arthur Miller y Rattin, la guerra fría y el estado de sitio argentino. Un texto que utiliza el humor para ponernos de cara a reflexiones profundas y que permite a los actores transitar diferentes momentos de gran lucimiento.

La tríada actoral está compuesta por Patricia Echegoyen, Alfredo Castellaniy Patricio Paz. Cada uno de ellos, nos deleitan con luz propia y contundente en el escenario. Una fuerza que Santiago Doria, en la dirección, sabe potenciar como ninguno para que el conjunto multiplique exponencialmente ese reflejo que los hace brillar. El resultado es inigualable. Y como espectadores, no podemos dejar de deleitarnos con la sutileza de las actuaciones, la creatividad del texto y la refinada dirección.

Todo está en el tono justo, la coreografía de los movimientos escénicos, el diseño de luces, los efectos sonoros, la música y, sobre todo, el contrapunto permanente entre el humor y la necesidad de repensarnos cuando nuestras expectativas chocan con la realidad y nuestros ideales siguen su curso sin importar que los vínculos familiares se destruyan.

Opinión: EXCELENTE

CRITICA: Carolina Avigliano

Ficha técnico artística

Autoría: Daniel Dalmaroni

Actúan: Alfredo Castellani, Patricia Echegoyen, Patricio Paz

Vestuario: Silvia Bonel, Daniel Feijóo

Escenografía: Silvia Bonel, Daniel Feijóo

Iluminación: Silvia Bonel, Daniel Feijóo

Diseño de luces: Roberto Traferri

Música original: Santiago Rosso

Fotografía: Fernando Lendoiro

Diseño gráfico: Fernando Lendoiro

Asistencia de dirección: Miguel Kot

Prensa: Haydeé Marocchi

Producción ejecutiva: Rosalía Celentano

Dirección: Santiago Doria

EL TINGLADO TEATRO

Mario Bravo 948 - Caba

Reservas: 4863-1188

Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar

Entrada: $ 400,00 / $ 350,00 - Lunes - 20:00 hs

CRITICA A LA OBRA “QUINTO ROUND”

En “Quinto Round” el boxeo se cuela en el teatro. Al ingresar a la sala, la atmósfera se tiñe de este mundo, en el que una casilla con aires de suburbano y luces en penumbra, hace a la vez de hogar y de lugar para entrenar; pero también, de un espacio en el que se funden los vínculos personales y laborales de los distintos personajes que ingresan a escena en una lograda escenografía a cargo de José Escobar.

Allí entrena Renato, un boxeador de pocas victorias sobre sus hombros con un objetivo claro: desafiar su destino en la revancha contra "El Ninja".

Pero, ¿es suficiente la perseverancia y las ganas de progreso en un mundo signado por la corrupción y la falta de ética?

Este contrapunto, se pone en cuestión cuando Pascarolli (el representante; Juan Carlos Ricci) trae a Sócrates (el entrenador, Osvaldo Santoro) la propuesta de una “pelea arreglada” a cambio de una buena suma de dinero en desmedro de “su protegido”.

Un cambio en el “pasar económico” de todos que también beneficiaría a Mili, la amante de Renato (María Lía Bagnoli), quien ayuda con los gastos mensuales gracias a la buena posición social de su marido, y al que no está dispuesta a renunciar más allá de la atracción sexual que siente por el boxeador (Ramiro Martinez).

Así, el dinero parece corromper a todos. Para Pascarolli es una oportunidad de “arreglar” más peleas en el futuro. Para Sócrates, la posibilidad de cumplir el sueño de comprarse un “terrenito” propio. Para Mili, una puerta importante a la hora de tomar la decisión de dejar a ese marido que no ama pero del que dependen sus comodidades cotidianas. Y para Renato, el empujón necesario para lograr solventar los gastos de su hijo y traerlo a vivir con él.

Pero Renato ha perdido demasiadas peleas, no tanto en el ring sino en su vida. Y digan lo que le digan, nada parece convencerlo de dejarse abatir de nuevo.

En este devenir de estados de ánimo y contradicciones se va sucediendo la obra. Con un buen ritmo de los tiempos a cargo de la dirección de Gerardo Otero y actuaciones convincentes en las que se destacan la impronta de Ramiro Martinez (como el boxeador) y la composición de Juan Carlos Ricci (como el representante).

En definitiva, la historia se presenta en un formato lineal, una anécdota chiquita que habla de los sueños y está bien muy actuada, que por momentos levanta vuelo y que, en otros, desde la superficie, abre un debate de conciencia.

Crítica: Carolina Avigliano

Ficha técnico artística

Autoría: Pacho O´Donnell

Actúan: María Lía Bagnoli, Ramiro Martinez, Juan Carlos Ricci, Osvaldo Santoro

Escenografía: Jose Escobar

Iluminación: Ricardo Sica

Diseño: Juan Ignacio Tapia

Fotografía: Francisco Castro Pizzo, Juan Ignacio Tapia

Diseño gráfico: Pablo Bologna

Asesoramiento En Boxeo: Pablo Paoliello

Asistencia de dirección: Ana Sancho

Prensa: Marisol Cambre

Dirección: Gerardo Otero

TIMBRE 4

México 3554 - Capital Federal

Teléfonos: 4932-4395

Web: http://www.timbre4.com

Entrada: $ 380,00 - Domingo - 19:00 hs

CRITICA A LA OBRA TEATRAL “EL LINDO DON DIEGO”­­

Agustín Moreto fue uno de los dramaturgos que brillaron en el período del Siglo de Oro español. Una de sus obras más reconocidas es “El lindo don Diego”, escrita en 1662 y enmarcada como una comedia “de figurón” (un subgénero dramático cercano a la farsa) en el que siempre se podía identificar algún "galán"que resultaba burlado en un enredo de tipo amoroso.

Podría decirse que si hay alguien que ama el teatro clásico en la escena local, ése es Santiago Doria. El prestigioso director, ganador del premio ACE de Oro, retoma con el mismo grupo con el que montó “La discreta enamorada” (de Lope de Vega) su amor por los autores del siglo de oro y redobla la apuesta con “El lindo don Diego” (de Agustín Moreto).

Así, con esta comedia de enredos en la que se satiriza al personaje "del lindo", el público olvida a los 10 minutos de comenzado el espectáculo que está ante una obra escrita en verso, o más bien, comienza a disfrutar de la musicalidad de esos textos cargados de un decir llenos de poesía.

Y aunque la tarea parece sencilla no lo es. Requiere de un gran trabajo por parte de los actores y de la dirección: prosificando el texto y encontrando su “cantar”, apropiándose de los versos para que no pierdan comicidad ni las críticas que encierran, sutilmente, hacia los exacerbados cánones de belleza. 

El resultado es exquisito, ya sea por este conjunto de intérpretes de gran talento que, en esta segunda obra, parecen amalgamarse cada vez mejor, como por el vestuario a cargo de Maydée Arigós o por la destreza con la que Santiago Doria, cual experto titiritero, mueve los hilos de sus actores creando puestas de impecable calidad artística.

Crítica: Carolina Avigliano

Duración: 85 minutos

Ficha técnico artística:

Actúan: Irene Almus, Gastón Ares, Andrés D´adamo, Mónica D’agostino, Pablo Di Felice, Francisco Pesqueira, Gabriel Virtuoso, Ana Yovino

Vestuario: MaydéeArigós

Iluminación: Horacio Novelle, Sebastian Ochoa

Música: Gerardo Gardelin

Fotografía: Fernando Lendoiro

Diseño gráfico: Fernando Lendoiro

Asistencia de dirección:JazminRios

Prensa:HaydeéMarocchi

Producción ejecutiva:Rosalía Celentano

Dirección:Santiago Doria

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 – Caba

Teléfonos: 5077-8000 int 8313

Web: http://www.centrocultural.coop

CRITICA A LA OBRA “ANITA O LA TRAGEDIA DE LAS PARTES”

“Anita o La tragedia de las partes, es una historia de amor que termina mal o quizá termina bien, esto varía según quién saque la conclusión final. Tres amigos manipulando hasta límites insospechados un destino evitable. La mente perversa de una chica de la High Society, criada en la abundancia, con su vida material resuelta, que vive en un mundo paralelo al de la gente común. Anita manipula, Anita engaña, Anita pervierte el orden establecido”…

Hasta aquí, la sinopsis del espectáculo. Y no sería apropiado hablar mucho más de la temática o de su argumento sin anticipar los vericuetos que tiene el texto y a la manipulación que tanto los personajes de la obra como los espectadores nos vemos involucrados. 

Luis Longhi, con sus criaturas, en su doble rol de dramaturgo y director, nos lleva de un lado a otro en la trama, cuando pensamos que la corriente sigue un camino nos encontramos con una piedra, pero luego el torrente avanza, retrocede y nos permite bifurcaciones que nos obliga a asumir un rol activo en nuestra mirada e interpretación de los acontecimientos.

La partitura escénica viene acompañada de una muy buena escenografía a cargo de Vanessa Giraldo y de la música en vivo compuesta por Juan Ignacio López e interpretada maravillosamente por Esteban Fioroni, ValterIzzo, Luz Merlo y Nicolás Muñoz.

En este thriller psicológico, se destaca con creces el trabajo interpretativo de Maia Francia, que con su vasta trayectoria y formación, transita diversos estados de ánimo llenos de matices. También, la entrega emocional que, en su corta pero intensa participación, alcanza Pablo Sórensen.

En definitiva, una obra original, que mantiene la tensión del espectador sobre lo que sucede en escena y con algunas actuaciones que son un deleite para la platea.

Crítica: Carolina Avigliano

Duración: 65 minutos

Ficha técnico artística

Libro: Luis Longhi

Actúan: Maia Francia, SebastianPolitino, Pablo Sorensen, María Viau

Músicos: Esteban Fioroni, ValterIzzo, Luz Merlo, Nicolás Muñoz

Diseño de vestuario: Vanessa Giraldo

Diseño de escenografía: Vanessa Giraldo

Diseño de luces: Sebastián Irigo

Realización de escenografia: Tomás González

Música original: Juan Ignacio López

Operación técnica: Sebastián Crasso

Fotografía: Diego Murciego

Pinturas: Beatriz Provitina

Diseño gráfico: Marisol Acebedo

Asistencia de dirección: Dana Taicher

Prensa: Tehagolaprensa

Producción ejecutiva: Dana Taicher

Producción general: Bacs Producciones

Dirección musical: Juan Ignacio López

Dirección general: Luis Longhi

EL TINGLADO TEATRO

Mario Bravo 948 - Capital Federal

Teléfonos: 4863-1188

Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar

Entrada: $ 400,00 - Sábado - 18:00 hs

CRITICA A LA OBRA TEATRAL “LA REINA DE LA BELLEZA”

“La reina de la belleza” es una historia escrita por el autor irlandés Martin Mc Donagh, en el que somos testigos de la violenta y perversa relación que tienen Madge y Maureen, una madre anciana y su hija soltera, permanentemente atada a propiciarle los cuidados insufribles que su progenitora le demanda.

Ambientada en un pueblo perdido de Irlanda, del que la mayoría de los jóvenes deciden emigrar en busca de un fututo mejor, la tensión entre ellas recrudece ante las amenazas por desmantelar este vínculo perverso con la aparición de los hermanos, Pato y Ray, en sus vidas.

Así, desde el momento que comienza la función, cada aspecto de esta puesta a cargo de Oscar Barney Finn, está pensado con una precisión absoluta: eldiseño de vestuario de Isabel Zuccheri, los detalles de la escenografía de Eduardo Spindola, los sutiles cambios del diseño de luces de Claudio Del Bianco y el diseño de sonido de Sergio Klanfer.

Oscar Barney Finn, además, supo trasmitir a sus actores las pinceladas perfectas con las que debían trazar sus lienzos y, el resultado, es un deleite actoral que no puede pasar inadvertido.

Comenzando con Marta Lubos, una actriz que hace de su cuerpo y su expresividad lo que le da la gana. Su personaje encierra cientos de contradicciones; es la madre odiosa e inimputable, hiriente pero vulnerable, fuerte y patética. No hay dudas, Lubos irradia luz sobre el escenario.

De la misma manera podemos hablar de la otra protagonista de la obra: Cecilia Chiarandini, que en su rol de hija, transita una cantidad de matices y estados de ánimo de una verdad absoluta sobre el escenario.

Lubos y Chiarandininos regalan un enfrentamiento actoral inigualable. Claro que Pablo Mariuzzi (quien también se destaca en la obra “Un señor alto, rubio, de bigotes”), no se queda atrás. Su personaje aporta determinación pero también sensibilidad y grandes sutilezas sobre el escenario. Completa el equipo actoral, SebastianDartayete, el más joven del elenco, quien logra, por momentos, logradas situaciones en escena.

“La reina de la belleza” no es una de las tantas posibilidades que nos trae la cartelera porteña sino una obra para aquellos que quieran irse satisfechos de ver buen teatro.

Texto, dirección y actuaciones se conjugan para construir un espectáculo ¡digno de verse y de ser disfrutado!

Crítica: Carolina Avigliano

Duración: 90 minutos

Ficha técnico artística:

Autoría: Martin Mc Donagh

Actúan: Cecilia Chiarandini, Sebastian Dartayete, Marta Lubos, Pablo Mariuzzi

Voz en Off: Pablo Flores Maini

Vestuario: Isabel Zuccheri

Escenografía: Eduardo Spindola

Diseño de luces:Claudio Del Bianco

Diseño De Sonido:Sergio Klanfer

Prensa: Prensa Duche&Zárate

Efectos especiales:TRENTUNO FX

Fotografía:Lucas Suryano

Diseño gráfico:Leandro Correa

Asistencia de iluminación:Estefanía Piotrkowski

Asistencia de vestuario:Josefina Veliz

Asistencia de dirección:Florencia Laval

Producción Ejecutiva:Cynthia Nejamkis, Alberto Teper

Dirección: Oscar Barney Finn

EL TINGLADO TEATRO

Mario Bravo 948 - Capital Federal

Teléfonos: 4863-1188

Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar

Entrada: $ 450,00 - Viernes y Sábado - 20:00 hs